Historiador del Arte. Postgrado en Educación Artística y Museos. Postgrado en organización de exposiciones, marketing y comunicación. Miembro de AVCA. Aso. Vciana. Críticos de Arte. Miembro del ICOM-UNESCO. Consejo Inter. de Museos.
MOSCÚ
El Museo de Arte Moderno de Moscú, en
colaboración con la Galería Marlborough,
presenta la primera exposición individual en Moscú de un artista español Juan
Genovés. El cronista pictórico del período moderno en la historia
española, tuvo un impacto duradero en la escena del arte español a partir de la
segunda mitad del siglo XX y hasta ahora. La exposición en el MMOMA se
abrirá como parte de la feria internacional anual Cosmoscow.
El
proyecto cuenta con cerca de 90 obras que exploran el tema de la multitud
durante diferentes períodos del viaje artístico de Juan Genovés: primero, en el
contexto de la lucha política contra el régimen dictatorial de Francisco Franco
(1960-70), luego a través del período de transición que condujo a El
establecimiento de la democracia española. El artista trabaja
principalmente en pintura, dibujo y, desde principios de la década de 2000,
escultura, experimentando igualmente con técnicas mixtas que incluyen algunos
elementos de collage y ensamblaje.
Juan
Genovés es contemporáneo de los acontecimientos más catastróficos y trágicos de
la historia española del siglo XX. El artista nació en 1930 en Valencia en
una familia de decoradores de muebles. A los 16 años, después de estudiar
en el estudio de su padre, ingresó en la Academia de Bellas Artes de San Carlos
(Valencia). Se desarrolló como pintor en el período de posguerra cuando el
gobierno del general Franco siguió una política de totalitarismo y, en el campo
del arte, grupos creativos de vanguardia comenzaron a formarse a la sombra de
las instituciones del neoclásico oficial. estética: los propios artistas
tienden a ver su propia actividad como un compromiso social y se centran
principalmente en el arte abstracto. Juan Genovés formó parte de este
último campamento; incluso durante sus años en la Academia, fundó uno de
esos grupos: Siete, 'siete' en español.
En
la década de 1960, el régimen de Franco aprovechó el arte abstracto para
representar a España en el escenario cultural mundial y demostrar el libre
pensamiento cultural a nivel nacional. Conscientes de estas tendencias
políticas y, al mismo tiempo, influenciados por los procesos generales del arte
mundial, los artistas discordantes volvieron a la pintura figurativa después de
practicar la experimentación de vanguardia. Uno de los grupos
neo-figurativos españoles más destacados fue el Grupo Hondo
("profundo" en español) cuyo cofundador fue Juan Genovés
(1960). Este fue el momento en que acuñó su icónico estilo figurativo, con
muchas figuras humanas formando una multitud, una multitud, un `` ciudadano
colectivo '' que se resistía al sistema, huía de él y, como regla, sufría
violencia física y muerte.
En
la década de 1970, las obras del artista mostraron una tensión creciente, se
concentró más en figuras individuales, crecieron en escala como si el artista
tuviera un zoom de cámara entre sus herramientas. Los escenarios trágicos
y, a veces, incluso las poderosas emociones de los personajes participantes
salieron a primer plano. A pesar de representar numerosas situaciones
cotidianas, Genovés aún dejó a sus personajes despersonalizados. Sus
rostros están cubiertos: por un lado, esto refleja los detalles históricos
reales cuando los participantes de acciones políticas y arrestos intentaron
ocultar su identidad (sin mencionar a los manifestantes con los ojos vendados
sentenciados a la ejecución por un pelotón de fusilamiento); Por otro
lado, la multitud humana despersonalizada fue su descubrimiento muy compositivo
que se convertiría en un motivo esencial para sus nuevas ideas creativas.
El
camino español difícil hacia la democracia después del gobierno del general
Franco se había hecho realidad gradualmente a mediados de los años ochenta.
VALENCIA
En la Galería
Benlliure, sita en la calle Cirilo Amorós, 47 de Valencia puede visitarse hasta el 31 de octubre
«Vivir y convivir» con 17 obras de gran formato de Juan Genovés.
Su
obra más conocida probablemente sea «El Abrazo» (pintura
perteneciente a la colección del Museo Reina Sofia de Madrid),
reproducida en cartel para Amnistía Internacional durante
la transición española, (500.000 carteles) que en el año 2003 se
convertiría en la escultura «El Abrazo», como homenaje a
los abogados asesinados en Atocha. Desde el año 2015 está histórica obra
de Genovés, está expuesta de forma permanente en el Hall del Congreso de los
Diputados. Por aquel cartel, estuvo ocho días en el calabozo en marzo del año
1976 y fue puesto en libertad sin fianza, y sin acusación ninguna.
Al igual que en Moscú y Avilés, en la Galería Benlliure de Valencia, se recoge la particular expresión plástica de Juan Genovés, en la que ofrece una visión del espacio, a menudo sombría, con siluetas humanas pequeñas y dispersas en el inmenso universo fantástico. Por un tiempo, su estilo hiperrealista en la representación humana dio lugar a una manera más estilizada y una preocupación dramática por los efectos de la luz y la sombra. En realidad, el término "realismo" (o incluso "realismo crítico") que se usa a menudo con respecto a las obras de Juan Genovés es bastante tentativo. Su estilo de arte está lejos de registrar la vida cotidiana o representar literalmente la realidad. Sin embargo, lo que ven los espectadores es nada menos que las crónicas de la vida política y pública española.
Las
pinturas llenas de gente de las últimas décadas pueden verse como una
encarnación de la idea de la globalización que envolvió una mayor parte de la
Tierra y, al mismo tiempo, como una instantánea a vista de pájaro tomada de un
helicóptero. Este elevado punto de vista insinúa la actitud del autor
hacia la multitud como una masa que puede extenderse en todas las direcciones y
ser ahora una corriente caótica no dirigida, ahora una fuerza dirigida, un
material flexible en manos de un artista y un político. A pesar de todo
tipo de manipulaciones, el mundo de los pequeños de Juan Genovés parece lleno
de diversidad y vitalidad, por lo que la crónica de los procesos sociales de la
segunda parte del siglo XX y principios del siglo XXI tiene un final optimista.
AVILES
«La unidad dividida por cero», más allá de ser una inquietante ecuación aritmética, es el título de la exposición que el Centro Niemeyer de Avilés exhibe hasta el 6 de enero de 2020. Se trata de una muestra excepcional en la que la obra de Juan Genovés se expone por primera vez con la de sus tres hijos -Pablo, Ana y Silvia-, en perfecto equilibrio, fusionando pintura, escultura, fotografía y vídeo. Con motivo de este singular acontecimiento, el pintor valenciano nos concede esta entrevista en su estudio de Aravaca (Madrid).
«La unidad dividida por cero», más allá de ser una inquietante ecuación aritmética, es el título de la exposición que el Centro Niemeyer de Avilés exhibe hasta el 6 de enero de 2020. Se trata de una muestra excepcional en la que la obra de Juan Genovés se expone por primera vez con la de sus tres hijos -Pablo, Ana y Silvia-, en perfecto equilibrio, fusionando pintura, escultura, fotografía y vídeo. Con motivo de este singular acontecimiento, el pintor valenciano nos concede esta entrevista en su estudio de Aravaca (Madrid).
La muestra «La
unidad dividida por cero» está formada por 67 obras -pintura,
escultura y vídeos- seleccionadas por Ana Genovés, comisaria de la exposición.
El artista.
Formado en la
Escuela de Bellas Artes de Valencia, desde el inicio de su trayectoria
profesional fue un pintor inquieto y preocupado tanto por la necesidad de
renovar el arte español como por la función del arte y el artista en la
sociedad.
Su firme
convicción sobre el arte transformador y comprometido con el entorno, le llevó
a formar parte de colectivos muy significativos en el panorama español de
posguerra: Los Siete (1949), Parpalló (1956) y Hondo (1960). En este último
grupo, que supuso nuevos planteamientos figurativos frente al Informalismo,
Genovés desarrolló una pintura de carácter expresionista y provocador.
En la década de
los sesenta, tras una breve crisis pictórica y una relación profunda con los
movimientos de oposición al régimen franquista, comenzó a plantear dos temas:
el «individuo solo», resuelto inicialmente como un «collage» en relieve, y la
«multitud», tratado con tintas planas y estructuras plásticas de aspecto
cinematográfico.
Esta última
propuesta se concretará con el tiempo en un singular realismo político de
fuerte denuncia social, confeccionado a partir de la manipulación de imágenes
proporcionadas por los medios de comunicación de masas. En los años ochenta
inició un nuevo periodo en el que se interesó por el paisaje urbano,
reduciéndolo a una gama cromática de grises, azules y ocres que constituyen lo
que se ha dado en llamar «espacios de la soledad».
Los últimos
años su obra ha dado un giro hacia la investigación del movimiento estático en
la pintura, la multitud se ha convertido en la referencia para hablar del problema
de la pintura y el ritmo visual.
Ha estado
galardonado con la Mención de Honor (XXXIII Biennale de Venecia, 1966), la
Medalla de Oro (VI Biennale Internazionale de San Marino, 1967), el Premio
Marzotto Internazionale (1968), el Premio Nacional de Artes Plósticas (1984),
el Premio de las Artes Plásticas de la Generalitat Valenciana (2002) y la
Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, Ministerio de Cultura (2005).