martes, 26 de marzo de 2019

GEOPOLÍTICAS DE LA NATURALEZA DE OSWALDO MACIÁ EN ESPAIVISOR

C/ Carrasquer, 2 Valencia
Inauguración: Viernes 29 de marzo, 20 h


El arte visual contemporáneo cuestiona hasta tal punto sus capacidades lingüísticas, que incluso puede existir como tal sin que las imágenes sean convocadas. Tal es el grado de evolución y sofisticación de la representación relacional.

Aquello que en su esencia reflexiona sobre la visión —en cuanto percepción, generación y recepción final de las imágenes— también abre sus límites hacia otros sentidos, que emplea como cualidades sinestésicas. El olfato recurre al archivo personal de nuestros recuerdos, los más profundos, transportándonos hasta un origen primigenio; el sonido y la escucha fabrican a nuestro alrededor una realidad paralela que reflexiona sobre la duración y el tiempo. Estos son los medios; pero los mensajes, en la obra artística de Oswaldo Maciá (Cartagena de Indias, 1960), transitan a través de materias de investigación diversas que abarcan desde la mirada microscópica existente en la migración o la polinización de los insectos, hasta las decisiones macro-políticas que afectan nuestras vidas y los hábitats donde estas se desarrollan.

Todo lo que nos rodea es, para el artista, material registrable y reproducible: tomar una muestra de la realidad para generar su doble, clonándola, a través de grabaciones de audio; o bien producir un sucedáneo olfativo de cualquier elemento existente que nos haga sentir algo distinto de lo que vemos, revelando la incertidumbre como una de las bellas artes. Las experiencias sobre lo real abren un campo de significantes que se quedan a las afueras de sus significados, satisfechos de habitar en los límites. Más allá de un mero juego de conceptos, el lenguaje deviene elemento principal en esta serie de trabajos y la etimología de algunas palabras clave genera un vínculo innegociable entre el resultado final y su intención primigenia. Ecuación, fábula, migración, escenario… son algunas de ellas. En esa investigación acerca del origen existe una búsqueda y una extrañeza: la búsqueda de una suerte de esencia de los conceptos como fase previa a la utilización masiva y a su contaminación lingüística enriquecedora posterior; la extrañeza al comprobar ese descasamiento y pretender retomar, por otros medios, aquello que se proponía inicialmente. Este viaje de vuelta se realiza alambicando los conceptos y destilándolos, de los que se obtiene de nuevo una esencia.


Las obras e instalaciones resultantes son el acervo sintético y selecto de un tema amplio, como la muestra mínima de una edición máxima: una relación invisible pero evidente con operaciones matemáticas de base sincrética. En cierto sentido, así opera la naturaleza según sus reglas sobre la supervivencia de la especie.


Under the horizon [Bajo el horizonte], 2011-2019, es la primera instalación de las tres que conforman esta exposición y la primera vez, también, que se muestra en una galería. En la sala de acceso a espaivisor, nos topamos con una bañera colocada sobre un pedestal alto y de mayor anchura y longitud que esta. El agua se desborda de la tina y cae en la parte interior del pedestal, lo que genera un circuito cerrado de agua. El agua está tintada de negro, pero el aroma que emana recuerda otra cosa, en un primer momento indisociable al aspecto físico. La potencia sensorial de estas obras radica en un cambio perceptivo: imaginar una «situación» (etimología de la palabra de origen griego «escenario») que no concuerda con lo que se siente de manera presencial. Ese desajuste entre lo que pensamos que debemos sentir al mirar un objeto, un color, un movimiento… y lo que de verdad percibimos, está en la esencia del trabajo de Oswaldo Maciá. Bajo el horizonte es, además, una instalación sonora. El audio de un movimiento maquinal, industrial, percute en el interior del pedestal, sordamente, junto con música interpretada con instrumentos de viento. La grabación de las máquinas se realizó en una fábrica de Bulgaria durante las pruebas de resistencia de unos tejidos destinados a componer uniformes militares de gran sofisticación, basados en las cualidades de determinadas plumas de aves. La instalación simboliza la dificultad que supone conocer este mundo complejo, henchido de paradojas éticas, que queda por debajo de la mirada —y del conocimiento— del público, como el borde de esa bañera anegada.


En la sala central, el espacio queda ocupado por la obra Escenario en construcción (2016) que se compone de una serie de dibujos y un audio reproducido a través de tres megáfonos. Los dibujos muestran aves nativas del territorio colombiano y los gráficos de las ondas sonoras de sus llamados. Asimismo, también se entremezclan bocetos del monumento realizado para la rotonda existente entre la Calle 19 y la Carrera 3 de Bogotá. Esta pieza es una escultura pública que reflexiona sobre la importancia de la biodiversidad de la fauna colombiana y es una alerta sobre su desatención y cuidado. La obra incluye una composición sonora de 60 minutos de duración, de los cuales 59 min. son silencio; el último minuto de cada hora, en la franja existente entre las 7h. y las 19h., reproduce una composición realizada a partir de una «paleta sonora» de 1900 especies que transitan el territorio colombiano, que es el país con mayor variedad de aves del mundo. El hecho de que solo suene el último minuto de cada hora hace referencia a la urgencia de la situación, a la posibilidad cada vez más certera de que llegamos tarde. Este audio se reproduce ahora y aquí, en esta sala, componiendo un todo con los dibujos y los bocetos. La instalación supone un engranaje de capas entre lo simbólico de los dibujos y la constatación sonora de una serie de llamados (para la procreación, la emigración, la alerta…) que adquieren la determinación de ser un lenguaje funcional.

En la sala tercera, al fondo, el artista colombiano ha ubicado la más reciente de sus instalaciones, A Gift to Svalbard. De nuevo, esta se compone de una combinación de dibujos de diferentes formatos realizados sobre diversos soportes de papel, junto con una sinfonía de sonidos naturales y la ambientación creada con tubos de luz amarilla. Svalbard es una población noruega situada en el Ártico que da nombre al Tratado de Svalbard (1920), por el que, tras la primera guerra mundial, se reconoció multilateralmente (en la actualidad hay 39 países incluidos en él) la soberanía de Noruega en el archipiélago y sus aguas territoriales. Al mismo tiempo, garantiza que empresas del resto de países firmantes posean igualdad de derechos en el acceso de los recursos naturales de la región. El próximo año vencen estos acuerdos y tal vez la suerte de este recóndito lugar del planeta sufra cambios importantes.

Esta instalación toma su título del libro del sociólogo francés Marcel Mauss Essai sur le don(1925) traducido al inglés como The Gift, que analiza la importancia del don entre las culturas arcaicas como símbolo de respeto y agradecimiento. Una muestra de empatía que parece haberse perdido en las sociedades actuales, rendidas de bruces ante el capitalismo, mejor cuanto más productivo. Los dibujos que «empapelan» las paredes de la sala 3 de espaivisor completan el muestrario de la fauna y flora existentes en el Ártico, junto con la presencia de audios que reproducen vientos migratorios registrados en diferentes desiertos del planeta y los sonidos de los insectos durante la polinización. Para Oswaldo Maciá, la naturaleza no funcionaría sin la migración; y la sociedad no puede avanzar sin la existencia de los dones recíprocos, del intercambio cultural. Esta instalación es su manera de corresponder al regalo que supone conocer personalmente Svalbard. 
 
Álvaro de los Ángeles

LA VI BIENNAL ArtNostre S’INAUGURA EL DIA 26 D’ABRIL EN MURO A LA COMARCA DEL COMTAT



La Biennal d’Arts Plàstiques ArtNostre és una exposició itinerant d’obres d’artistes contemporanis que circularà per diferents municipis de les comarques de l’Alcoià i el Comtat. La finalitat d’aquesta iniciativa és promoure l’intercanvi cultural i la comunicació entre els artistes de les comarques, a la vegada que s’incrementa l’oferta d’exposicions artístiques als municipis i es dóna difusió a l’obra d’artistes contemporanis.

El jurat encarregat de la selecció dels participants en la VI Biennal ArtNostre 2019 es van reunir el passat dia 21 de març a la Sala d’Art La Capella de l’Antic Asil d’Alcoi i van escollir als 20 participants de l’exposició itinerant. Va estar format per la Presidenta de l’Associació Valenciana de Crítics d’Art i Teòrica d’Arts Plàstiques i Visuals, Pilar Tebar. La fotògraf i membre de l’Associació Fotogràfica d’Alcoi, Susana Plá. Els artistes plàstics, José Antonio Picazo, Elena Martí i Mónica Jover. Actuà com a secretari l’artiste plàstic i profesor de l’Escola d’Art i Superior de Disseny d’Alcoi, Rafael Calbo Such.

Entre les 71 obres presentades amb temàtica i tècniques lliures, tant en pintura com en escultura/instalacions, i videoart, el Jurat ha seleccionat 20 pertanyes als artistes: Aitor Vañó Calatayud, Perceval Graells, Fernando Ayelo Hernández, Victor Borrás Monserrat, Toni Miranda López, Eva Martí Domingo, Yalili Mora Ramírez, Lourdes Expósito Andrés, Patricia Más Martínez, Rosa Ripoll Cantó, Irene Almendros Sancho, Jesús Tarruella González, Constanza Soriano, Ana Higueras, Jaime Pérez Cremades, Reme Tomás Marrahí, Vicent Aparicio Guadas, Maribel Pérez López, Hans Some, Damià Jordà Bou.  

D'aquesta exposició s'editarà un catàleg, en el qual figuraran les obres seleccionades amb especificació del seu títol i autor.

Els artistes seleccionats es comprometen a cedir les obres integrants de les exposicions durant el temps que estiguen aquestes (més o menys 2 anys). ArtNostre s’ha proposat treballar dins de las Bones Pràctiques i per eixe motiu s’otorgarà un premi econòmic a la millor obra segons el criteri de la Comisió de Selecció de 1.000 €, sense necessitat que l’artista tinga que donar l’obra en qüestió, tan sols cedir els drets de reproducció. El premi econòmic de 1000€ a la millor obra l’atorgarà la Comissió de Selecció en la inauguració de la primera exposició. Les persones seleccionades rebran 100€ per la cessió de l’obra elegida.

L’exposició de la VI Biennal ArtNostre s’inaugurarà el dia 26 d’abril en Muro, primer municipi a acollir-la. Després s’exposarà de forma itinerant per tretze municipis de la Mancomunitat de l’Alcoià i el Comtat i altres tres no pertanyens a la Mancomunitat com son Villena, Bocairent i Ibi. Es a dir, Alcoi, Agres, Alcoleja, Alfafara, Banyeres de Mariola, Beniarrés, Gaianes, Cocentaina, Gorga, l’Alqueria d’Asnar, l’Orxa, Millena i Muro.

MARÍA JOSÉ GARCÍA HERNANDORENA GALARDONADA CON EL VIII PREMIO JOAN FRANCESC MIRA


El Museu Valencià d’Etnologia, dependiente del área de Cultura de la Diputació de València, y la Associació Valenciana d’Antropologia (AVA) han entregado el VIII Premio de Investigación Joan Francesc Mira. Un galardón que, en la presente edición, ha distinguido el trabajo “De la colla a la guenga. Memorias, redes y estrategias de la emigración valenciana a los Estados Unidos de América durante el primer tercio del siglo XX”, de María José García Hernandorena.


María José García Hernandorena es licenciada en Ciencias Políticas y Sociología por la Universidad Complutense de Madrid, con la especialidad de Antropología Social. Es máster en Sociología y Antropología de las Políticas Públicas en la Universitat de València y doctora en Ciencias Sociales por la Universitat de València. Es miembro de la Associació Valenciana d’Antropologia (AVA) y secretaria técnica de la Asociación de Antropología del Estado Español (ASAEE).



El acto de entrega del premio se ha celebrado en el Museu Valencià d’Etnologia, y han asistido, entre otros, Francesc Cabañes, como representante del museo; Josep Cucó, catedrática de Antropología de la Universitat de València; Ana Pons, miembro del área de Promoción y Responsabilidad Social de Caixa Popular; i Joan Francesc Mira, escritor y antropólogo.

 

El Premio de Investigación Joan Francesc Mira se convoca cada año con el objetivo de contribuir a la investigación, el estudio y la difusión de la antropología sociocultural en la Comunitat Valenciana, además de promocionar a los jóvenes investigadores y estudiantes del ámbito antropológico. Los trabajos presentados pueden tratar cualquier temática, siempre que se realicen desde una perspectiva antropológica. El premio está dotado con 2.000 euros y la publicación de la obra en la colección de Antropologia de la Institució Alfons el Magnànim-Centre Valencià d’Estudis i d’Investigació.




Este trabajo analiza las vivencias de los valencianos que emigraron a los EE. UU. Durante el primer tercio del siglo XX. Desde la comarca alicantina de la Marina Alta, este fenómeno se extendió por otras comarcas vecinas, como el Comtat, también en Alicante y por las de la Safor y la Ribera Alta, en la provincia de Valencia. Para estos territorios, en algún momento, llevó a representar un éxodo. En el trabajo se contextualiza esta emigración dentro de las grandes corrientes de movilidad internacional que afectaron de manera global a gran parte de los países entre el siglo XIX y principios del XX, y que tuvieron como principal destino el continente americano.

De forma más singular el texto se centra en los relatos biográficos de algunos de esos emigrantes y de sus descendientes, así como en los objetos y la documentación personal generada en ese contexto: correspondencia personal, fotografías, etc. que se convierten en materiales muy valiosos para conocer aspectos íntimos, de otras maneras inabordables, entorno a la emigración. Gracias a estos materiales podemos conocer desde dentro como se formaron y transformaron las collas de valencianos que emigraron a los EE. UU.

Así, se desplegaron densas redes de relaciones laborales y de parentesco intercomarcales que propiciaron el intercambio y la difusión de información y noticias, al mismo tiempo que amparaban y acompañaban a los emigrantes a lo largo de todo el proceso. El desarrollo de estas redes informales y vínculos locales de apoyo y solidaridad no fue sino una transformación, en un entorno migratorio, de las collas o cuadrillas de trabajo características del campo valenciano. Estas cuadrillas, conformadas al principio por relaciones laborales, fueron cambiando, dando paso a lazos basados en la amistad. Los jornaleros valencianos en los EE. UU. pasaron de pertenecer a una colla a formar parte de una guenga (derivado de la palabra inglesa gang)


"ENTES, ANTROPOLOGÍA ARTÍSTICA" EN LA OTRA CANTINELA


C/ Señor de Azagra 8, Valencia
Inauguración: viernes 29 de abril, 19 h.

La Otra Cantinela! Bar cultural en la zona de El Cedro con un encanto especial albergará la exposición que da nombre a la representación pictórica del ser humano, cada artista a su forma, con su estilo, pero todos conectados en un tema común los “Entes”. Cada persona somos un mundo, átomos fluyendo en distinto son. En esta muestra, las obras hallarán rostros de distintas personas, cada una con su propia personalidad.

El evento contará con una Jam musical de Blues & Soul en directo, así que a mover el esqueleto átomos!

ARTISTAS:

DILM.
 
Nacido a principios de los años 80.
Procedencia: de la Periferia Norte de la ciudad de Valencia,de la Sierra Calderona y con raíces ibicencas.
DILM es un seudónimo tras el que se esconden más de 25 años de graffiti y de arte urbano.

DILM es el grito en silencio de la espalda del mundo del arte...es el anhelo de un mundo pintado; es la calleja oscura en el que brillan las formas, las luces, las sombras; es la Libertad del primer trazo sobre una pared...
DILeMa paralelamente a DILM, es su propia alma...es el rincón de un ser donde habitan sus colores libres y prohibidos, esos colores que nunca se mostraron.
DILeMa es el seudónimo tras el que se esconde el escritor de graffiti...
Mas, ¿quién es Dilm de DILeMa?...
Eso depende de los ojos que lo miren.

https://www.instagram.com/dilm_de_dilema/

De: Andrea Brotons
De: Andrea Brotons

ANDREA BROTONS
(1989, Alicante).
Estudió Bellas Artes en la Universidad de Salamanca (2013) y el Máster de Producción Artística en la Universidad Politécnica de Valencia (2014). Actualmente realiza su tesis doctoral dentro del programa Arte: Producción e Investigación en el Centro de Investigación Arte y Entorno de la UPV, vinculada al uso de la pasta de papel, como material alternativo en la praxis artística, y su relación con otros leguajes y técnicas de expresión plástica en la historia del arte.

Su obra ha sido expuesta en ciudades de ámbito nacional cercanas a su formación, como Salamanca, Valencia, Murcia o Alicante, e internacionalmente en Italia y Ámsterdam.

Como Artista Plástica y Visual, su labor también incluye otras líneas de trabajo abiertas a proyectos relacionados con la producción y venta de obras de arte, la revalorización de los métodos propios del artista como conocimiento útil, y la difusión y accesibilidad del Arte Contemporáneo en la sociedad actual.


https://www.andreabrotons.es/


De: ADRIÁN BRUJI &. ANNA HISTRIONICA
De: ADRIÁN BRUJI &. ANNA HISTRIONICA

De: ADRIÁN BRUJI &. ANNA HISTRIONICA

















ADRIÁN BRUJI &. ANNA HISTRIONICA 
Anna, estudió Bellas Artes, tiene un estilo de pintura analógica. 

Adrián se formó diseño en la Easd y suele enfocarse en el tattoo pero su estilo es muy ecléctico. Ambos siguen trabajando en su propio estilo de manera autodidacta. 


https://www.instagram.com/brujitattoo/



De: Manuel Monzonis / Mexi
  


MANUEL MONZONÍS/MEXI
Artista interdisciplinar valenciano. Dibujo. Pintura.
Ilustración. Pasado. Presente. Futuro.
Interiorizo. Exteriorizo. Materializo.

RV TATTO
Estudiante de Diseño gráfico en Easd, Valencia y tatuador 
https://www.instagram.com/srvtattoo/


WMA
Estudiante de Diseño gráfico en Easd, Valencia.


Organizado por Paula Félix Felices y el espacio La Otra Cantinela.

“POP UP” DE TEATRE DELLE BRICIOLE AL TEATRE RAVAL DE GANDIA


Divendres 29, 18 h i dissabte 30 de març, 12 h. i 17’30 h. 



La prestigiosa companyia italiana Teatro delle Briciole presenta l’espectacle Pop Up, on reinventa el llibre animat a la manera teatral. Així les coses, Pop Up entrellaça les microhistòries d’un xiquet de paper i una enigmàtica esfera de la mà de dues actrius/animadores que els donen vida.

Divendres hi haurà un Taller d’Art  impartit per Pepa Castillo, cal inscripció prèvia: info@teatreravalgandia.org

Autoria, direcció i dramatúrgia: I Sacchi di Sabbia (Giovanni Guerrieri, Giulia Gallo); amb la col·laboració de Giulia Solano

Interpretació: Beatrice Baruffini, Francesca Ruggerini i Paolo Romanini

Llibres construïts per Giulia Gallo.

lunes, 25 de marzo de 2019

“REFLEJOS” en la Galería Shiras con Jens Gussek – Anna Herrgott – Masami Hirohata – Jesse Magee – Christian Schultz – Susane Kunkel – Verena Schatz – Sheila Toledo & Álex de Sousa


Shiras Galería C/ Vilaragut 3, València.

Inauguración, 28 de marzo a las 19:30 h.

Hasta el 4 de mayo

Shiras Galería, bajo la dirección artística de Sara Joudi y con la colaboración de la Universidad IKKG de Koblenz, presenta una nueva exposición colectiva comisariada por la artista Sheila Toledo, cuyo nexo se fundamenta en la investigación y tratado del vidrio de la mano de varios artistas internacionales de tradición y vanguardia como: Jens Gussek, Anna Herrgott, Masami Hirohata, Jesse Magee, Christian Schultz, Susanne Kunkel, Verena Schatz y Sheila Toledo.

Tal como señala la comisaria de la muestra: “Reflejos nos invita a irrumpir en el más profundo de los silencios contraponiéndose al estrepitoso ruido del mundo cotidiano. Como una realidad confrontada dialécticamente entre la visión del mundo y la construcción interna de uno mismo, una dualidad incesante entre el soy, el quiero, el es y el quiero hacer”. 

‘Reflejos’ nos plantea cuestiones que ahondan desde los aspectos más minimalistas de nuestro pensamiento hasta los más simbólicos y conceptuales. Toda una prisión corporal y espiritual que nos priva de la esencia de ser un individuo en el mundo. ‘Reflejos’ nos vislumbra, a través del matérico cristal, el despojamiento de la indumentaria con la que se esconde la cultura humana, pasando por el desprendimiento de las ilusiones y el enfrentamiento con uno mismo.

YOU ARE ENTERING
THE ZONE OF ALERT.
Jens Gussek
Jens Gussek (1964-Glauchau, Alemania), profesor de la Universidad de Ciencias Aplicadas al Vidrio en Koblenz, se caracteriza por sus fuertes influencias en la Bauhaus en torno al proceso de intervención y debate crítico, así como por su temática sobre la existencia y sus perspectivas y niveles de acción a través del cristal. Gussek ha expuesto estos últimos años en varios centros y galerías del panorama internacional, como el Museo de Vidrio Americano en Nueva York y el Centro de Arte Contemporáneo Raplas en Estonia. Además de ser galardonado con el Premio Internacional de Cristal en Lommel (Bélgica) y contar con obra multitud de fundaciones y colecciones: Friedrich Ebert, Alexander Tutsek de Munich, Handwerkskammer Koblenz, etc.

Anna Herrgott (1983-Herrenberg, Alemania) destaca por su temática combinada de sociedad y género, por medio de factores como el glamour, la moda y el lujo, al igual que otros estilos de vida. La artista lanza preguntas en referencia a los secretos que escondemos tras una ficticia fachada social. Su trabajo se compone de varios medios y métodos artísticos, buscando la interacción y la introspección en el espectador. Durante esta última década, además de exponer por las grandes capitales alemanas, ha sido distinguida con el Premio de Arte-Arte por la Galería Magdeburg.

Masami Hirohata (1984-Hyogo, Japón) es una artista sobresaliente en la minuciosa técnica de bodegones y naturalezas muertas; todas ellas como alusión a la reencarnación, vanidad, violencia y fragilidad de la existencia y salvación de la sociedad. Sus obras generalmente son ejecutadas mediante cristal opaco, pues la nitidez y lo oculto invitan al espectador a reflexionar sobre lo natural y sobre sí mismo. Ha expuesto en diversos museos y eventos europeos como el Museo de Zbiroh en Republica Checa o el festival internacional de Cristal en Bélgica. 

Diamond de Jesse Magee
Bloodline de Jesse Magee


Jesse Magee (1981-Urbana, EE. UU) trabaja, junto con Jens Gussek, como docente en la Universidad de Koblenz, Alemania. Magee concibe su obra desde la relación con él mismo y la supervivencia. Indaga en el estado más puro de las cosas, la verdad de cada hecho y su desenlace. Sus piezas nos vislumbran la fragilidad de las acciones, así como su tenacidad y brutalidad en el mundo. Pese a su corta edad, ya ha realizado diversas exposiciones por países como Japón, Estados Unidos, o el continente europeo; además de recibir el Premio de Honor Wall 5 para Arte Multimedia.

Christian Schultz (1989-Kyritz, Alemania) es un artista emergente que nos introduce en cuestiones filosóficas sobre lo orgánico e inorgánico mediante el vidrio y los materiales vivos. Sus piezas nos muestran el paso del hombre en la tierra, su perdurabilidad en el tiempo y su disolución. Sin embargo, y al margen de su incipiente trayectoria, Schultz ya ha expuesto con gran reconocimiento en países como Alemania, Israel y Japón. 

Süddeutsche Zeitung de Susane Kunkeljpg
Susanne Kunkel (1990-Würzburg, Alemania) se ocupa de mostrarnos, a través de periódicos de cristal, el marco de nuestra cotidianeidad. A veces esos sucesos son caducos en el tiempo; por ello la artista los solidifica en vidrio. Durante esta última década, Kunkel ha expuesto por diferentes países europeos, participado en el Museo del Vidrio de Kamenicky Senov y mostrado “Eine Woche Druck" en el espacio expositivo Krupp'sche Halle de Bendorf (Alemania).

Seasons may change de Verena Schatz
Verena Schatz (1983-Innsbruck, Austria) nos muestra cómo la imagen fotográfica que hacemos de las cosas influye en nuestro comportamiento y en nuestra realidad. La artista se pregunta si la conciencia es una condición privada, por lo que convierte sus obras en un regalo político donde vislumbra el silencio de la belleza. Schatz ha expuesto en numerosos eventos e instituciones del panorama internacional, como en la Bienal Internacional de Arte en Vidrio de Haacht (Bélgica) o en el estado de Indiana (EE. UU.) con su exposición ‘VIDRIO: Una muestra de arte jurada’.

Acoplamiento - Metafisica y Ética de Sheila Toledo
Sheila Toledo (1986-Guipúzcoa), comisaria y artista junto a Álex de Sousa (1988-Valencia) como violinista, se presentan en esta ocasión como una joven pareja artística dispuestos a deleitarnos con una performance en directo. Sus piezas nos muestran el paralelismo existente entre la fragilidad y la dureza del ser humano así como la historia, filosofía, naturaleza y pureza de las cosas a través del cristal. En su obra reflexiona en busca de la condición incesante de libertad intrínseca del ser humano, por lo que concibe el vidrio como elemento para vislumbrar el caos y el orden de lo sensible que ve representado en la sociedad. Toledo ha realizado numerosas exposiciones por diferentes países de Europa y América; destacando entre ellos en la muestra Artbox.Project Basel 1.0 (Basilea) con su pieza ‘Play’, en la Armony Artweeks en (EE. UU.) o el en festival Kaleidoskop en Museo Mitterhein (Alemania).

Todo este singular conjunto artístico presenta a través de ‘Reflejos’, tal como destaca la propia comisaria: “La capacidad de manifestar la vida social y política de nuestro tiempo a través del cristal, un reflejo dual de nosotros mismos”.

Shiras Galería hasta el 4 de mayo, 
de lunes a sábado de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00.

MOSTRA DE CÁLIZ PALLARÉS 2010-2019 EN LA SALA HORT DE TRAMOIERES DEL JARDÍ BOTÀNIC


INAUGURACIÓ: dijous 28 març, 19 h

28 MARÇ - 26 MAIG 2019

Nàixer a la Mediterrània ha influït en la vida i obra de Cáliz Pallarés. La proximitat de la mar, la riquesa de les terres i la gent deixa empremta en la manera d’entendre la vida. Sentiments, emocions i factors culturals que també impacten en la nostra manera de percebre els paisatges que ens envolten.

El Jardí Botànic de la Universitat de València acull aquesta primavera l’exposició Natura mediterrània, on es recull l’última dècada creativa de Cáliz Pallarés, artista valenciana de recorregut internacional, i on es ofereix una particular visió de l’univers vegetal. A llarg de la seua obra, Pallarés ha reflectit un interès genuí per l’estudi de la natura: els arbres, les palmeres, la vinya, el paisatge... La relació amb l’entorn és una constant en els seus treballs pictòrics i gravats. La reiteració dels motius, una sort d’assaig de llums, transfons, ombres i brillantors en què investiga per constituir, com encertadament descriu Isabel Bilbao, una Natura expressivament pròpia.

L’exposició Natura mediterrània. Paisatges i vegetació, reuneix 59 peces de pintura i gravat, on també ha experimentat amb tècniques de serigrafia, xilografia i aiguafort, junt amb una instal·lació escultòrica amb ceps naturals. Fins al 26 de maig, podrem gaudir-la a la sala Hort de Tramoieres del Jardí Botànic de  la Universitat de València.

L'ARTISTA
Cáliz Pallarés és una artista valenciana, especialista en gravat i pintura, llicenciada en Belles Arts per la Facultat de Sant Carles. Al llarg de la seua trajectòria, ha realitzat múltiples exposicions individuals i col·lectives per terres valencianes i en sales i museus de Barcelona, Málaga, Segovia i Mainz, i compta amb obra en institucions com el Palau de la Música de València, el Fons Cultural Bancaixa, la Biblioteca Nacional i el Museu del Cairo.

LA RAMBLETA ABRE UNA VENTANA A LA FOTOGRAFÍA VALENCIANA


Rambleta presenta una exposición compuesta por instalaciones de artistas que utilizan la fotografía en medio de un proceso de exploración de la identidad individual y colectiva.

Abierta al público desde el 23 de marzo hasta el  28 de abril


La Rambleta nos presenta “Catástrofes de 2ª Especie”, una exposición colectiva fotográfica de artistas valencianos y residentes en la ciudad que explora los accidentes esenciales en la configuración de la identidad individual y colectiva.

‘Catástrofes de 2ª Especie’ está producida por Rambleta y comisariada por Estela Sanchis, y rompe con las estructuras y soportes convencionales de las muestras fotográficas. Forma parte de la programación del séptimo aniversario del centro cultural, con la que el espacio reivindica la necesidad de la cultura para conservar y proteger la identidad individual y colectiva, el respeto, la libertad, la convivencia y el desarrollo social.

La exposición, que estará abierta al público hasta el 28 de abril, reúne obras de Alberto Feijóo, Pablo Casino, Sandra Ferrer, Carmen Gray, Mati Martí, Raúl Pérez, Paula Prats y María Tinaut, en representación de Raïm, plataforma valenciana que busca impulsar la fotografía como arte y reflexionar en torno a la imagen.

Los artistas presentes en esta muestra utilizan la fotografía en medio de un proceso comprensión del mundo humano. Las preocupaciones fundamentales de esta exposición giran en torno a la identidad de género (María Tinaut), la construcción de la feminidad (Mati Martí), la memoria en los objetos (Raúl Pérez), la búsqueda de significados (Alberto Feijóo), la exploración de la sexualidad (Sandra Ferrer), los afectos ligados al territorio (Carmen Gray y Paula Prats) o la identidad nacional en el exilio (Pablo Casino).

En cada una de las instalaciones, la fotografía desencadena un entramado de relaciones, afectos, consecuencias, flujos de pensamiento, búsquedas y reacciones a la progresiva desafección con el mundo a la que estamos abocados. Se trata de piezas intertextuales, hijas de la era de Internet, concebidas como borradores de ideas de lectura poliédrica. Los autores buscan en la fotografía el placer de jugar, de derribar las fronteras entre estética y cotidianidad, buscan la poesía y las subversiones, en un intento de establecer nuevas relaciones con el mundo.

domingo, 24 de marzo de 2019

XÀTIVA OFERIRÀ ELS DARRERS 50 ANYS DE LA PRODUCCIÓ ARTÍSTICA D’ARTUR HERAS



Museu BB.AA
Capella de l'Àntic Hospital
Sant Domènec, L'Ardiaca

Inauguració: divendres 29 de març
Fins al 29 de maig de 2019.

JOAN JOSEP SOLER NAVARRO. Historiador de l’Art. Postgrau en Educació Artística i Museus. Postgrau en organizació d’exposicions, marketing i comunicació. Membre d’AVCA. Aso. Vciana. Crítics d’Art. Membre de l’ICOM-UNESCO. Consell Inter. de Museus.

“Sura com el desig i el destí en la memòria” ocuparà el Museu de Belles Arts de la Casa de l’Ensenyança, la capella de l’Hospital Reial, el convent de Sant Domènec i el Palau de l’Ardiaca.

Sura com el desig i el destí en la memòria”, recollirà la mostra de 50 anys de producció artística del pintor xativí Artur Heras. Una exposició comissariada per Toni Martínez que ocuparà el Museu de Belles Arts de la Casa de l’Ensenyança, la capella de l’Hospital Reial, el convent de Sant Domènec i el Palau de l’Ardiaca, des del 29 de març al 29 de maig de 2019.

L’artista ha comparegut recentment en roda de premsa, acompanyat pel regidor de Cultura, Jordi Estellés i per l’alcalde Roger Cerdà, per tal d’avançar els continguts d’una exposició antològica que inclou algunes peces inèdites i en la qual l’artista ha estat treballant durant els darrers 15 mesos, tal com ha desvetllat el regidor Estellés. Per a Estellés, “estem davant d’una exposició important i una de les més destacades de les que s’han celebrat a la ciutat en els darrers anys. El fet d’ocupar quatre espais expositius dóna idea de la magnitud de l’esdeveniment”.

Per la seua banda, l’alcalde Roger Cerdà ha mostrat la seua alegria perquè Xàtiva albergue aquesta exposició, que ha qualificat com a “un homenatge de la seua ciutat natal” i un intent de potenciar culturalment i turística Xàtiva amb un recorregut per indrets poc coneguts, en al·lusió a la capella de l’Hospital i al Palau de l’Ardiaca. L’alcalde, després d’agrair la col·laboració de la presidència de la Generalitat Valenciana, ha manifestat que “si per alguna cosa ens han de conèixer, és per la nostra vinculació al món de l’art i la cultura”.

La mostra divideix el seu contingut en quatre espais significatius del patrimoni històric artístic de Xàtiva. Fins i tot, alguns d’ells -Palau de l’Ardiaca i Capella de l’Assumpció a l’Hospital- s’estrenen com a espai expositiu, el que confereix un especial repte tècnic a l’exposició. Tal com ha explicat Heras, l’exposició estableix “una relació entre uns contenidors que són un luxe, des del punt de vista de l’arquitectura, amb l’obra”.

La Casa de l’Ensenyança acollirà la mostra Origen, amb peces al·lusives al “paisatge i paisanatge”, en paraules de l’artista, d’aquella ciutat de fa 50 anys, on s’inclouen referències als seus inicis, com ara una petita aquarel·la que va pintar sent un xiquet o altres representacions de personatges que visqueren a l’entorn del carrer Ànimes, on Heras va nàixer allà per l’any 1945 i on va romandre fins a 1957, quan es va traslladar a València amb els seus pares.

Al convent de Sant Domènec, es mostrarà Memòria, un recull d’obres de gran format que repassen algunes imatges recurrents en la llarga trajectòria d’Heras, amb una pluralitat de formes, formats i materials que respon a la seua passió creativa i curiositat intel·lectual. Per a Heras, aquest grup d’obres és “el més important en quant a format i qualitat” de l’exposició i prové, en gran mesura, d’una exposició de fa dos anys a la Nau de la Universitat de València. Per a Artur Heras, “no és que un quadre menut no puga fascinar a l’espectador, però no t’envol com una pintura gran”.

L’artista reconeix que les peces que s’exposaran a Sant Domènec “guarden una relació amb l’arquitectura: cal utilitzar una escenografia com era la pintura en eixa època”. La capella de l’Assumpció a l’Hospital Reial es transformarà en un homenatge a Alfons Roig, mestre i amic de l’artista, qui segons Heras “va simbolitzar tota una cultura de l’art contemporani”. La mostra L’amic contindrà obres relacionades amb Alfons Roig, el seu magisteri artístic i la seua vinculació amb l’ermita de Llutxent.

Finalment, el Palau de l’Ardiaca, definit per Heras com “un budell de la ciutat que ningú sap que això hi està”, albergarà la mostra RibHeras, un tribut d’un artista xativí a un altre com és Josep de Ribera l’Espanyoleto, mestre xativí del Barroc. En aquest punt, Heras ha comparat la ciutat amb el seu màxim exponent artístic: “El Palau de l’Ardiaca està molt ocult, tant ocult com està Ribera. Per què està ocult Ribera? No ho sé. Deixe la resposta en l’aire” ha dit Heras, qui ha continuat afirmant que “Xàtiva té un potencial enorme en quant a arquitectura i història. Li passa com a Ribera: és molt coneguda però està oculta”. Per al pintor, l’exposició planteja un recorregut per la ciutat que no defraudarà ningú.

El catàleg de l’exposició compta amb un text de l’escriptor Toni Cucarella “que rememora i lliga el món de la infantessa amb l’expressió pictòrica”, tal com ha dit el comissari de l’exposició, Toni Martínez.


L’artista


En les obres d'Heras conviuen llenguatges i referències múltiples, com per exemple, en "Bandera elèctrica", que va pintar el 1980 i en la qual llavors va deixar un rectangle a la tela per a la projecció de diapositives, en la qual ara veiem fragments de pel·lícules de cineastes com Luis Buñuel o Charles Chaplin.

En la majoria de les obres d'Artur Heras, amb un marcat caràcter inconformista, s'observa la necessitat d'anar més enllà del quadre. Les seves obres no estan emmarcades. Les delimita el fons neutre de les parets que les allotgen. Heras necessita desencorsetarse de l'espai pictòric i incorpora elements de la instal·lació, com el tren elèctric que circula per l'interior de la seva obra Somni, temor i realitat del Mono Blau, de 1974-1990. Com les al·lusions al món de la literatura, com el seu homenatge a Hemingway, al propi art, a través de la torre de Tatlin, recorrent els codis del surrealisme, del pop art, crítica social i multidisciplinar.

Deia Josep Salvador, comissari d'una recent mostra d'Artur Heras, "l'obra d'Heras és una lectura crítica i estètica del seu temps, una mirada que revoluciona l'escena plàstica valenciana i nacional. El resultat és una obra fresca, directa i que toca la memòria sentimental ". El comissari d'aquesta exposició ha destacat també: "la ironia, la provocació intel·lectual, el compromís cívic i social, la temptació de la imaginació i les tècniques diverses com característiques de l'obra d'Artur Heras, que també va marcar una fita en la història del art valencià com a responsable de la Sala Parpalló, per on va entrar la creació contemporània molts abans de l'obertura de l'IVAM ".


Artur Heras és una figura clau de la cultura valenciana contemporània i un dels creadors plàstics més singulars del panorama artístic europeu de les últimes dècades. La seva contribució a la modernitat iconogràfica ha estat determinant a través del diàleg constant que ha mantingut amb la història de l'art i la literatura.

La seva renovació formal dels anys seixanta, al costat d'altres noms fonamentals en el desenvolupament artístic de la nostra societat, va permetre que obríssim els ulls a una realitat plural i heterodoxa, superant les dificultats que obstaculitzaven l'activitat creativa en aquella època. Des de llavors Artur Heras ha recorregut múltiples camins en els quals ha deixat mostres evidents del seu audàcia i valor per explorar els elements essencials de la comunicació i expressió plàstiques. En els seus treballs pictòrics, escultòrics i en la seva faceta d'agitador gràfic sempre ha destacat per un estil directe i depurat al mateix temps, espontani i contundent, resultant de compilar una posada en escena de temes i conceptes que ens acosten a un univers misteriós i complex, ple de missatges i descobriments.