martes, 16 de julio de 2019

WENCES RAMBLA. 50 AÑOS DE ABSTRACCIÓN PICTÓRICA EN EL MUSEU DE BB.AA. DE CASTELLÓN



DEL 17 DE JULIO AL 20 DE OCTUBRE DE 2019 - MBACAS

Bajo el título WENCES RAMBLA. 50 AÑOS DE ABSTRACCIÓN PICTÓRICA se presenta la exposición de este artista castellonense al cumplirse 50 años de su primera muestra.

Sus primeros pasos lo fueron dentro del informalismo para pasar, en los años setenta, a desarrollar una obra de raigambre social dentro de las coordenadas de una figuración de corte crítico. A este período seguiría una fase en la que la geometría se adueña del lienzo, no solo como entramado arquitectónico sino como desarrollo caligráfico.

Ya en los noventa se encaminaría hacia una obra de máxima abstracción y vibrante explosión cromática, y donde el color parece brotar del espacio plástico más que de la pintura aplicada al lienzo, generando así un universo cromático muy personal.





COLECTIVA SHIRAS 2019



Shiras Galería, bajo la dirección artística de Sara Joudi, celebra su final de temporada con la exposición ‘Colectiva Shiras 2019’. Siguiendo la línea de la galería, la exposición reunirá un total de veintitrés obras, combinando artistas consagrados del panorama nacional junto con artistas de vanguardia.

La exposición contará con artistas de gran trayectoria como Miquel Navarro, mostrándonos una de sus características e impresionantes esculturas de hierro. Joan Cardells quien presenta una singular escultura en bronce, y a una pieza de aluminio de la serie ‘Duplum’ de F. Sebastián Nicolau. Junto con los nuevos trabajos de Miguel Bañuls, Luciano González e Irma Ortega.

A la exposición se suman los trabajos de consolidados artistas como Rosa Torres, Rafael Armengol, Horacio Silva, Uiso Alemany y Paco Caparrós, donde figuración y color cobrarán gran protagonismo a través de sus obras y sus diferentes estilos. Juan Olivares, Toño Barreiro, Nuria Rodríguez, Carolina Valls, Nanda Botella y Nieves Torralba se suman a esta propuesta con sus últimos trabajos por medio de una línea muy personal y vanguardista. También contaremos con los artistas Guerrero Tonda, caracterizado por su trabajo geométrico y minimal, Ricardo Escavy, donde música y color conjugan entre sí, y como no, con los reconocidos paisajes de José Saborit.

Además, contaremos también con una instalación que nos sorprenderá de la joven artista Alicia Torres, así como, con las obras de dos nuevas incorporaciones: Samuel Nieto, cuyo estudio de la línea nos muestra un análisis sobre el caos y el orden; y Roger Sanguino, quien a través de la escultura refleja una singular expresión de la anatomía humana.


I CONGRESO INTERNACIONAL DE HUMANIDADES DIGITALES Y PEDAGOGÍAS CULTURALES EN LA NAU DE LA UNIVERSITAT DE VALÈNCIA



Comunicaciones hasta el 30 de septiembre

Inscripciones hasta el 1 de noviembre

Congreso 7 y 8 de noviembre

El grupo de investigación en pedagogías culturales CREARI, ha organizado el  I Congreso Internacional de Humanidades Digitales y Pedagogías Culturales a celebrarse los días 7 y 8 de noviembre de 2019, en el Aula Magna del Centro Cultural La Nau de la Universitat de València, C/ Universitat 2 de València.
PROGRAMA: Pinchar aquí

Inscripción: 25€ hasta el 1 de noviembre de 2019 en el número de cuenta del Banco Santander IBAN ES75 0049 6722 01 2110031157 indicando en concepto su nombre completo. Después al inscribirse en el formulario se subirá el resguardo bancario del pago de la inscripción como archivo jpg o pdf con su nombre (ejemplo AmparoAlonsoSanz.jpg)
INSCRIPCIÓN: Pinchar aquí

Desde la organización lanzan la invitación para proponer comunicaciones antes del 30 de septiembre siguiendo la temática y objetivos del congreso. Para ello se pide incluir en el formulario de inscripción un resumen de hasta 500 palabras. La aceptación de las propuestas será comunicada el 10 de octubre de 2019.

Las humanidades digitales, agrupan conceptualmente las diferentes disciplinas que capturan, analizan y presentan dinámicas culturales y sociales en red, y representan un estadio de desarrollo interdisciplinar en pleno auge. No solo buscan convertir en unos y ceros el patrimonio cultural, de estudiar objetos culturales digitalizados y, con ello, alterar sus procedimientos y herramientas de investigación, sino que las humanidades digitales también son comunidades, ciudadanos, generaciones y modelos de sociedad. Las humanidades digitales incumben a todos.

La pedagogía cultural como concepto impulsa el estudio de la dimensión educativa de la cultura para el desarrollo personal y social. Siempre ha sido necesaria, pero ahora se ha visto conmovida con lo digital. Ya que son pocos los proyectos educativos que se desliguen de lo digital, es necesario que la educación replantee algunos supuestos conceptuales más ligados sobre enseñar y aprender y encare el reto del por qué, para qué, qué, con qué, cuándo o con quién aprender en entornos digitales. Lo digital implica para la pedagogía no solo nuevos materiales, sino otras perspectivas y núcleos de análisis educativo.

Con este afán, existen dos líneas de desarrollo que se buscan cruzar en este congreso. Por un lado, ¿qué supone para la pedagogía la desmaterialización del patrimonio cultural?, y ¿qué aspectos educativos se puede encontrar en las emergentes humanidades digitales? Lo cierto es que lo digital no deja impasible ambas disciplinas.

Objetivos:
• Crear un espacio de debate interdisciplinar entre las humanidades digitales y la pedagogía cultural para identificar sus puntos de encuentro, sus dilemas y retos comunes.


• Atisbar líneas de investigación en la pedagogía cultural potenciadas por los desarrollos de las Humanidades Digitales.


• Evaluar el impacto y futuro de las Humanidades Digitales en la investigación educativa.

• Analizar la dimensión educativa de las tendencias prácticas de las Humanidades Digitales en el campo cultural.

lunes, 15 de julio de 2019

LA MUTUA LEVANTE OFEREIX L'EXPOSICIÓ COMMEMORATIVA DE LA BANDA DE MÚSICA DE LA CREU ROJA



Fins  31 de juliol de 2019

L’any 1905, amb músics procedents de les altres bandes locals, fonamentalment de la desapareguda “Banda de Música de la Sociedad El Trabajo”, es crea a Alcoi la “Sociedad Lírico Moderna”.

A l’estiu de 1919 la banda de música Lírico Moderna ingressa en la “Delegación de la Cruz Roja de Alcoy”. Seria la Banda de Música de la Creu Roja des d’eixe any fins el 1931.

Des d’eixe any i fins a l’actualitat la banda ha tingut diverses denominacions oficials, Sociedad Artística Unión Musical, Unión Musical de Educació i Descanso, Unión Musical de Alcoy i des de 1985, Societat Unió Musical d’Alcoi, però sempre mantenint eixe esperit dels que la van fundar.

Aquest any compleix un segle de vida i per això hem volgut compartir en aquesta exposició una mostra de tot el que ha viscut aquesta gran Banda: directors, obres, representacions… I una mostra de la solidaritat que, com a part de la Creu Roja, va demostrar en els moments difícils.

Activitats complementàries a l’exposició en la FUNDACIÓ MUTUA LEVANTE d’ALCOI

14 juliol a les 19’30 h.
Concert homenatge a la Creu Roja d’Alcoi al Círculo Industrial.

17 de juliol a les 20’00 h.
Conferència: ‘El projecte educatiu de les escoes de música de les societats musicals al segle XXI’. Ponent: Manuel Tomás Ludeña.

Manuel Tomás Ludeña és Funcionari de carrera del Cos de Professors de Música i Arts Escèniques, desenvolupa la seua activitat professional en diversos camps, tots ells relacionats amb l’educació i activitat musical. Ha estat director de l’Escola de Música de la Unió Musical de Llíria i del Conservatori professional de Torrent i actualment dirigeix ESMAR, Escola Superior de Música d’Alt Rendiment.
25 juliol a les 20’00 h. Conferència: ‘Patrimoni musical i bandes. La Banda de Música de la Creu Roja d’Alcoi’. Ponents: Jorge García i Ernest Llorens Climent. 

Jorge García, és Llicenciat en Filosofia i Màster de Música per la Universitat Politècnica de València, Cap de Documentació de música i cultura popular de l’Institut Valencià de Cultura de la Generalitat Valenciana. Codirector de l’I Congrés Internacional Música a la Llum.

Ernest Llorens Climent és Funcionari de Carrera del Cos de Mestres en l’especialitat d’Audició i llenguatge (emèrit). Ha estat al llarg de 14 anys president de la Societat Unió Musical d’Alcoi, de la qual continua sent músic en l’actualitat, al mateix temps que prossegueix amb les seues investigacions sobre patrimoni i documentació musical.

Horari:
De dilluns a dissabte de 10’00 a 14’00 i de 18’00 a 21’00 h

viernes, 12 de julio de 2019

ARTUR HERAS PRESENTA «RIBERA i JO»




Per: JOAN JOSEP SOLER NAVARRO. 
Historiador i crític d'art.


La Institució Alfons el Magnànim-Centre Valencià d’Estudis i d’Investigació i la prestigiosa editorial Media Vaca (Premi Nacional a la Millor Labor Editorial Cultural 2018), presentaven dijous 4 de juliol a les 19 hores, al MUVIM (c/ Quevedo, 10 València), la novetat editorial Ribera i jo. Un diari,de l'artista Artur Heras. Divendres 5 es presentava en la Casa de la Cultura de Xàtiva (c/ Montcada, 7) a les 19.30 hores. El llibre està en versió valenciana i castellana. Ambdós actes van comptar amb la participació, a més de l'autor, de l'escriptor Manuel Vicent i del director de l'Institut d'Humanitats i Patrimoni del Magnànim, Anacleto Ferrer. Va excusar la seva presència, el cantautor xativí Raimon.  

El llibre és un dietari il·lustrat en el qual Artur Heras fa un itinerari imaginari. L'autor estableix un contacte visual i literari molt personal amb la vida i la producció artística del seu conterrani Josep de Ribera (1591-1652), referent pictòric del Barroc, el qual desenvolupà la seua carrera a Itàlia.

Artur Heras, al pròleg de Ribera i jo, com si d'un joc d'espills es tractara, remet a un altre text introductori d'una edició del Dietari del capellà d'Alfons el Magnànim per a justificar el seu treball: “El dietari és un llibre senes pla ni ordre de cap mena. L'autor ni és escriptor ni té condicions d'historiador: el seu estil és dur, pesat, sec i desalinyat”. I hi afegeix el següent matís: “Confie d'esmorteir aquesta alarma introduint dibuixos en el present escrit, convertit així en un dietari gràfic, però igual amb això s'amplia el risc”.

Ribera i joestableix una creació literària de perspectives entre dos excepcionals dibuixants (Ribera-Heras) els periples vitals dels quals, com dues línies paral·leles, han acabat confluint en un punt imaginari: el dietari, el qual recull pàgines de quadern de dibuix, notes de diari personal i dades d'obres de Josep de Ribera, al costat de referències de lectures vàries, originades per les emocions plàstiques.

Aquest dietari, metàfora dels camins de l'existència, conté 96 “notícies” profusament il·lustrades amb pintures i dibuixos d'Artur Heras de diverses èpoques. Ribera i jo és, d'alguna manera, un quadern de bitàcola d'un viatge insòlit i fascinant a través de dues biografies confrontades estèticament. És, també, com afirma Heras: “Alguna cosa fructífera amb què combatre l'obscuritat latent de les consciències”.

Artur Heras és un dels artistes contemporanis valencians més destacat. Nascut a Xàtiva en 1945, en la seua joventut formà part activa del moviment renovador de la figuració, imprimint des d'aleshores referències crítiques de caire social a les seues creacions. Paral·lelament a  la seua activitat artística, fou el director de la mítica Sala Parpalló entre 1980-1995, des de la qual donà a conéixer les obres de grans artistes de relleu internacional.

jueves, 11 de julio de 2019

LOS MUNDOS PARALELOS EN LAS PINTURAS DE MARÍA ARANGUREN EN EL CASTELL DE RIBA-ROJA



Inauguración: Viernes 12 de julio, 19:30 horas

Hasta octubre

El Espacio de Arte Contemporáneo El Castell (ECA) de Riba Roja de Túria acoge la exposición «Sonoridad Interna. Mundos paralelos en las pinturas de María Aranguren», con un centenar de obras, de diferentes formatos, realizadas por la artista entre 2009 y 2019.

Esta exposición le permite así cerrar un periodo creativo en el que ha experimentado, entre otros temas, sobre el soporte, entendido dualmente como recipiente y trama. La base elegida, en general, es el policarbonato celular, muy utilizado en la construcción arquitectónica. La no separación entre contenedor y contenido introduce un factor muy interesante y audaz desde el punto de vista conceptual, al igual que el orden reticular implícito en el policarbonato, donde las líneas correspondientes a la trama lineal y paralela tejen una estructura base que permite dar rienda suelta a nuestra ilusión bajo el poder de la lógica seriada.

La inauguración será el 12 de julio a las 19:30 horas en el Castell de Riba-roja, y se podrá visitar hasta octubre, de lunes a sábados de 10:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:00, domingos de 10:00 a 14:00.

LAS CINEMÁTICAS (TRANSICIÓN) DE RUBÉN TORRAS EN LA FERIA DE ARTESANTANDER



La Galería My Name’s Lolita Art presenta para la Feria de Artesantander un proyecto–transición bajo el título "Cinemáticas (Transición)" realizado por el artista catalán Rubén Torras (Sant Vicenç de Montalt, 1978).

Se trata de un trabajo dirigido a experimentar las nuevas posibilidades con las que se enfrenta la «pintura tradicional», en el contexto de una nueva sociedad pre–diseñada y repleta de memoria gráfica. En definitiva el artista toma a modo de referencia «la imagen» como concepto prioritario, y consigue llegar a ella sin distinguir procedimientos o técnicas. Sería como un cajón de sastre donde la pintura tradicional coquetea con la fotografía, el color, la textura… en un juego de materiales que se entremezclan en composiciones inquietantes.

 


miércoles, 10 de julio de 2019

«AGUA» FOTOGRAFÍAS DE Mª DOLORES MULA HERNÁNDEZ EN EL MUSEU DEL MAR DE SANTA POLA



Inauguración: 11 de julio, 19’30 h.

Sala de exposiciones El Palmeral · Museu del mar · Santa Pola


En esta ocasión, la artista Mª Dolores Mula Hernández nos presenta una selección de fotografías en la Sala de exposiciones El Palmeral · Museu del Mar · Santa Pola.

Nos comenta que la fotografía empezó en su vida desde que nació. Su hermano Pedro hizo las primeras fotografías de su existencia. Después con su hermano Antonio, fotógrafo de publicidad, disfrutaba en su laboratorio de revelado… era magia pura contemplar el proceso del papel dentro de las cubetas reaccionado con los líquidos. Recuerda la Polaroid de su hermana Isabel y la instantaneidad con que podía ver lo fotografiado.

A partir de su dedicación por entero a la pintura, Mª Dolores Mula empezó a utilizar la fotografía como herramienta de trabajo, a modo de cuaderno de apuntes y para guardar en su memoria las imágenes que le impactaban.

Más tarde con su hija, volvía a emocionarse con ella en  su estudio de revelado, regresaban sus recuerdos de infancia. Desde hace unos años, la fotografía ha pasado a tener su propio protagonismo en las exposiciones junto con otras técnicas artísticas.

En sus numerosos viajes, Mª Dolores Mula ha ido trabajando en paralelo, con apuntes, por una parte, en su cuaderno de tinta japonesa y por otro la fotografía del paisaje: LA TIERRA… EL AGUA… Elementos esenciales que necesita para poder expresarse en sus obras. Ahora en el Palmeral del Museu del Mar de Santa Pola tenemos la oportunidad de compartir sus imágenes, los pequeños tesoros de su vida.

martes, 9 de julio de 2019

MAR VICENTE · OBJECT AND PAINTING EN COLL BLANC ESPAI D’ART


Inauguración: 13 de julio, 21 h.

Haste el 15 de septiembre

Si una obra de arte consta de más de dos dimensiones, debe ser recorrida y transitada para poder des velar todas sus facetas y puntos de vista. “La escultura no se puede experimentar sin el compromiso físico del espectador, porque lo que el objeto escultórico y el sujeto humano generan es el constante cambio de distancias, el constante cambio de ángulo visual. El humano y la escultura son magnitudes constantes“.

Pero no son esculturas, Mar Vicente crea una pintura tridimensional con un principio de construcción modular a la que hay que acercarse para reconocer los planos y las cualidades técnicas y materiales. Al establecerse una relación física y espacial, las obras bidimensionales mudan a la tercera dimensión; el factor movimiento que implica este cambio de perspectiva junto a los cambios inconstantes de la luz añaden otra dimensión más a estos objetos: la dimensión del tiempo. El cambio de estado, en el que la constante conocida de una contemplación estática se convierte en una variable experimentada, lleva al espectador a una cuarta dimensión.

Los objetos de Mar Vicente se componen a partir de formas primarias casi exclusivamente cuadradas y cúbicas que se deconstruyen mediante cortes, rotaciones, desplazamientos e inversiones para originar otras unidades geométricas. Solo un vistazo basta para devolver las geometrías “planas“ a su unidad original. Segura mente Mar Vicente utiliza el mismo vocabulario de formas simples por las mismas razones que lo hicieron los minimalistas: debido a que es una forma universalmente reconocible y relativamente poco interesante. Al mismo tiempo, es la manera que tiene la artista para no desviarse de su principal posicionamiento pictórico ya que, según el virtuoso del cuadrado Sol Lewitt: “una forma más complicada sería demasiado interesante en sí misma y ensombrecería el significado del conjunto. No se tienen que inventar nuevas formas. Cuadrado y cubo son simétricos y eficientes” 

Barbara Oettl. Vicente. Object and Painting” Ritter Verlag.

ISABEL OLIVER, CUARENTA AÑOS DE ARTE COMPROMETIDO (1970-2009) EN LA NAU DE LA UNIVERSITAT DE VALENCIA



Inauguración: 9 julio, 20 h.

Hasta el 3 noviembre de 2019

Reunión feliz, 1970 - 1973, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía . Isabel Oliver
La presente exposición configura un recorrido diacrónico por la trayectoria artística de Isabel Oliver (Valencia, 1946) que ha desarrollado su vinculación al arte como pintora, grabadora y profesora de la Facultad de Bellas de la Universidad Politécnica de Valencia. Se formó en el rigor de la escuela y la disciplina del oficio. Una vez concluido este periodo, fue desarrollando una preocupación de talante feminista y ecologista que ha vertebrado todos sus trabajos, desde la década de los años setenta del siglo pasado hasta la actualidad, según palabras de Pascual Patuel, Comisario de la exposición

En 1970, encamina sus primeros pasos por la senda del pop art, con series como La Mujer o El Juego, donde ya se manifiesta muy crítica con los valores tradicionales de la sociedad del momento y sus normas preestablecidas, series con las que invita a transgredir estos convencionalismos. Desarrolla su descontento sobre algunas funciones asignadas al sexo femenino, que la autora denuncia con imágenes irónicas, porque contribuyen al empobrecimiento de su personalidad y la reducción a objeto decorativo, en una sociedad basada en la apariencia y dominada por unos usos que le asignan papeles muchas veces estúpidos y de poco protagonismo social.
Entre 1973 y 1975, trabaja un paisaje de raigambre pop, muy alejado de los modelos que aprendió en la escuela. Busca destruir tópicos y renovar un género muy vinculado a la tradición valenciana, pero encorsetado en esquemas rígidos que han evitado su evolución hacia otros sistemas expresivos más acordes con la realidad del momento. Pone en evidencia la vulgarización de este lenguaje con serigrafías para ser bordadas encima e intentar emular piezas de reconocido prestigio. Es una crítica a la mercantilización y banalización del arte.

En 1990, se produce el primer reencuentro con la práctica artística, tras el paréntesis de unos quince años de dedicación a la vida laboral, la universidad y su familia. El paisaje continuará siendo en el futuro su vehículo principal de expresión. De nuevo no es un paisajismo recreativo de la belleza natural. Isabel Oliver mantiene su espíritu crítico con el entorno y denuncia las agresiones continuas que el ecosistema sufre como consecuencia de los intereses económicos. Como visionaria de un futuro cercano, nos previene de los daños venideros si no se rectifica en los continuos abusos que la naturaleza sigue experimentando día a día y no se recupera el equilibrio entre progreso y ecología.

En palabras de Román de la Calle Catedrático de Estética y Teoría del Arte de la Universitat de Valencia, "Esta exposición configura un recorrido diacrónico por la trayectoria artística de Isabel Oliver (Valencia, 1946) que ha desplegado su vinculación al arte como pintora, grabadora y profesora de la Facultad de Bellas de la Universidad Politécnica de Valencia. Se formó en el rigor de la escuela y la disciplina del oficio. una vez concluido este periodo, fue desarrollando una preocupación de talante feminista y ecologista que ha vertebrado todos sus trabajos, desde la década de los años setenta del siglo pasado hasta la actualidad".

lunes, 8 de julio de 2019

EL IES J. SEGRELLES DE ALBAIDA GALARDONADO CON EL 1er PREMIO DE LA 1ª BIENAL QUE HONRA LA MEMORIA DEL ESCULTOR EVARIST NAVARRO


Representantes del IES Josep Segrelles de Albaida galardonados con el 1er Premio Art Jove «Evaristi Navarro»
Por: JOAN JOSEP SOLER NAVARRO. 
Historiador del Arte. Postgrado en Educación Artística y Museos. Postgrado en organización de exposiciones, marketing y comunicación. Miembro de AVCA. Aso. Vciana. Críticos de Arte. Miembro del ICOM-UNESCO. Consejo Inter. de Museos.

Los alumnos de 4º de ESO del IES Josep Segrelles de Albaida con la profesora de Artes Plásticas Xeles Tortosa y la ceramista y escultora Reme Tomás, han estado galardonados con el 1er premio en la 1ª Bienal de Artes Plásticas «Evarist Navarro» organizada por el Ayuntamiento de Castelló de Rugat y la Asociación “Al voltant del fang” El 2º premio se le otorgó al trabajo conjunto del IES Sanchis Guarner de Castelló de Rugat y el 3º premio fue para Aitana Casanova Descals del IES Jaume I de Ontinyent.

El jurado estuvo formado por Mª Teresa Aparicio Martínez profesora de Artes y Oficios; Emilio Martínez Arroyo, profesor de escultura en la Universitat Politécnica de Valencia, y los licenciados en Bellas Artes Asensio Martínez Soler, Nemesio Canet Company y Amparo Tormo Fernández.



La exposición de los trabajos presentados a esta primera Bienal de Artes Plásticas, estarán expuestos durante el próximo año en el Museu de la gerra «Evarist Navarro» de Castelló de Rugat.  Han participado los alumnos y profesores de arte plásticas de los centros docentes: IES Josep Segrelles de Albaida, Sanchis Guarner de Castelló de Rugat, Jaume I de Ontinyent, IES Serra de Mariola de Muro de Alcoy; y los Colegios Verge del Remei de Castelló de Rugat; Carbonera de Otos y Carbonera de Beniatjar.

La inauguración de la exposición y entrega de premios estuvo muy concurrida con los alumnos, profesores, maestros de los centros participantes y numeroso público de Castelló de Rugat y de la comarca.  El acto derivó en un espontáneo y emotivo homenaje a la figura del escultor que se recordaba, Evarist Navarro.

Berta Navarro, hermana de Evarist Navarro escultor y profesor de la Universitat Politécnica de Valencia fallecido hace cinco años, actuó como maestra de ceremonia en la que también intervino el alcalde de Castelló de Rugat Antonio Esquinas, la concejala de cultura Tamara Salmerón y el profesor de la escuela de Cerámica de Castelló de Rugat, Nemesio Canet.
 

Evarist Navarro nace en 1959 en Castelló de Rugat, también conocida como Castelló de les Gerres, y los pueblos que la rodean se destacan por su tierra arcillosa roja que destaca en medio de la tierra blanca que predomina en el resto de la comarca y que le da nombre. Por este motivo, esta ha sido una zona tradicionalmente dedicada a la elaboración de jarras y, posteriormente, de ladrillo para la construcción, como era el caso de la familia de Evarist Navarro, propietaria de una industria ladrillera.

Es en este entorno donde pasa su infancia hasta que se traslada a Valencia para matricularse en la Facultad de Geografía e Historia. Mientras cursa el segundo año de Historia comienza a asistir como oyente a la Escuela de Bellas Artes donde se adentra en el mundo de la escultura de mano del profesor Esteve Edo. En conjunto, en 1978 se traslada a Barcelona para cursar Bellas Artes en la Universidad de Barcelona donde tendrá como profesores, entre otros a Milicua, Santos Torroella y Hernández Pijoan. Una vez terminada la licenciatura en 1983, vuelve a Valencia y, en 1984, realiza su primera exposición en la galería Charpa.

Iniciada la década de los 90, se adentra en el mundo de las instalaciones de la mano de Memoria, una obra expuesta en la galería Cáñamo de Castellón de la Plana y pensada como un homenaje a su padre, fallecido en 1990. Basada en esta instalación, el año siguiente crea Herencia en la Sala de Exposiciones de la Universidad de Valencia . Al mismo tiempo recibe la Beca Banesto para la Creación Artística y, fruto de ella, realiza una exposición en Madrid donde entra en contacto con Juan Manuel Bonet quien le propone participar en la V Trienale Fellbach Kleinplastik al al Wilhem Lehmbruck Museum de Duisburg(Alemania), una exposición de piezas de pequeño formato donde participan artistas de varios países y grandes mitos de la escultura del siglo XX como Miró , Dalí o Picasso .

También en 1991, se doctora en Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia donde, posteriormente, será profesor titular en el Departamento de Escultura. A partir de este momento, compaginará su labor docente con la creación artística.

En este sentido, cabe destacar el establecimiento, en el término municipal de Rugat , de su taller, conocido como bancales, en medio de una zona arcillosa y rodeado de vegetación autóctona y especies importadas a las que denomina esculturas vivientesBancales , dotada de todo tipo de recursos para trabajar el barro, entre los que destacan los hornos, se convierte en un espacio de experimentación, creación y reunión con amigos y artistas. Allí almacena los residuos, variedad de objetos, trozos de cerámica u otros elementos que recogía para utilizar posteriormente en su obra. 

Fue uno de los ideólogos e impulsores del grupo CAZADORAS Asociados junto a Antonio Girbés , José Morea , Pepe Romero, Ximo Amigó, JARR, Toni Domenech, Julio Bosque, Guillermo Peyró, Manolo Rey, Joan Verdú, Calo Carratalá, Rubén Tortosa, Marcelo Fuentes, Manolo Sáez y Paco Sebastián. Este grupo nació con la premisa de realizar eventos expreso, no tener una sede única donde ubicar las actividades y desarrollarse al margen de cualquier canal normativo existente. Este mismo grupo, organizó en enero de 2015 una exposición colectiva dedicada a la memoria de Evarist Navarro ya la que también se quisieron añadir Miquel Navarro y Carmen Calvo.

Su último proyecto, comisariado por Juan Lagardera y en colaboración con el cineasta Carlos Pastor , el fotógrafo Alfredo Argilés y Paloma Tárrega, fue el vapor, en torno al arte y la gastronomía , una reflexión en torno no sólo del arte y la gastronomía , sino que, teniendo en cuenta las circunstancias por las que atravesaba el artista, se convirtió en una exploración sobre el sentido mismo de la vida, de lo que alimenta al cuerpo y al espíritu, lo sagrado y lo profano, lo efímero y lo eterno. Evarist Navarro moría el 22 de Octubre en su casa de Castelló de Rugat como consecuencia de una larga enfermedad.

Más allá de las corrientes artísticas del momento, el arte de Navarro tiene unos referentes más ancestrales, arraigados al artesanado milenario del barro y el conjunto de mitos que se relacionan y que se imbrican con la propia memoria sentimental del artista y los que parte su experimentación.

Ya a principios de los años 80, su obra se caracterizaba por obras creadas con tierras mezcladas con látex y derrames de cera, con un carácter marcadamente expresionista y con mucha textura, herencia de la tradición matérica iniciada por Antoni Tàpies .

Hay, sin embargo una etapa de su obra donde abandona el barro a raíz de un contratiempo surgido en el horno que provocó la explosión de una partida de piezas y que supuso la pérdida de año y medio de trabajo. Esto coincide con un momento marcado por la influencia de la escultura inglesa, la explosión de la escultura en hierro y la fascinación por lo industrial, así que, en 1986, deja de lado la arcilla, la figuración y el expresionismo para pasar al hierro, al volumen y el constructivismo. En este proceso, tienen gran influencia Susana Solano y Miquel Navarro , a quien había conocido en Barcelona mientras estudiaba Bellas Artes.

Con la vuelta de la década, vuelve al barro y, a principios de los 90 se adentra en la creación de una serie de instalaciones que imagina especialmente pensando en los espacios donde se expondrán, comenzando así a experimentar con la influencia de la situación espacial en la que se ha de desarrollar la obra y el juego de volúmenes que constituyen los espacios arquitectónicos.

También en este momento, comienza a utilizar sustancias que modifican el barro y completan la expresión (azúcar, ceniza, papel, azufre) combinado con otros materiales orgánicos como la lana, el esparto, el cáñamo, la madera o el papel a la vez que aparece el uso de la escayola, la piedra y los plásticos industriales. A partir de 1998 realiza una serie de exposiciones donde la base de las instalaciones es la distribución espacial de las obras sobre unas grandes estanterías para provocar un diálogo entre las piezas, a imagen de lo que ocurre en su propio taller.

Además de la escultura, también experimenta con el dibujo y la acuarela. Las obras de Evarist Navarro se pueden encontrar en colecciones como la Colección Schwabenlandhalle Fellbach en Alemania; la Colección Argentaria; el IVAM ; Las Brasseur a Liege ; Gaesteatelier, a Hollufgard (Dinamarca); la Fundación Bancaja; la Fundación cultural Banesto; el Fondo de Arte Contemporáneo de la Universidad Politécnica de Valencia ; la Universidad de Valencia ; el Instituto de la Juventud de Madrid y los ayuntamientos de Burriana , Mislata , Gandia y Ontinyent .

domingo, 7 de julio de 2019

CARMEN SIGNES EN EL SPORTING CLUB RUSSAFA DE VALENCIA



Del 5 de julio al 5 de agosto del 2019

Carmen Signes artista de Cullera, licenciada en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, expone por segunda vez en el Sporting Club Russafa. La primera vez participó con la propuesta expositiva L’Alioli de Maria, una exposición multidisciplinar (fotografía, escultura y pintura) de Jordi Piris y Carmen Signes, con la colaboración de varios artistas.

En ésta ocasión la artista realiza una propuesta individual donde podemos ver un recorrido a través de distintos proyectos (épocas) con un elemento común, los grafismos. Un elemento con el que Carmen se siente muy cómoda.




En palabras de Carmen “una propuesta cuya protagonista es la línea, las tintas y el papel. El diálogo que se produce entre el soporte (papel) y el medio (tintas) interactuando con el artista, provocando sensaciones que inducen a la creación, a la síntesis en estado puro, en la magia del arte”.

En una de las series “ De déus i de Creilles”, Carmen ilustra un cuento con reflexiones sobre el nacimiento del “Garigot” como el elemento generador de la creatividad.

La obra de Carmen es el resultado de momentos vividos, pensamientos y sentimientos que expresa a través de la materia, color, grafismos… una obra sentida.

Se trata de una obra muy gestual, que nos transmite fuerza, todas las inquietudes que ella tiene en su interior, y que la llevan a crear sobre papel, lienzo, cerámica, collage, murales, y a combinar distintos materiales con un gran dominio de las técnicas.

Una trabajo de gran personalidad, sensible y a la vez contundente, con una gran fuerza expresiva. 




 

 





ENTREGA DEL PREMIO GREGORI MAYANS A PASCUAL SALA CON OBRA ORIGINAL DE REBECA PLANA


En el acto que se celebrará en la Fundación Bancaja el jueves 11 de julio, se hará entrega a Pascual Sala de una obra de la reconocida artista Rebeca Plana, realizada ex profeso para recordar la figura de Gregori Mayans. L´Associació de Juristes Valencians anuncia la realización de la primera edición del certamen, que tendrá lugar el próximo 11 de julio. Con el libramiento de este premio se pretende reconocer la gran trayectoria profesional del jurista así como su defensa de los intereses valencianos en el ámbito judicial.
L´Associació de Juristes Valencians anuncia la celebración de la primera edición de los Premios “GREGORI MAYANS-Juristes Valencians”.

Con estos premios la entidad que defiende la reintegración del derecho civil valenciano, presta homenaje a la figura de GREGORI MAYANS, jurista ilustrado de la Safor, que reclamo de forma incansable la restauración del Derecho Foral Valenciano- término que acuño. Con estos premios se quiere dar reconocimiento a figuras del mundo de la justicia, con una destacable trayectoria profesional que siendo valencianos hayan ejercido como tales en los diferentes puestos de responsabilidad que hayan ocupado, como MAYANS.

En esta primera edición, l´Associació de Juristes Valencians ha querido reconocer la destacada trayectoria profesional de Pascual Sala así como su defensa de los intereses valencianos en el ámbito del Poder Judicial.

Mayans, jurista ilustrado de Oliva, Bibliotecario Real, gramático, que vivió en sus propias carnes las consecuencias de la Guerra de Sucesión, fue impulsor de la creación de la Real Sociedad Económica de Amigos del País de Valencia. No cejó en reclamar la restitución del Derecho Foral Valenciano a lo largo de toda su vida.

Pascual Sala que ha desarrollado su carrera profesional en la judicatura, ha sido Presidente del Tribunal Supremo y Tribunal de Cuentas, y también del órgano de gobierno de los jueces, el Consejo General del Poder Judicial.

Fue entre los años 2011 a 2013, Presidente del Tribunal Constitucional, siendo el primer juez de carrera que ocupó la presidencia del órgano interpretativo de la Constitución.

Pascual Sala, como magistrado del TC, tras la interposición de los recursos contra las leyes civiles valencianas por diferentes gobiernos, posibilitó que el alto tribunal levantará la suspensión a las leyes civiles de régimen económico matrimonial valenciano, uniones de hecho y custodia compartida, lo que determinó que durante casi 8 años, los valencianos constituyeran relaciones jurídicas al amparo de dichas normas,  y que en la actualidad a casi 300.000 ciudadanos se les sigan aplicando normas de derecho civil valenciano.

Tirant Lo Blanch, la editorial jurídica valenciana, expondrá las diferentes publicaciones que en materia de derecho civil valenciano, integran su fondo editorial. 































La pintora Rebeca Plana se ha inspirado en la figura de Gregorio Mayans y los Fueros de Valencia. La obra será entregada al Secretario de la Asociación José Antonio Pérez Vercher y será el Premio que se concederá en esta primera edición a Pascual Sala el día 11 en la Fundación Bancaja.

Esta pieza que ha realizado Rebeca Plana, artista ad-hoc para el premio, nos habla de la propia simbología representativa del “pelo” de Gregorio Mayans, un pelo tan característico dentro de su época. Con los trazos negros y fuertes tan efervescentes en su trabajo. Unido también al color que predomina en la carta de los “furs” y la incorporación de las líneas escritas. Estos trazos potentes unen la fuerza y la unión de una nación.  Por los derechos y la lucha de una libertad adherida. 

Rebeca Plana, es licenciada por la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia en 2000. Obtiene matrícula de honor en proyectos fin de carrera especialidad pintura. Completa su formación en la facultad das Bellas artes de Lisboa y en el Colegio de España en Paris. La obra de Rebeca Plana tiene un carácter altamente abstracto,  a veces caligráfico, que convida a elementos de composición estructurada con un ambiente salvaje y de improvisación. Utilizando elementos cotidianos a modo de lienzos-objetos y llevándolos hacia el patriarcado histórico del expresionismo abstracto.

Su obra se plantea un mundo en bruto moderno, humanista, hecho a mano a propósito, un trabajo que viva en la cúspide  de un aspecto efímero de aspecto peligroso y sin embargo bien diseñado a un nivel inesperado, llevando a extenderlo para encontrar un nuevo uso desconocido, para crear un trabajo en bruto y extremadamente trazado a color.

Actualmente junto otros artistas españoles  ha sido invitada a la bienal latinoamericana en Brasil.  Seleccionad para participar en la Bienal de la Fundación Once 2020.  Prepara su próxima exposición individual para la Fundación Martínez Guerricabeitia.