sábado, 15 de diciembre de 2018

ONTINYENT CELEBRA LA VII EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CIRCO Y TEATRO

Del 21 de diciembre al 2 de enero 


El VII Festival de Circo y Teatro de Ontinyent animará las Navidades en Ontinyent con 11 espectáculos por todos los barrios. El alcalde de Ontinyent, Jorge Rodríguez, que presentaba hoy el festival junto a su coordinadora, la regidora Sayo Gandia, destacaba que el Festival de Circo y Teatro, incluido dentro de la campaña de Nadal Ontinyent Ilusiona, “ayudará a retener y atraer gente en la ciudad en estas fechas al tiempo que se ofrece cultura para grandes y menuts al periodo vacacional escolar”. El alcalde recordaba que el Festival de Circo y Teatro “empezó de manera experimental, pero ha ido consolidándose gracias al éxito de público que siempre ha tenido, haciendo de las calles los principales espacios escénicos al alcance de todas y todos, al igual que hacemos en verano con Cultura de Barrio”.

Sayo Gandía y Jorge Rodríguez
En concreto, la programación se desarrollará del 21 de diciembre al 2 de enero con actuaciones totalmente gratuitas a la Avenida de Sant Francesc y las plazas de la Concepción, la Coronación, de Santo Domingo, del Mestre Ferrero, del Poeta Vicent Andrés Estellés y de Pere IV. En el Teatro Echegaray se harán también dos funciones con entradas a precios populares de entre 5 y 6 euros. Sayo Gandia explicaba que este año la imagen del festival “es diferente, puesto que por primera vez es una fotografía a la que aparece la joven modelo ontinyentina Lucia Pons, maquillada y fotografiada por profesionales locales”. La coordinadora del festival destacaba que este “tiene este año una variedad escénica muy grande, que de seguro servirá porque la gente pueda hablar de cultura, porque podrá acceder a ella fácilmente”.


El espectáculo inaugural volverá al parking de la Avenida de Sant Francesc (antigua Paduana), con “Flota…Dos”(Cia David Moreno y Cristina Calleja) viernes 21 de diciembre a las 19:30 horas. Se trata de un espectáculo de música con acrobacias con una duración de 60 minutos donde un piano de cola colgado a 8 metros del tierra, será la puerta un mundo singular, donde se descubrirá una historia de amor combinando destreza, humor, danza, acrobacia, proyecciones y luces con la música como lenguaje vehicular.


Sábado 22 de diciembre será un intenso día a la programación, con 3 espectáculos y actividades, especialmente pensadas para los más pequeños en la Plaza de la Concepción: de 11:30 a 13:30 y de 18:00 a 20:30 habrá juegos tradicionales y de madera, acompañados por la mañana del espectáculo “Miss Umbrella” y por la tarde de “Tri-Circo”, clown-circo itinerante de calle a cargo de la compañía Cirquet Confetti con malabares, equilibristas y música.


Domingo 23 será turno para la Compañía “La Trócola” en la Plaza del Mestre Ferrero a partir de las 18:30 con el espectáculo “Emportats”, ganador del Premio FETEN 2018 al mejor espectáculo de calle nocturna. A lo largo de una hora, el público se verá sumergido en un viaje para los sentidos a través del juego y haciendo uso de la música, el humor y el lenguaje poético. Miércoles 26 a las 19:00 la Joven Compañía Masters Ballet pondrá en escena en el Teatro Echegaray el clásico espectáculo “El Cascanueces”, con música de Tchaikovsky, donde los juguetes cobran vida durante la noche de Navidad.

   

Jueves 27 a las 18:30 será la Plaza de la Coronación donde se pondrá en escena el espectáculo “Collage” de la compañía Bot Proyecto, con 40 intensos minutos de acrobacias, equilibrios, saltos y manipulación de objetos. Viernes 28 a las 18:30 en la Plaza de Santo Domingo actuará la compañía Los Barlou con “Set Up”, un espectáculo que combina malabares y magia, monociclos y equilibrios imposibles con humor y mucha acción. Sábado 29 de diciembre la cita será nuevamente al Teatro Echegaray con “Paraíso Pintado”, el espectáculo de clown de la Compañía Pepa Plana ganador del premio Zircolina 2017, dirigido a público a partir de 8 años.


Domingo 30 de diciembre a las 18:00 será el turno para las acrobacias aéreas de la compañía Nelle Flogie con “Imaginaria”, donde la protagonista invita al espectador a entrar en un mundo de fantasía hecho de cuerdas y nudos. Finalmente, el 2 de enero se celebrará el espectáculo final, “Se Sombra”, de la compañía Atirofijo, a partir de las 18:00 en la plaza de Pere IV. Se trata de un espectáculo de circo contemporáneo donde los protagonistas emplean la dramaturgia y la expresión a través de los objetos y la música para conectar con el público y transportarlo a su universo.

El alcalde y la regidora animaban a la ciudadanía de Ontinyent y la comarca “a acompañarnos y disfrutar de la amplia e intensa oferta cultural, lúdica y comercial con que contaremos en Ontinyent estos días, y a no perderse el espectáculo inaugural del día 21 al parking de la Paduana”.



viernes, 14 de diciembre de 2018

«BOYS IN GLORY» EN LA RAMBLETA HOMENAJE A EVARIST NAVARRO, JOAN VERDÚ y JULIO BOSQUE


          Del 15 de diciembre de 2018 al 13 de enero de 2019

Los artistas empuñan sus armas –la línea, el color, el volumen, la electrónica- para alumbrar lo que no se suele ver, en la exposición colectiva «Boys in Glory», que rinde homenaje a tres reconocidos artistas valencianos fallecidos que formaron parte del colectivo Cazadoras Asociados: Evarist Navarro (2014) Joan Verdú (2017), y Julio Bosque (2018).

EVARIST NAVARRO
JOAN VERDÚ

JULIO BOSQUE · Foto de Salvador Álvaro Nebot

























El sábado 15 de diciembre a las 12:30 horas, La Rambleta inaugurará esta exposición del colectivo Cazadoras Asociados que se podrá visitar hasta al 13 de enero de 2019. Una oportunidad de contemplar esta extraordinaria concentración de arte contemporáneo que recoge pintura, escultura, dibujo e instalación.

El colectivo Cazadoras Asociados conmemora así su quinto aniversario desde que un grupo de artistas de consolidada trayectoria individual y amigos entre sí, comenzaran en el año 2013 las reuniones de constitución en colectivo en la antigua sede de una asociación de cazadores para reunir obras en torno a un mismo tema dos o tres veces al año y exponerlas.

Un homenaje y una conmemoración.
«Boys in Glory» es un homenaje y una conmemoración. En esta exposición destacamos la presencia de los que nos abandonaron y celebramos que ya han pasado cinco años desde que decidimos presentar nuestra obra en una ‘exposición exprés’ de tres horas, en una escalera de vecinos del barrio antiguo de València”, señalan desde el colectivo.

Los temas que sirven de motivo para estas exposiciones están relacionados con la caza desde una perspectiva tan amplia que permite obviar casi siempre la asociada a la cinegética. El artista en esta muestra no persigue animales furtivos y salvajes, sino lo que parece insignificante o escondido para resignificarlo. En Cazadoras Asociados el artista empuña sus armas –la línea, el color, el volumen, la electrónica– para alumbrar lo que no se suele o no se quiere ver y obligar a hacerle frente, y pensarlo. «Boys in Glory» reúne algunos de los trabajos realizados durante estos años y también incorpora obra nueva de cada uno de los componentes asociados para esta celebración.

La exposición recoge las obras de reconocidos artistas valencianos como Ximo Amigó, Véronique Bouissière, Calo Carratalá, Enrique Carrazoni, Antoni Domènech, JARR, Antonio Girbés, José Morea, Manolo Rey Fueyo, Pepe Romero, Sebastián Nicolau, Rubén Tortosa, Lukas Ulmi, José  Manuel Guillén, Guillermo Peyró Roggen, Amparo Tormo, Claudio Zirotti, y los homenajeados, entre otros.



jueves, 13 de diciembre de 2018

«IGUAL A IGUAL» DE JOSÉ ANTONIO PICAZO EN EL IVAM CADA ALCOI


Por: JOAN JOSEP SOLER NAVARRO. 
Historiador del Arte. Postgrado en Educación Artística y Museos. Postgrado en organización de exposiciones, marketing y comunicación. Miembro de AVCA. Aso. Vciana. Críticos de Arte. Miembro del ICOM-UNESCO. Consejo Inter. de Museos.

Las inquietudes artísticas de José Antonio Picazo empiezan en París, lugar de nacimiento (1972). Se Licenció en la Facultad de Bellas Artes de Valencia. Ha realizado exposiciones en numerosos espacios en el territorio valenciano, en el resto de España, en Francia, Irlanda, EE.UU. Trata de hacer que cada exposición sea un nuevo experimento y una nueva fuente de investigación. 




Pregunta Joan Josep Soler:
La exposición «De igual a igual» que podemos ver ahora en el IVAM CADA ALCOI es un proyecto artístico en el que llevas trabajando hace unos años. Háblanos de este trabajo. ¿Son lienzos? Técnica pictórica, tamaños, motivo…

Responde José Antonio Picazo.
En el IVAM CADA ALCOI encontramos un homenaje a través de fotografías y partes de telas. Nace en 2015 cuando Rubén Fresneda me propuso exponer en la sala Amics de la Unesco. Esta idea que hubiese podido quedarse en una exposición al uso, acabo convirtiéndose en un proyecto artístico de más calado.

Mi pintura viene muy marcada por lo que supuso la revolución industrial en nuestras vidas actuales, y esta propuesta me llego desde la cuna de la revolución industrial en la comunidad valenciana. La unión entre ambas cosas dio pie a realizar este proyecto que llevaba en si diferentes objetivos.

El primero, era volver a dar visibilidad a estos “no lugares”, (concepto desarrollado por Marc Augé), que son las fábricas abandonadas que rodean Alcoy o que se encuentran dentro de su propio núcleo. Donde los habitantes pasan a su lado sin ya ver estos espacios, como si no existieran.

El segundo objetivo era poner obras que se inspiran en la industria en su mismo lugar de inspiración. De ahí el título “de igual a igual”, como si fuese un dialogo cara a cara entre las obras de artes y estos espacios que se encuentran por primera vez.

  
Estas intervenciones se repartieron las zonas del Tossal y del Molinar con obras que podían ir desde los 2m x 1,5m hasta 2,4m x 8m, realizadas en acrílico sobre tela. El carácter monumental de estos edificios requerían obras de un tamaño también considerable para poder empezar a generar un dialogo.

  
En algún momento has dicho “Ni mayo 68, ni la revolución francesa, ni el marxismo, cambiaron nuestras vidas como nos la cambio la revolución industrial. El cambio actualmente necesario debería de ser del mismo calado”. La pregunta es ¿qué cambió?

Actualmente un cambio parece obvio e ineluctable, en esto, muchos de nosotros estamos de acuerdo. En cambio en los motivos y en las soluciones es donde hay una gran diversidad de opinión.

Porque digo que la revolución industrial nos cambio la vida como pocas revoluciones. Básicamente por el simple hecho de que pasamos de un ritmo agrario a un ritmo industrial, y estos ritmos son realmente el fundamento de mi pintura.

Pasamos de depender de ciertos biorritmos que nos conectaban con nuestro entorno natural y humano, a ritmos que ya no dependían de si hiciese sol o lloviese, sino de una campana que marcaba nuestra entrada en la fábrica. A partir de aquí podríamos desarrollar mucho más sobre lo que esto supuso en nuestra nueva forma de vida, tanto para lo bueno que aporto, como para lo malo.

Pero vamos a saltar directamente a nuestra actualidad, vemos que las estructuras que se construyeron en aquella época siguen vigentes, por ejemplo en educación, vemos como nos siguen preparando, casi exclusivamente para nuestra incorporación en el mundo laboral. También podemos coger el ejemplo de los partidos políticos, desde los ultra-neoliberales hasta el comunismo más duro, vemos que todos se apoyan en la fuerza obrera exclusivamente, y se sigue haciendo obviando todo lo que está ocurriendo en nuestro alrededor.

En pocos años ya no habrá trabajo para todos (¿quizás lo estemos notando ya?), la inteligencia artificial, la automatización, la robotización han venido para sustituir gran parte de nuestros puestos de trabajo y no lo digo yo, lo dicen personas como Jack Ma dueño de Alibaba Group, millonario donde los haya.

  
También podríamos hablar del filosofó Byung-Chul Han y muchas más personalidades. Hay un consenso importante entorno a esta evidencia.

En mi opinión estamos frente a una oportunidad de un calado tan importante como fue la revolución industrial, básicamente porque nos puede devolver nuestro lado más humano, no tenemos por qué ser simples elementos de producción, el ser humano es bastante más interesante.

Realmente soy tecnófilo, creo que la tecnología nos puede aportar cambios sustanciales, como dice el artista Moises Mañas, “…no creo en la magia negra, porque tengo que creer en la tecnología negra… eso si no debemos perder el espíritu crítico”.

Pues en esta línea se dirige mi discurso, que los cambios tecnológicos nos pueden retirar de nuestro carácter productivo y devolvernos a ser algo más humanos, con todo lo que conlleva esta palabra. Sobre esto también podríamos hablar mucho, sobre los cambios de estructura económica que nos deben de acompañar, sobre la resistencia de algunos poderosos para que este cambio no se produzca, sobre lo que supondría a nivel educativo, y sobre todo sobre nuestra construcción vital…

Ante este discurso me suelo encontrar con gente que define la propuesta a la que adhiero de utópica. Frente a esto suelo contestar que en primer lugar que nada es intangible, vivimos en una sociedad que ha construido el ser humano y que por lo tanto puede tener tantas facetas como queramos. Por otro lado suelo poner el ejemplo de nuestra seguridad social, realmente somos consciente que tenemos asistencia sanitaria gratuita, no hace tanto esto era absolutamente impensable, no llegaba a ser ni imaginable. Bueno y aquí estamos, la cuestión es elegir un camino.

¿Cómo crees que ha afectado la Revolución industrial de los años ochenta en nuestra sociedad en general y concretamente en la Comunidad Valenciana y las comarcas de l’Alcoià, Comtat, y la Vall d’Albaida?

Me he interesado mucho sobre el carácter específico de lo industrial, en el Alcoià principalmente, sin ser especialista en la materia, ni pretenderlo.

Si bien la fabricación, como por ejemplo de papel fue bastante anterior a la revolución industrial, esta última le dio un carácter especifico a esta comarca. Desde un punto de vista productivo y económico parece que es bastante obvio. Pero también desde un punto de vista cultural, puesto que la Comunidad en general se basaba económicamente en el sector agrario y en cambio El Alcoià, por sus características hidrográficas, atrajo el mismo tipo de fábricas que se construían en las zonas del Baix-Llobregat. Lo que llevó hacía aquí, la cultura del modernismo, que no solo conectó con la cultura catalana, sino que también con los numerosos países Europeos que ya llevaban varios años dentro de esta revolución industrial. Convirtió toda la comarca en una de las más ricas de la comunidad tanto a nivel económico como a nivel cultural.

Precisamente hace unos pocos días un empresario alcoyano me comentaba que cuando se hablaba de que el 80% de las fábricas estarían actualmente cerradas, nadie se lo creía. Ahora están cerradas más del 80%. Quizás este exceso de confianza de los años ochenta, fue también uno de los agravantes de la crisis actual de la zona.







Más concretamente, ¿cuáles son las consecuencias HOY de aquella revolución industrial?

Al hilo de lo que estaba comentado, el pasado es algo que no se pueda modificar, de ninguna manera, es el que es, por lo tanto mejor hablar del hoy y del mañana también.

Cuando entro en la ciudad de Alcoy se respira un ambiente diferente a otras ciudades de la comunidad, tiene un carácter que le hace muy específico que le da esta peculiaridad, y esta proviene precisamente de lo que aporto la industria y toda la cultura que vino con ella. Ahora bien, los retos que tiene que afrontar esta comarca son numerosos y complejos, y la preservación de esta cultura es uno de ellos, para lograr mantener esta identidad a modo de foco de atracción importante, que al mi parecer no se acaba de explotar del todo.

Por otro lado también puedo lograr entender que pueda existir un hartazgo de lo industrial, puesto que es omnipresente en la ciudad y que en un momento dado se le haya dado la espalda. Pero a su vez estoy convencido de que si se hubiese salvado a tiempo, hoy estos espacios estarían aportando dinero a la ciudad. 

¿De qué manera se refleja todo esto en tu proyecto artístico?
Como bien he dicho al principio, trato de pintar los ritmos de vida en los que estamos inmersos actualmente, lo hago con una estética industrial, porque nuestras vidas están profundamente marcadas por los ritmos que nacen de ella. Realmente lo entiendo como un paisaje, es decir pintar lo que ves, en mi caso sería pintar lo que percibes, las frecuencias, los horarios, nuestras estructuras vitales.

Es una forma de poner en evidencia en lo que estamos inmersos muchos de nosotros sin darnos realmente cuenta. Es también el primer paso para plantear algún tipo de cambio, y me vuelvo a repetir, nada es intangible.

Como habitante de ciudades desindustrializadas, como artista, ¿qué crees que debería hacerse con la arqueología industrial?
La arqueología en su acepción más global es algo que se suele cuidar bastante, en cambio en la arqueología industrial no tanto, se suele dejar estos edificios a su suerte hasta que llega un punto en el que los tienen que derrumbar.

En este ejemplo de la fabrica Miguel Payà, Las fotos superiores son de marzo de 2015, las fotos inferiores son de septiembre del mismo año. Básicamente vemos como desaparecieron todas las viguetas, dejando la fábrica sin techos ni suelos entre las plantas, y convirtiendo la planta baja en un amasijo de escombros.

 


Si que existen iniciativas privadas y públicas que recuperan algunas, pero la perdida desde un punto de vista histórico es sangrante. Es verdad que los costes son importantes, pero si se tomaría en serio esta cuestión podríamos salvar gran parte de este patrimonio, si se hicieran actuaciones tempranas y si esto estuviese legislado por leyes de protección de patrimonio industrial.

Podríamos reutilizar estos espacios, que son edificaciones, en muchas ocasiones, muy contundentes y por lo tanto muy duraderas en el tiempo. Con esto quiero decir que realmente a pesar de que la actividad para la cual estaban previstas se haya finalizado, se pueden seguir utilizando durante muchas décadas más y así ahorrarnos el tener que construir otro edificio y es una pena ver como se pierden. Solo basta ver la Universidad Politécnica de Alcoy como ejemplo de reaprovechamiento de una fabrica.

¿Que relación hay entre su obra pictórica y el libro Libro “Espais recobrats”, de Ferran Pont y Teresa Llordes?.

Este libro es principalmente fotográfico pero habla mucho! Es uno de mis referentes en cuestiones de recuperación de patrimonio industrial. Va en la línea de mi discurso pictórico y me permite imaginar un futuro mejor, puesto que simboliza esa evolución que tiene nuestra sociedad. Si bien la cantidad de fabricas abandonadas que existen en nuestro país representan perfectamente el fin de un sistema. Las fábricas recuperadas demuestran cómo hemos pasado de un mundo donde la alienación del trabajador era extrema, a un mundo donde el espacio para la cultura es cada vez más grande. En este libro se ven como antiguas fábricas se han recuperado para hacer bibliotecas, espacios de arte, espacios de encuentro.

Pero a su vez no es difícil imaginar cómo trabajaba la gente dentro de estas fábricas. Y la contraposición entre el pasado y el presente en un mismo espacio es francamente interesante, simbólico y muestra el camino a seguir.

Y ya que estamos hablando de libros no puedo dejar de recomendar el libro de Emili Teixidor “vida de colonia”, Habla de cómo se vivía en las colonias a principios de siglo, es una delicia recrearse en el.

Y el libro, este mucho más técnico, pero sin él cual no hubiese podido entender la idiosincrasia Alcoyana, que es “Origen y desarrollo de la cuenca industrial del río Molinar de Alcoy”, de Gilberto Olcina Lloréns.



Es verdad que puede parecer curioso que un libro tan técnico pueda ayudar a entender una cultura, pero el hecho de saber en qué año se construyeron las fábricas, quienes eran los dueños, cuantas personas llegaron a trabajar dentro, donde se ubican exactamente cada una de ellas, ayuda mucho a entender gran parte de lo pasaba en Alcoy en aquellos tiempos y porque hoy es como es.

¿Qué otras relaciones culturales encontramos en su obra?

Es verdad que al principio de mi carrera artística, buscaba muchos referentes, me inspiraba en ellos, estaban muy presentes. Como podían ser los constructivistas, artistas como Kupka o Sol lewitt, los clásicos libros de estudios en bellas artes. Pero ahora creo que la obra ha llegado a un punto de se alimenta por si sola y una exposición va inspirando a la siguiente de tal manera que ya existe una sinergia donde los referentes ya no son importantes.

En cambio sí que me gusta conocer el sitio donde voy a exponer, los libros citados antes los descubrí buscando información para una exposición en la provincia de Barcelona y para esta exposición de Alcoy.

También me gusta especialmente la filosofía puesto que me parece, al igual que las bellas artes, que son materias que llamaría “originarias” es decir que nacen de sí misma y dan base a una infinidad de otras materias.

Gustándome especialmente la filosofía de autores como Jacques Ranciére, su libro “el espectador emancipado” me ayudo a entender muchas cosas del mundo del arte, entre otras cosas. Paul Virilio y su visión de nuestra acelerada sociedad tecnológica. Byung-Chul Han, el filosofo de moda y su exageradamente catastrófica visión de la sociedad actual, pero con análisis muy pertinentes y otros autores.

Pero no sabría decir una referencia que se vincule directamente con mi obra, creo que ya vive por sí sola, casi fuera de mi control!

José Antonio Picazo con su obra expuesta en el IVAM CADA ALCOI. Foto: Marip Guiennot.
 



EXPOSICIÓN DE RICARD HUERTA EN EL MUSEO O'HIGGINS DE LIMA Y LIBRO: MUJERES MAESTRAS DEL PERÚ


Por: RiCARD HUERTA.
Catedrático de didáctica de la expresión musical, plástica y corporal de la Universitat de Valencia.

Descarga gratuita del libro "Mujeres Maestras del Perú" https://www.academia.edu/37930425


El proyecto «Mujeres maestras» nació en 2005. Con esta iniciativa quería, en primer lugar, conocer mejor al colectivo de mujeres a quienes preparo para ser maestras en el ámbito de la educación artística. Soy profesor universitario de una facultad en la que formamos a futuros docentes. Quise abordar la cuestión planteando una investigación universitaria y consideré que el modo más adecuado era plantearlo desde la «investigación basada en las artes». En esta línea de trabajo y reflexión, me siento muy cercano a las propuestas que actualmente conocemos como «Artography», las «artografías», que han sido difundidas por Rita Irwin. Se trata de un modelo de investigación que une los procesos de las artes sin perder de vista nuestra faceta como educadores ni tampoco nuestra visión como investigadores. El término «ARTography» implica sentirse al mismo tiempo artista, educador e investigador, ya que las tres letras iniciales conjugan los tres elementos que se integran en él: la A de «Artist», la R de «Researcher», y la T de «Teacher» (Irwin, 2013).

De este modo, generamos un homenaje al colectivo de las maestras, con un trabajo de investigación que nace del arte y la educación artística para desembocar en un mayor conocimiento de las identidades de las mujeres que se dedican a la docencia. Se trata de una iniciativa que une los intereses de ámbitos como la universidad, la escuela y el museo (Soto, 2015). Estos tres ámbitos, habitualmente independientes y en demasiadas ocasiones poco en contacto, con «Mujeres maestras», unifican esfuerzos para acercarse a la identidad de las docentes. Desde que iniciábamos el proyecto en aquel ya lejano 2005, la idea se ha mantenido fiel al deseo de recopilar y unificar los intereses de diferentes colectivos: el alumnado escolar, las profesionales de la educación, las personas que nos dedicamos a la creación artística y el profesorado universitario. Así pues, el proyecto «Mujeres maestras» une intereses diversos (colectivos, instituciones, escenarios de participación), ampliando así las posibilidades de unir esfuerzos. Debido al constante interés que mantenemos por conocer mejor a las mujeres que educan, con cada nueva exposición y cada nueva investigación se amplía, se renueva y se vitaliza nuestro empeño por indagar en todo aquello que puede unir y fortalecer las relaciones entre los diversos colectivos implicados en lo educativo y lo cultural (Huerta, 2012).

Tras haber desarrollado las investigaciones en países como Uruguay, Chile, España, Argentina, Cuba, Colombia e incluso en el Parlamento Europeo de Bruselas, el proyecto «Mujeres maestras» llega al Perú de la mano del Centro de Investigaciones y Servicios Educativos (CISE) de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP). Cabe decir que la muestra de Casa O’Higgins coincidió con el final de dos meses de reivindicaciones por parte de los maestros y las maestras peruanas, quienes fueron tema central mediático durante las huelgas y manifestaciones que se prolongaron por sesenta días.

Pintura de Ricard Huerta de la serie «Alfabet de les mestres»
dedicada a María Aymerich
Tres años preparando el proyecto Mujeres maestras del Perú El proyecto de investigación artística y educativa «Mujeres maestras del Perú» inició su andadura peruana en 2015 cuando fui invitado por el CISE a realizar una estancia de investigación en la PUCP. Durante el mes de agosto de ese año, se realizaron las primeras entrevistas a las primeras maestras que participaron, centrando la atención especialmente en mujeres que por diferentes motivos estaban vinculadas a la PUCP: alumnas del grado de maestra, profesoras universitarias que habían ejercido como maestras, sindicalistas y personas implicadas en movimientos de reforma pedagógica, maestras con una dilatada trayectoria, etc. Todas estas mujeres fueron convocadas por Luzmila Mendívil, quien desde el inicio ha sido la persona que más ha luchado por llevar adelante este proyecto en el Perú. La profesora Mendívil, directora del CISE, convirtió esta idea en un proyecto tangible tras tres años de preparación fructifica en la exposición llevada a cabo en la Casa O’Higgins en el mes de agosto de 2017 y con la realización de este libro que recoge una serie de opiniones de especialistas en artes y en educación. Desde aquí nuestro agradecimiento a Luzmila Mendívil por su gran implicación y por los logros conseguidos.

«Mujeres maestras del Perú», como proyecto, está vinculado a las iniciativas del grupo CREARI de investigación pedagógica cultural (GIUV2013-103), así como a los trabajos del Instituto de Creatividad e Innovaciones Educativas de la Universitat de València. Se trata de una colaboración con el CISE a través de un convenio de cooperación internacional entre ambas universidades (la PUCP y la de Valencia). «Mujeres maestras del Perú» es un homenaje a un colectivo poco valorado.

Pintura de Ricard Huerta de la serie «Mujeres maestras del Perú»
El proyecto acerca al terreno artístico una realidad social, cultural y especialmente educativa. No perdamos de vista que, entre los profesionales de la docencia, la mayoría son mujeres. Se tiende a olvidar que, gracias a las maestras, las sucesivas generaciones recibimos una formación tanto en las escuelas como en los centros de secundaria, así como en las universidades, en los espacios que entendemos como propiamente educativos. Estamos tratando de una cuestión de identidad, de factores que describen los intereses y la situación del colectivo de las maestras. La importancia que adquieren en nuestras vidas las mujeres de las que aprendemos, de quienes recibimos importantes aportaciones, resulta tan interesante que en nuestras investigaciones artísticas aportamos el reconocimiento que merece esta tarea vital y educativa.

La exposición y el resto de actividades pretenden generar un acercamiento al mundo de las maestras, a sus identidades, a sus inquietudes, desde diferentes puntos de vista. Se unen aquí diversas miradas: la del artista, la del alumnado y la opinión de las propias maestras que explican su visión del mundo en el que se involucran. La reflexión académica corre a cargo de un equipo de especialistas multidisciplinar.

El video Mujeres maestras del Perú 
Para la investigación, partimos de las entrevistas a maestras del Perú elaboradas durante 2015 y 2016 por parte del profesor Ricard Huerta. Uno de los resultados de estas entrevistas es el montaje del video «Mujeres maestras del Perú» que se puede recuperar en el repositorio de Vimeo, en el enlace https://vimeo.com/215170718.

Este montaje de entrevistas, un documental en el que aparecen las imágenes y las palabras de las maestras peruanas a quienes hemos conocido personalmente, empieza con la voz de la maestra Rita Carrillo. Debido a que Rita Carrillo falleció unos meses después de realizarse la entrevista, tras haber luchado durante mucho tiempo contra la enfermedad, hemos querido dedicar este trabajo a su memoria.

Pinturas de Ricard Huerta de la serie «Mujeres maestras del Perú»
expuestas en Casa O’Higgins
Así pues, la investigación «Mujeres maestras del Perú» tiene una connotación de homenaje a todas las mujeres maestras peruanas, pero muy especialmente a Rita Carrillo (in memoriam), homenaje merecido a una mujer a quien recordamos con cariño, por su fortaleza, por sus ideas, por su lucha frente a las injusticias que constantemente condicionan la libertad de las mujeres. Con el video se trata de dar un paso más para conocer cómo se ven y cómo se interpretan las propias maestras, definiéndose a sí mismas.

Se elabora así un discurso sencillo pero contundente, un audiovisual que intenta encajar en imágenes y sonidos la mirada que proyecta cada individuo sobre sí mismo, pero también la idea de pertenencia a un cuerpo más amplio, en este caso al colectivo de las educadoras. De este modo, se estimulan los rasgos identitarios vistos desde el propio colectivo.

Queremos agradecer la colaboración de todas las maestras que han participado activamente en el proyecto, a las que pudimos conocer personalmente. El trabajo de campo realizado en 2015 en la Facultad de Educación de la PUCP, permitió entrevistar a Rita Carrillo Montenegro, Madezha Cépeda, Rosana Elizabeth Falcón Mendoza, Rosa Ledesma B., Luzmila Mendívil Trelles, Vannia Stefany Mestanza Calderón, Cecilia Milagros Limache Muñante, Sobeida del Pilar López Vega, Nadia Romaní, Juanita Shedan Manga, Elsa Tueros Way, Elena Valdiviezo Gainza, María Felipa Valdivia y Claudia Vargas; la mayoría de ellas docentes, aunque también en dos de los casos, estudiantes del grado de magisterio.

Los dibujos infantiles dialogan con las pinturas de la serie
«Mujeres maestras del Perú» en la exposición de la Casa O’Higgins
En el año 2016, se realizó una segunda tanda de entrevistas, en este caso acudiendo a los colegios donde trabajan las maestras, centros ubicados en diferentes entornos de Lima1. Uno de los lugares al que pudimos acceder fue la Institución Educativa de Acción Conjunta Corazón de Jesús, colegio ubicado en Jicamarca (Lurigancho), un asentamiento humano con ínfimos recursos, donde la labor de muchas personas (coordinadas por Agustín Merea, quien ejerce de gerente), ha permitido construir este centro educativo que atiende a más de mil estudiantes. Las maestras entrevistadas fueron Virginia Navarro Baldeón, Mirna Palacios Llanos, Zoila Verónica Tuñoque Contreras, Sheyla Vanessa Chuquiyaure Jauli, Clelia Reymundo Ramos, Yessie Maribel Fabián Picón y Lourdes Diana Calderón de la Cruz. Es encomiable la tarea que llevan a cabo estas mujeres en un entorno tan complejo y difícil. El reconocimiento de los niños y las niñas se puede observar en sus miradas, en el afecto con que desenvuelven sus relaciones escolares. La educación de estos niños y niñas debería estar atendida de forma preferente por las instituciones del Estado y la municipalidad.

También en 2016, se grabaron nuevas entrevistas en los locales del CISE en la PUCP, pudiendo conocer de primera mano las opiniones de las profesoras Nora Cépeda García y Carmen María Sandoval Figueroa. Se entrevistó a la maestra Maribel Cormack Lynch, una personalidad en el mundo educativo peruano, quien recibió las Palmas Magisteriales, máxima distinción del Gobierno del Perú; una mujer siempre combativa por la mejora de las condiciones y el reconocimiento de la educación infantil. Otro de los colegios a los que pudimos acceder fue la Institución Educativa Parroquial Nuestra Señora de la Luz (Coronel Odriozola, 580, San Isidro, Lima), la cual se caracteriza por haber sido fundada en la década de 1940 y que ha atendido desde entonces a los hijos de las trabajadoras domésticas de esta zona de la ciudad. Entre las maestras entrevistadas están Antuanet Funes Briceño, Ana María Solano Fernández, Rocío Bravo Ramírez, Hilda Sevillanos Torres, Jesica Kohatsu Shiroma, Marilú Amenero Santos y Elvira Rosario Ahón Durante. Si bien la mayoría de centros educativos en los que se llevaron a cabo las entrevistas fueron escuelas de educación primaria, también se optó por conocer la opinión de las docentes que trabajan con la primera infancia. Así, se entrevistó a las maestras Elena Velaochaga de Le Bienvenu, Cecilia Noriega Ludwick, Mariella Matos Parodi y Liliana Zamalloa Bustamante; todas ellas trabajadoras docentes de la Asociación Educativa Colegio Caritas Graciosas, un centro de educación inicial ubicado en Miraflores.

La Casa O’Higgins como espacio perfecto para exponer los dibujos infantiles,
las pinturas de la serie y el audiovisual «Mujeres maestras del Perú»
El estudio consiste en recopilar estas narrativas personales, estas historias de vida que nos cuentan las propias maestras. Se procede a la edición y montaje de un video en el que se utiliza una parte del material registrado. El responsable del montaje fue Rubén Estévez, técnico del laboratorio de audiovisuales de la Facultat de Magisteri de la Universitat de València. Este vídeo es el que se utiliza para la exposición, de manera que el público que entra a la sala puede escuchar la opinión de todas las maestras que participaron. Se trata del mismo video que está disponible en internet con el título «Mujeres maestras del Perú».

Los trabajos artísticos desde la mirada del artista A partir del conocimiento personal de las maestras peruanas y basándose en la muestra reflejada por las entrevistas, se procede a interpretar las pinturas. La serie «Mujeres maestras del Perú» consta de veintiuna piezas en las que se ha seleccionado a una parte de las mujeres entrevistadas, escogiendo entre el conjunto del muestreo, con el fin de abarcar el máximo de representatividad del conjunto. Cómo observa y de qué modo interpreta el artista a las mujeres de quienes ha aprendido y continúa aprendiendo. La mirada del artista reflexiona sobre las mujeres maestras aportando una perspectiva desde la creación plástica, desde las artes visuales. De este modo, la creación artística se suma al conjunto de lo que entendemos por proyecto «artográfico». Pinturas sobre papel, obras dedicadas a las mujeres que nos han hablado de su esfuerzo, de su trabajo, de sus ilusiones y de sus ideas.

Entrada de la exposición «Mujeres maestras del Perú»
en la Casa O’Higgins
En mi trayectoria como artista visual y dentro de esta misma temática, he realizado varias series anteriormente: «Mestres & mestres», «Dones Mestres», «Alfabeto de las maestras», «Mujeres maestras de Europa», «Letras de maestras», «Mujeres maestras de Colombia», «Mujeres maestras de Uruguay» y «Mujeres maestras de Chile». A partir del conocimiento directo de la realidad de Lima, he interpretado a estas docentes peruanas, utilizando para ello el recurso del color, el grafismo y la composición. Como un guiño a los colores que llenan los trabajos de la artesanía peruana, las pinturas de la serie plantean la reflexión gráfica empezando por los rojos y los blancos (claras referencias a los colores de la bandera), para continuar añadiendo otras tonalidades (verdes, amarillos, naranjas, azules) como clara referencia a la realidad diversa del Perú. Sobre estos fondos de colores y a partir de una tipografía de creación, se escriben los nombres de las maestras seleccionadas.

Numeroso público asistió a la inauguración de la exposición
«Mujeres maestras del Perú» en la Casa O’Higgins
Cuando realizo estas pinturas de la serie, me sumerjo en todo aquello que he aprendido durante el proceso de recopilación de datos. He conocido a personas que trabajan en el mundo de la educación que se esfuerzan y sufren por llevar adelante sus sueños. Me siento muy cercano a sus problemáticas. En el estudio, preparo los materiales (papel fabricado a mano, pinceles, pinturas) y, teniendo muy cerca una pantalla en la que reviso las entrevistas, voy realizando cada uno de los «retratos». Intento lograr, mediante los gestos y las texturas, aquello que me ha transmitido cada una de ellas. Me sumerjo en todo lo que me han contado, en las conversaciones que hemos mantenido, en las visitas a sus lugares de trabajo. Entonces nace cada una de las pinturas de la serie. Al escribir su nombre, con un alfabeto de creación diseñado expresamente para la serie, represento todo aquello que me ha transmitido cada una de ellas. Se revelan desnudos sus nombres, limpios, vigorosos, amplificados por sus resonancias musicales. Como reflejo de ellas mismas, como espejo clarificador, como una sombra exacta de lo que deseamos expresar. Es el don sonoro de la letra, su lenguaje, su perdurabilidad.

Pintura de Ricard Huerta de la serie «Mujeres maestras del Perú»
dedicada a Nora Cépeda
Convenio de cooperación internacional entre la PUCP y la FGUV El convenio firmado por el CISE - PUCP con la Fundació General de la Universitat de València ha propiciado que se concretase el trabajo de campo realizado durante los últimos tres años en una exposición en la Casa O’Higgins de Lima y en este libro en el que participan numerosos especialistas en educación y artes. El proyecto de cooperación internacional «Mujeres maestras del Perú» establece un convenio entre la FGUV y la PUCP, lo cual supone un trabajo conjunto de investigación y desarrollo de las acciones previstas. De este modo, se proporciona soporte institucional y económico para la exposición «Mujeres maestras del Perú» presentada en agosto de 2017 en el Centro Cultural Casa O’Higgins de Lima. Se trata de una referencia importante de difusión cultural y académica en el centro histórico de la ciudad, en una entidad que depende de la PUCP. El esfuerzo de todo el equipo humano de la Casa O’Higgins, dirigido por el profesor Luis Repetto y coordinado por la profesora Amalia Castelli, ha culminado en un magnífico trabajo de montaje expositivo, contando con la inestimable colaboración de las profesoras Luzmila Mendívil y Themis Castellanos, junto con el equipo humano del CISE. También desde el CISE se ha llevado a cabo la preparación de este libro titulado «Mujeres maestras del Perú», en el que participan, con sus textos y reflexiones, investigadores del grupo CREARI de la Universitat de València y docentes e investigadores del CISE y de la PUCP.

Exposición Mujeres maestras del Perú en la Casa O’Higgins de Lima.
Pintura de Ricard Huerta de la serie «Mujeres maestras del Perú»
dedicada a Maribel Cormack
Se trata de una exposición formada por tres espacios, tres miradas a las maestras, a las mujeres, a las docentes, desde tres perspectivas diferentes: la del artista, la del alumnado y la de las propias protagonistas, las maestras. Hemos dividido dichas perspectivas en lo que serían tres espacios interconectados que se combinan en los espacios del Centro Cultural Casa O’Higgins, adaptando aspectos en función del lugar en el que se realiza la muestra. Han participado con sus dibujos (cerca de 600) los centros educativos de Lima y de poblaciones cercanas a la capital con los que se había contactado anteriormente y, por supuesto, con aquellos en los que se ha entrevistado a sus maestras. Las pinturas realizadas forman parte de la exposición, junto con los dibujos del alumnado y las entrevistas en formato de proyección audiovisual. Estas 21 maestras, a quienes se les han dedicado sus respectivas pinturas, representan evidentemente una selección del conjunto de las maestras entrevistadas, a quienes se les puede ver y escuchar en el video documental. Las maestras entrevistadas colaboraron en la recolección de datos de manera completamente altruista, algo que siempre les agradeceremos. Queda escrito el nombre de cada maestra homenajeada, adquiriendo así una presencia capaz de generar un efecto caligráfico destacado sobre el fondo de color. Conviene indicar que siempre se trata de letras del alfabeto latino, de nuestro lenguaje occidental de los signos alfabéticos. También los personajes representados mediante la escritura de sus nombres responden al patrón cultural occidental, tal y como han advertido algunas teorías de los sistemas culturales. No rechazamos esta elección, provocada en parte por el hecho de conocer y entender mejor lo que nos es más próximo. El alfabeto latino forma parte de nuestro legado cultural y sus posibilidades plásticas son infinitas. De hecho, en la tradición del diseño de letras del Perú existe un gran apego hacia las formas del lettering que provienen de los letreros publicitarios de carácter popular.

Se transmite una inmensa carga afectiva al desarrollar cada composición. La cantidad de ideas y rememoraciones que evoca cada persona se concentra básicamente en el concepto definido por las formas del texto compuesto por cada palabra. Con ello, el nombre asume de manera casi unívoca el papel prioritario y será el contraste con el fondo del texto escrito lo que generará la dualidad a la que asistimos. También en la elección de los colores dominantes se ha optado por contrastar tonalidades y gamas, polarizando los encuentros.

Pintura de Ricard Huerta de la serie «Mujeres maestras del Perú»
dedicada a Carmen Sandoval
El alumnado de incial, primaria y secundaria de diferentes colegios de Lima ha representado a sus maestras. De esta manera, la exposición participa tanto del trabajo individual del artista como de las aportaciones de los escolares que también han interpretado a sus maestras. Se trata de una experiencia novedosa, ya que las maestras nos comentan que ellas nunca se habían sentido «modelos» como para posar ante su alumnado. Este tipo de iniciativas anima a las docentes a generar nuevos parámetros y usos de la educación artística en la escuela. También fomentamos el acercamiento entre espacios educativos formales y entornos informales, entre las escuelas y los museos. De este modo, se consigue generar interés entre personas que antes no se habían sentido atraídas por los espacios artísticos o museos. Los familiares del alumnado participante acuden a la muestra con el interés añadido que se ha generado por la participación de sus hijos, nietos o sobrinos. Esta novedad permite acercar al espacio expositivo a un tipo de público que habitualmente no frecuenta las galerías de arte. Comento una situación vivida en Casa O’Higgins durante la muestra: una niña, señalando con el dedo el mural de la entrada, le dice a su padre, entusiasmada: «¡Papá, mira, ven, entremos!»; le responde su padre, desde la calle: «¡No, niña, no, que eso es arte!» (sic); insiste la niña, viendo un dibujo infantil de grandes dimensiones en la puerta: «¡Pero si es lo que yo hago!». Esta anécdota refleja lo que ocurre en la mayoría de las ocasiones: los adultos se sienten ajenos al arte; pero, por parte de los pequeños (y sus maestras), se incide en acercar a la infancia al mundo del arte y la creación artística. Bebemos de la misma fuente.

Logros del proyecto «Mujeres maestras del Perú»
Con este proyecto universitario, se consigue integrar a los colegios en un montaje expositivo, valorar el trabajo de aquellas maestras que trabajan en un determinado entorno cultural, ofrecerles una actividad que tendrá repercusiones en el exterior de las aulas y el centro educativo, acercar a niños y niñas al arte mostrando sus producciones, favorecer una mejor conexión entre la sala de exposiciones y los centros educativos, atraer a público diverso y diferente, en su mayoría nuevos, hacia una sala de exposiciones: padres, abuelos, amigos y familiares del alumnado, quienes se acercan para ver los dibujos de sus conocidos. Pensamos que con este modelo de investigaciones conseguimos involucrar de manera participativa tanto a las educadoras como al alumnado y también a sus correspondientes familias, en una iniciativa de cariz cultural y artístico, sin eliminar, por supuesto, el interés que todas estas actividades tienen para el público en general, dentro de un montaje muy en la línea del arte contemporáneo comprometido y solidario, atendiendo a motivaciones de carácter social.

Por otro lado, siguen las investigaciones a partir de los dibujos realizados por el alumnado. Estos trabajos son estudiados como realidad palpable de la imagen que generan de sus maestras. Los resultados del proyecto, tanto desde la vertiente de la exposición, como desde la recopilación de dibujos y de las entrevistas a maestras, son difundidos a través de artículos en revistas especializadas (Huerta, 2016), de modo que continuamos atendiendo con interés la realidad atractiva y muy recomendable del quehacer constante de las maestras.

Referencias
Huerta, R. (2016) Mujeres maestras de Perú: investigar en educación artística transitando entornos formales e informales. Revista Gearte, 3(3), 427-443.
Huerta, R. (2012). Mujeres maestras. Identidades docentes en Iberoamérica. Barcelona: Graó.
Irwin, R. (2013). Becoming A/R/Tography. Studies in Art Education. A Journal of Issues and Research, 54(3), 198-215.
Soto, M.(2015). Espacios de inclusión e implicaciones educativas entre escuela, museo y universidad. Análisis desde la investigación-acción. Tesis doctoral no publicada. Universitat de València.