miércoles, 25 de septiembre de 2019

JUAN GENOVÉS EN LA GALERÍA BENLLIURE DE VALENCIA, EL MUSEO DE ARTE MODERNO DE MOSCÚ Y EL CENTRO NIEMEYER DE AVILÉS

JOAN JOSEP SOLER NAVARRO
Historiador del Arte. Postgrado en Educación Artística y Museos. Postgrado en organización de exposiciones, marketing y comunicación. Miembro de AVCA. Aso. Vciana. Críticos de Arte. Miembro del ICOM-UNESCO. Consejo Inter. de Museos.

Hasta el 13 de octubre en el Museo de Arte Moderno de Moscú

Hasta el 31 de octubre en la Galería Benlliure de Valencia.

Hasta el 6 de enero de 2020 en el Centro Niemeyer de Avilés

MOSCÚ
El Museo de Arte Moderno de Moscú, en colaboración con la Galería Marlborough, presenta la primera exposición individual en Moscú de un artista español Juan Genovés. El cronista pictórico del período moderno en la historia española, tuvo un impacto duradero en la escena del arte español a partir de la segunda mitad del siglo XX y hasta ahora. La exposición en el MMOMA se abrirá como parte de la feria internacional anual Cosmoscow.

El proyecto cuenta con cerca de 90 obras que exploran el tema de la multitud durante diferentes períodos del viaje artístico de Juan Genovés: primero, en el contexto de la lucha política contra el régimen dictatorial de Francisco Franco (1960-70), luego a través del período de transición que condujo a El establecimiento de la democracia española. El artista trabaja principalmente en pintura, dibujo y, desde principios de la década de 2000, escultura, experimentando igualmente con técnicas mixtas que incluyen algunos elementos de collage y ensamblaje.

Juan Genovés es contemporáneo de los acontecimientos más catastróficos y trágicos de la historia española del siglo XX. El artista nació en 1930 en Valencia en una familia de decoradores de muebles. A los 16 años, después de estudiar en el estudio de su padre, ingresó en la Academia de Bellas Artes de San Carlos (Valencia). Se desarrolló como pintor en el período de posguerra cuando el gobierno del general Franco siguió una política de totalitarismo y, en el campo del arte, grupos creativos de vanguardia comenzaron a formarse a la sombra de las instituciones del neoclásico oficial. estética: los propios artistas tienden a ver su propia actividad como un compromiso social y se centran principalmente en el arte abstracto. Juan Genovés formó parte de este último campamento; incluso durante sus años en la Academia, fundó uno de esos grupos: Siete, 'siete' en español.

En la década de 1960, el régimen de Franco aprovechó el arte abstracto para representar a España en el escenario cultural mundial y demostrar el libre pensamiento cultural a nivel nacional. Conscientes de estas tendencias políticas y, al mismo tiempo, influenciados por los procesos generales del arte mundial, los artistas discordantes volvieron a la pintura figurativa después de practicar la experimentación de vanguardia. Uno de los grupos neo-figurativos españoles más destacados fue el Grupo Hondo ("profundo" en español) cuyo cofundador fue Juan Genovés (1960). Este fue el momento en que acuñó su icónico estilo figurativo, con muchas figuras humanas formando una multitud, una multitud, un `` ciudadano colectivo '' que se resistía al sistema, huía de él y, como regla, sufría violencia física y muerte.

En la década de 1970, las obras del artista mostraron una tensión creciente, se concentró más en figuras individuales, crecieron en escala como si el artista tuviera un zoom de cámara entre sus herramientas. Los escenarios trágicos y, a veces, incluso las poderosas emociones de los personajes participantes salieron a primer plano. A pesar de representar numerosas situaciones cotidianas, Genovés aún dejó a sus personajes despersonalizados. Sus rostros están cubiertos: por un lado, esto refleja los detalles históricos reales cuando los participantes de acciones políticas y arrestos intentaron ocultar su identidad (sin mencionar a los manifestantes con los ojos vendados sentenciados a la ejecución por un pelotón de fusilamiento); Por otro lado, la multitud humana despersonalizada fue su descubrimiento muy compositivo que se convertiría en un motivo esencial para sus nuevas ideas creativas. 

El camino español difícil hacia la democracia después del gobierno del general Franco se había hecho realidad gradualmente a mediados de los años ochenta.


VALENCIA
En la Galería Benlliure, sita en la calle Cirilo Amorós, 47 de Valencia puede visitarse hasta el 31 de octubre «Vivir y convivir» con 17 obras de gran formato de Juan Genovés.

Su obra más conocida probablemente sea «El Abrazo» (pintura perteneciente a la colección del Museo Reina Sofia de Madrid), reproducida en cartel para Amnistía Internacional durante la transición española, (500.000 carteles) que en el año 2003 se convertiría en la escultura «El Abrazo», como homenaje a los abogados asesinados en Atocha. Desde el año 2015 está histórica obra de Genovés, está expuesta de forma permanente en el Hall del Congreso de los Diputados. Por aquel cartel, estuvo ocho días en el calabozo en marzo del año 1976 y fue puesto en libertad sin fianza, y sin acusación ninguna.


Al igual que en Moscú y Avilés, en la Galería Benlliure de Valencia, se recoge la particular expresión plástica de Juan Genovés, en la que ofrece una visión del espacio, a menudo sombría, con siluetas humanas pequeñas y dispersas en el inmenso universo fantástico. Por un tiempo, su estilo hiperrealista en la representación humana dio lugar a una manera más estilizada y una preocupación dramática por los efectos de la luz y la sombra. En realidad, el término "realismo" (o incluso "realismo crítico") que se usa a menudo con respecto a las obras de Juan Genovés es bastante tentativo. Su estilo de arte está lejos de registrar la vida cotidiana o representar literalmente la realidad. Sin embargo, lo que ven los espectadores es nada menos que las crónicas de la vida política y pública española.

Las pinturas llenas de gente de las últimas décadas pueden verse como una encarnación de la idea de la globalización que envolvió una mayor parte de la Tierra y, al mismo tiempo, como una instantánea a vista de pájaro tomada de un helicóptero. Este elevado punto de vista insinúa la actitud del autor hacia la multitud como una masa que puede extenderse en todas las direcciones y ser ahora una corriente caótica no dirigida, ahora una fuerza dirigida, un material flexible en manos de un artista y un político. A pesar de todo tipo de manipulaciones, el mundo de los pequeños de Juan Genovés parece lleno de diversidad y vitalidad, por lo que la crónica de los procesos sociales de la segunda parte del siglo XX y principios del siglo XXI tiene un final optimista.



AVILES
«La unidad dividida por cero», más allá de ser una inquietante ecuación aritmética, es el título de la exposición que el Centro Niemeyer de Avilés exhibe hasta el 6 de enero de 2020. Se trata de una muestra excepcional en la que la obra de Juan Genovés se expone por primera vez con la de sus tres hijos -Pablo, Ana y Silvia-, en perfecto equilibrio, fusionando pintura, escultura, fotografía y vídeo. Con motivo de este singular acontecimiento, el pintor valenciano nos concede esta entrevista en su estudio de Aravaca (Madrid).

La muestra «La unidad dividida por cero» está formada por 67 obras -pintura, escultura y vídeos- seleccionadas por Ana Genovés, comisaria de la exposición.

El artista.
Formado en la Escuela de Bellas Artes de Valencia, desde el inicio de su trayectoria profesional fue un pintor inquieto y preocupado tanto por la necesidad de renovar el arte español como por la función del arte y el artista en la sociedad.

Su firme convicción sobre el arte transformador y comprometido con el entorno, le llevó a formar parte de colectivos muy significativos en el panorama español de posguerra: Los Siete (1949), Parpalló (1956) y Hondo (1960). En este último grupo, que supuso nuevos planteamientos figurativos frente al Informalismo, Genovés desarrolló una pintura de carácter expresionista y provocador.

En la década de los sesenta, tras una breve crisis pictórica y una relación profunda con los movimientos de oposición al régimen franquista, comenzó a plantear dos temas: el «individuo solo», resuelto inicialmente como un «collage» en relieve, y la «multitud», tratado con tintas planas y estructuras plásticas de aspecto cinematográfico.

Esta última propuesta se concretará con el tiempo en un singular realismo político de fuerte denuncia social, confeccionado a partir de la manipulación de imágenes proporcionadas por los medios de comunicación de masas. En los años ochenta inició un nuevo periodo en el que se interesó por el paisaje urbano, reduciéndolo a una gama cromática de grises, azules y ocres que constituyen lo que se ha dado en llamar «espacios de la soledad».

Los últimos años su obra ha dado un giro hacia la investigación del movimiento estático en la pintura, la multitud se ha convertido en la referencia para hablar del problema de la pintura y el ritmo visual.

Ha estado galardonado con la Mención de Honor (XXXIII Biennale de Venecia, 1966), la Medalla de Oro (VI Biennale Internazionale de San Marino, 1967), el Premio Marzotto Internazionale (1968), el Premio Nacional de Artes Plósticas (1984), el Premio de las Artes Plásticas de la Generalitat Valenciana (2002) y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, Ministerio de Cultura (2005).