martes, 9 de octubre de 2018

¿QUE ES EL ARTE?

Sinergias4G Artes Visuales ha de mantener las constantes vitales y saber lo que se va a hacer para prestarnos como testimonio y re-transmitirlo. En la pestaña “DEBATES” lo cuestionaremos todo. Prestando especial atención a las razones que inspiran o reclaman la atención de los creadores, estudiantes, profesores, y cualquier persona relacionada con la práctica artística, docencia o pedagogía, su estudio filosófico, estético.

Empezamos con plantear ¿QUE ES EL ARTE? y queremos que nos sigas con tu comentario. (Para ello debes iniciar sesión en Google, presentarte con tu nombre, tu condición -estudiante-docente-artista-filósofo-psicopedagogo, etc- y darnos tu opinión en “comentarios”.

Erwin Panofsky desarrolló el método de estudio ideado por Aby Warburg (1866–1929) para descubrir el significado de las obras de arte visual, conocido como iconología. Con la aplicación de este método Panofsky logró un nivel de comprensión de las obras de arte que iba más allá de lo estrictamente formal, acercándose más al contenido «Las imágenes se presentan como una superposición simbólica de contenidos latentes y manifiestos, siempre en movimiento respecto al presente del sujeto histórico, pero también portadora de los significados que permanecen en la memoria colectiva» Erwin Panofsky (1892-1968)

Tanto la iconografía como la iconología consideran que la obra de arte está constituida por una forma y un contenido que obedecen a unas leyes y participan de unos códigos, por lo tanto ambas entienden el arte como una forma de lenguaje y su proceso de estudio requiere el manejo de la SEMIÓTICA o ciencia que estudia la vida de los signos en el seno de la vida social. Considera que todos los fenómenos culturales son procesos de comunicación que guardan significados. Se trata del paso de una señal, que tiene un emisor y que a lo largo de un canal llega a un receptor o destinatario al que produce una reacción o estimulo que se produce por la capacidad de significación de la señal al incluir mensajes contenidos según las reglas conocidas por el receptor.

Un signo es cualquier realidad física perceptible con los sentidos que remite a algo que no es ella en una mente o receptor humano que la interpreta. Es algo en lugar de algo, aquello a lo que remite se llama SIGNIFICADO DEL SIGNO.

Hay dos tipos de signos: SIGNO INDIVIDUAL: percibido fruto de una experiencia individual y aislada. A un único individuo le afecta el proceso SIGNO COLECTIVO: signos comunes que nos afectan a todos, siempre con unas características comunes (culturales, geográficas, etc.)

En el arte: EMISOR es el artista. RECEPTOR es el espectador en el que se produce una reacción. MENSAJE es la obra artística. CANAL es la pintura, escultura, etc, o la técnica artística. CONTEXTO es el entorno o la situación que afecta a la creación de una obra. REFERENTE que es la realidad objetiva a la que se refiere el mensaje (objeto de la realidad a la que se remite).

Algunos apuntes a propósito…

Panofsky (1955):“un historiador del arte es un humanista cuyo material primario lo componen aquellos testimonios o huellas del hombre que han llegado hasta nosotros en forma de obras de arte”.

La Historia del Arte es materia de conocimiento que parte de la existencia de un objeto de estudio distinto: la obra de arte.

Alberti será el primer gran humanista: centra el campo artístico sobre la exposición, retórica y la noción de belleza. Convierte las pautas teóricas de Vitruvio en una herramienta práctica.

Miguel Ángel será el paradigma del genio mitificado, el arte como actividad creadora.

En la Edad Moderna continua el modelo artesanal de producción, hereda la importancia del Humanismo; consideración como arte liberal y no mecánica.

La obra está dotada de valores claros y un espíritu artístico que depende del concepto de belleza además de un creador (artista/genio).

Kant: EL GENIO es el talento que da regla al arte, innato y pertenece a la naturaleza. “Crítica del Juicio”: arte constitutivo en sí mismo como campo autónomo, analizado desde una concepción esencialmente estética desligada de los contenidos y usos de la obra.

La Ilustración: autonomía del ser humano / producción artística en relación con el genio.


En el s. XIX  la literatura se presenta como un importante canal para la difusión de la ideas (Balzac).

El arte como parte del pensamiento común (herencia de la Revolución Francesa).

Evolución de los museos: de las galerías a los museos como “galerías populares”. El Museo como templo, consagra el arte y transforma su función, la lectura y la relación con la obra de arte. Desde este momento, cualquier objeto real puede ser considerado arte, independientemente de su naturaleza u origen y este concepto sigue evolucionando hasta poder prescindir de la obra como objeto.

Las obras religiosas instaladas en el museo (Louvre); cambian la posición intelectual del sujeto que las contempla.

Francis Haskell: afán académico y específicamente artístico con el que las exposiciones napoleónicas recogieron el legado de los salones.

Nace el connoisseur, experto en arte. (Bernard Berenson)

El Aumento de espectadores otorga un nuevo estatuto a las obras.

En el pasado s. XX la realidad ha llegado a desmentir la seguridad con que se expresaban los ACADÉMICOS de los s. XVIII y XIX.

Revisión de la noción del arte: las vanguardias, primera gran crisis del canon.

Heidegger: revisión filosófica de la obra de arte = espacio ontológico autónomo y privilegiado (tradición nietzscheana).

Adorno: creencia en la autonomía del arte.  La obra de arte es el resultado de una fabricación intelectual mediada por la presencia de un discurso interpretativo. La diferencia entre la mirada estética y la mirada artística, está relacionada con la interpretación y la intención de la producción. Otra idea, es considerar un objetivo artístico con la contemplación estética del espectador.

Goodman pregunta ¿Cuando hay arte? Danto Pregunta ¿Qué es arte? La diferencia no es estética, sino filósofica.


Duchamp: una noción de la práctica basada en la teoría renacentista de la Idea, permite inducir a la imaginación de la ejecución manual de la obra a favor del predominio absoluto del concepto. Cualquier objeto puede ser arte.

La obra como resultado de una fabricación intelectual, mediada por la presencia de un discurso interpretativo: importancia del espectador.

Llegamos al POSTMODERNISMO.
La mirada estética puede generar por sí misma un proceso de producción artística mediante una construcción intelectual. Objeto + lectura.

Dickie: la distinción entre arte y no-arte es una cuestión nominal que reside en el consenso establecido por el sistema artístico.

La diferencia entre modos de ver es filosófica. Goodman se pregunta ¿Cuándo hay arte? mientras que Danto se pregunta: ¿Qué es arte?

La formación de la noción contemporánea del arte está ligada a la mediación conceptual de las obras y con la historiografía como medio para garantizar la paralaje teórica necesaria en toda obra de arte.

La experiencia artística es un proceso esencialmente interpretativo.

Kant: experiencia únicamente estética, basada en el reconocimiento de valores estilísticos + referencias que permitan realizar este tipo de análisis: clasicismo académico (Hermenéutica, interpretación de los textos).

La determinación de la experiencia artística condicionada por la existencia de un filtro interpretativo construido por la red de referencias previa. Cualquier relato que se acerque a la práctica artística tiene poder para filtrar nuestra relación con las obras.

La importancia de los discursos artigráficos (refiere a la crítica, la estética y la historiografía), determinada por su contribución a la creación de un horizonte intelectual.

Historiografía: es una construcción intelectual que opera mediante apropiaciones desde su fundación. (Plinio, platón Aristóteles).

Historiografía: capacidad filtradora. El filtro se origina ya en la forma de trabajar de los investigadores.

La tradición historiográfica provee de los prejuicios (juicio previo) que intervienen en nuestro acercamiento al arte.

Análisis de la escritura sobre arte: elemento imprescindible para la comprensión del fenómeno artístico y el control de las interpretaciones.

Elkins: la percepción que tenemos del arte está determinada por la presencia de discursos teóricos maestros que ordenan y dirigen la interpretación.


Modera:
Joan Josep Soler Navarro.
Historiador y Crítico de Arte.
Miembro del ICOM-UNESCO.