viernes, 24 de mayo de 2019

EL «ÁLBUM DE CRONOS» DE XISCO MENSUA EN LA GALERÍA ROSA SANTOS



Hasta el 28 de junio


Álbum de Cronos. Notas

1. Cercar lo inasible.

2. En la certidumbre de que el tiempo es una ilusión.

3. El tiempo como maestro de lo serial.

4. Una serie que se produce en extensión hasta perder las referencias.

5. Una serie/colección siempre abierta.

6. Giros; referencias a subproductos del tiempo.

7. Subseries; una futura manera de organizar la colección: agrupaciones por estilos gráficos, épocas, colores, pero también tener en cuenta de qué se habla en cada cuadro. Formalismo por un lado, por el otro contenidos.
Diferencias y repeticiones.

8. Copias/versiones únicas, pintadas al óleo, de ediciones.

9. Réplica del cuadro que se venda para mantener íntegra la colección.

10. Gilles Deleuze. Verdad y tiempo: el falsario. Pensar la serie/tiempo como una formación de cristales. La sala de los espejos en la Dama de Shangai.

11. Obsesión, cantinela, letanía. También un rumor.

12. Como corazón de la serie la continua aparición de la finitud, de la muerte como disrupción del tiempo, de la vida.

13. Todos los hijos del tiempo. Memoria; historia; proyección; duración; escritura; música; cine; fotografía…

14. Aparición del humor en torno a las palabras del tiempo. A veces basta con una alusión al tiempo en el título de una obra, pero realmente los contenidos de ésta van por otro lado. Así que me conformo con ese recorte.

15. Analogía entre la ilusión que supone la representación en la pintura y la ilusión del tiempo.

16. Todas estas notas van escribiéndose mientras la serie se está produciendo.

17. A fecha de hoy, el número de portadas de libros, sus páginas y poemas, carteles de cine y títulos de exposiciones, ilustraciones y obras de arte que he seleccionado para su copia, ascienden a 68. Sigo buscando.

18. Creo que mi propósito, aún no del todo definido, ¡como si este despropósito se pudiera definir!, puede llegar a sentirse mostrando, al menos, la mitad de la serie.

19. Está claro que el título de la colección es una ironía, un juego de palabras que aúna la trascendencia que suele acompañar a las disquisiciones temporales (Cronos) y el acercamiento colorista, fragmentario, y por qué no, banal e intrascendente de los cromos. Un álbum en todo caso.

XÀTIVA RECIBE LA DONACIÓN DE PINTURAS DE MATILDE RIDOCCI


El pasado mes de diciembre, el Ayuntamiento de Xàtiva recibió, mediante donación de la ciudadana setabense Nieves Tortosa, unos cuadros pintados al óleo sobre tabla y firmados por la ilustre setabense Dña. Matilde Ridocci Garcia, además de algunas postales, también pintadas por ella.

Es indudable el gran valor de estas obras, ya no sólo por su calidad y características pictóricas, sino también por su autoría, ya que gracias a estos cuadros podemos dejar constancia de una de las facetas más desconocidas de esta destacada profesora como era la pintura, una disciplina en la que también ocupó gran parte de sus esfuerzos vitales Matilde Ridocci con unos resultados más que notables.

Esas obras pasarán a formar parte de los fondos del museo municipal de Bellas Artes, Casa de la Enseñanza, donde se conservarán y custodiarán de la manera adecuada, tras su alta en el inventario de bienes artísticos del museo. Además, se tendrán en cuenta ambas obras al mismo tiempo de la realización de próximas muestras y exposiciones, a fin de darles una correcta y merecida difusión. Así, los cuadros estarán a disposición de todos los setabenses para su disfrute.

Una vez más, la ciudadanía de Xàtiva demuestra su deferencia, predisposición y colaboración para el ofrecimiento de estas importantes piezas al Ayuntamiento de Xàtiva, lo que denota su gran espíritu ciudadano y la conservación de la memoria.
Quizás Dª Matilde Ridocci sea una de las primeras mujeres de Xàtiva de la que se puede decir que su estatus laboral, social y económico se aproximaba a lo que se consideraba normal en la condición social de los hombres.

Dª Matilde Ridocci nació en Xàtiva el 12 de septiembre de 1843, donde creció y realizó sus primeros estudios. Después empezaría magisterio, en una época en la que el papel de las mujeres no era la dedicación al estudio, sino el de la atención casi total y absoluta a la familia, marido e hijos. Una vez terminó su carrera de magisterio se presentó a oposiciones, ganando una plaza de maestra en Teulada. Poco después, en 1869, pasó a Valencia, donde tomó posesión de Segunda Maestra de la Escuela Normal superior hasta que, una vez más, opositó para poder ejercer en su ciudad, Xàtiva, y estar cerca de su familia. También fue designada directora de la Escuela Normal de Valencia y de Castellón.

De la Sra. Ridocci habría que destacar varios aspectos. Entre ellos el de su dedicación a la docencia que, además, se vio reflejada también en su faceta de escritora, por cuanto fue autora de varias obras de enseñanza. Aparte de su dedicación docente encontró tiempo para escribir poesía o para su gran afición, la pintura.

Dª Matilde Ridocci dispuso, ya en su época, del reconocimiento no sólo de sus compañeros de profesión, sino también de la sociedad setabense que, según las crónicas del año en que faltó, 1922, sintió con pesar su muerte.

jueves, 23 de mayo de 2019

BARTOLOMÉ FERRANDO, JOSEP LLUÍS GALIANA Y AVELINO SAAVEDRA PRESENTAN EN CONCIERTO SU CD BREGUES DE MOIXOS (LIQUEN RECORDS)


El proper dissabte 25 de maig, a les 20 horas, Bartolomé Ferrando, Josep Lluís Galiana i Avelino Saavedra presenten en concert el CD BREGUES DE MOIXOS (Liquen Records) en l’espaci creatiu Plutón (C/ En Plom, 5 · Valencia).

Links: BREGUES DE MOIXOS en:

Integrat pels artistes Bartolomé Ferrando (veu), Josep Lluís Galiana (saxos) i Avelino Saavedra (bateria), BREGUES DE MOIXOS acaba de publicar el seu primer treball discogràfic. Es tracta d’un procés participatiu i d’autoria col·lectiva, una deriva de sons i fonemes, de paraules i colps, de significants i significats, de semanticitats i asemanticitats, de jocs lèxics i aventures lingüístiques. Cadascun dels membres de BREGUES DE MOIXOS aporta la seua sonovisió personal, generant un flux sonor de increïble força emocional i en el qual no hi manquen bones dosis d’humor i delicada ironia. 

Tota la música està composta per
JOSEP LLUÍS GALIANA (saxofons baríton, tenor i soprano)
AVELINO SAAVEDRA (bateria i objectes sonors)

De la música a la performance, de la pintura a la poesia sonora i visual, de la lliure improvisació a l’art d’acció, BREGUES DE MOIXOS duu quatre anys operant en el marc de la música experimental valenciana i amb propostes arriscades. Apassionats en el què, però, sobretot, en el com fer música de forma diferent i compromesa amb una expressió sonora absolutament liberada, sorprenent, immediata i altament energètica. 

ANA PENYAS EN LA GALERÍA PEPITA LUMIER









Hasta el sábado 15 de junio



Premio Nacional de Cómic y Premio Autora Revelación del Salón Internacional del Cómic de Barcelona por “Estamos todas bien” 

“Las ilustraciones y cómics de Ana Penyas consiguen escurrirse a través de la delicada barrera que construimos entre la imagen y el recuerdo. La mezcla de ese trazo vitalista y de orgánica sencillez se fusiona con una imagen fotográfica apenas esbozada, casi fantasmal, en un collage que provoca una lectura de pura empatía instantánea.
Se cuela en nuestros recuerdos para formar parte de ellos con naturalidad, compartiendo espacio con la memoria propia para crear un relato de nostalgia reflexiva, creando una complicidad única entre la autora y sus lectores y lectoras.

Da igual la edad o la experiencia: las abuelas de Ana Penyas serán también nuestras yayas; viviremos la transición española, aunque se haya nacido mucho después; pero todo contado desde una nueva perspectiva, crítica e inteligente, que obliga a comprender la historia vivida y no ejercer un simple recuerdo”.

Álvaro Pons


Entre los premios y reconocimientos obtenidos por 
Ana Penyas, además del Premio Nacional de Cómic y Premio Autora Revelación del Salón Internacional del Cómic de Barcelona por “Estamos todas bien”, Ana Penyas fue seleccionada para la Exposición de Bologna Children’s Book Fair con dibujos originales de “Mexique, el nombre del barco” (2018), fue galardonada con el X Premio Internacional de Novela Gráfica Fnac·Salamandra Graphic por “Estamos todas bien” (2017), ganó el VII Catálogo Iberoamérica Ilustra con la serie “Buscando un sitio” (2016) y Mención Especial de VI Catálogo Iberoamérica Ilustra con la serie “Viaje al interior” (2015).

La exposición en Pepita Lumier recogerá una selección de dibujos originales de sus novelas gráficas “Estamos todas bien” y “En Transición” así como la ilustración que inspiró el mural que realizó para el IVAM, en el que nos enseñaba la huerta valenciana un tanto alejada de la imagen idealizada que podemos llegar a tener cuando pensamos en ella: el paisaje como reflejo de una idea de progreso que ha ido transformando desde hace décadas la huerta y que actualmente se ve afectada por la “turistificación” tema sobre el que hablará en su próxima novela; además de otros trabajos de la joven
autora.

miércoles, 22 de mayo de 2019

LAS NAVES OFRECERÁ “MUSEARI QUEER ART” EN SU CUARTA EDICIÓN


Inauguración: Lunes 17 de junio

Hasta el 31 de agosto.

Es una exposición colectiva de artistas que recoge la última temporada de exposiciones individuales presentadas en el museo virtual Museari.

Los dias 27 y 28 de junio se celebrará dentro de esta sala de la exposición un Seminario Arteari 

Museari Queer Art es una exposición colectiva de artistas que recoge la última temporada de exposiciones individuales presentadas en el museo virtual Museari, incorporando también algunas obras de su colección. Esta iniciativa se integra en el programa general de Mostra La Ploma, el festival internacional de cine y cultura por la diversidad sexual, de género y familiar que coordina Lambda en València.

Museari, Museu del’Imaginari es un museo online, una institución permanente, sin ánimo de lucro, al servicio de la sociedad y abierta al público, que adquiere, conserva, estudia, expone y difunde su patrimonio. Los objetivos principales de Museari son la promoción de la educación artística y de la historia como instrumentos fundamentales para la defensa de los derechos humanos, con un especial énfasis en el respeto a la diversidad sexual y los colectivos LGTBIQ+.

En esta cuarta edición de 2019 el centro de innovación Las Naves del Ajuntament de València acogerá la muestra en su sala de exposiciones, aprovechando la conmemoración del 50 aniversario de los hechos de Stonewall Inn que dieron origen al movimiento reivindicativo de los derechos LGTBIQ+. De forma paralela, en la Fundación La Posta habrá una actividad de Museari con La Erreria (House of Bent).

El proyecto Arteari (Arte y diseño para entornos educativos libres de homofobia y transfobia) forma parte de la convocatòria de ayudas para acciones especiales de investigación del Vicerectorat d’Investigació de la Universitat de València. Durante los dias 27 y 28 de junio se celebrará dentro de esta sala de la exposición un Seminario Arteari, organizado por el Grup Creari d’Investigació en Pedagogies Culturals de la Universitat de València, responsable del citado proyecto, con la colaboración de AVALEM, la Asociación Valenciana de Educadores de Museos.

"DUCTILE" DE NATHA PIÑA EN COLLBLANC ESPAI DART


Mas de Tomás, partida Matella, Culla, Castellón

Inauguración: 1 de junio a las 19:20 h. con la presencia de la artista y la actuación especial de JOY ENA.

"Ductile" de Natha Piña es el gestualismo de lo súbito y de lo prolongado, es hacer reversible la resistencia y moldear la vivencia para acercarse plásticamente a la esencia del pasado en el aquí y el ahora. Ductile es ´fabricar´ desde el diseño vasariano y del movimiento moderno, es transformar la inspiración, el latido y la emoción; transmutar la catarsis y el deseo, convertir en maleable la resistencia de lo industrial y de lo tradicional, confrontarse y aferrarse al elemento.

Natha Piña se impulsa en la abstracción matérica de lo encontrado, desde el matière trouvé, en lo artificial y en lo orgánico, a través de la singularidad de su propio estilo. La creadora configura una metamorfosis a partir de la contemplación detenida y el devenir del tiempo, para descubrir la acción paleolítica y tecnológica mediante la química antrópica y la ciencia vivencial atemporal. Es así como brotan horizontes para entrar en lo consciente: capas, eras, testimonios que nacen de la piel de la memoria, del estrato plástico, edades vitales que plasman el eterno retorno a la existencia desde la materia prima a la obra final, elaborada con la proporción consciente y racional del pensamiento, y también del estímulo.

¿Es elástica la dureza? Piña es la artífice de una fabril transmutación que emerge. La artista prospecta hacia el material que, a su vez, la llama. A partir de ese instante se detiene y se producen oxidaciones, adaptaciones, elongaciones. Diversificar, reciclar, talar, hacer flexible, serrar o curvar, elementos ´imposibles´, renovando lo inventado en un proceso de acción. La sustancia y el objeto se ligan en técnicas mixtas de maderas, gomas, óleos, acrílicos, hierros…
La autora de lo Ductile es volumétrica, geométrica, asimétrica, simbólica y estética. En su obra viva está el efecto de lo táctil, de la textura y de los aspectos formales propios de la contemporaneidad clásica, replanteada y respetada. Nada es por casualidad en su particular canon cromático de rojos, ocres, blancos, cremas, cobres o áureos.

Esta constructora, con reminiscencias del movimiento Bauhaus, incorpora su particular funcionalismo libre y expresivo en lo cúbico, en lo medido, en esas composiciones reticuladas que contienen paramentos y en sus campos de acción curvilíneos y mullidos que dibujan blanduras.

Natha Piña es la obra viva, el decollage casual y solitario que alumbra libre y conscientemente la materia transformada en arte. Y después llega la audiencia que se hace eco y a quien cautiva ese rebosar que trasciende la mesura.

Rocío Penco Valenzuela
Historiadora del Arte

SERGI LÓPEZ LLEGA AL TEATRE ARNICHES DE ALICANTE CON LA COMEDIA EXISTENCIAL «NON SOLUM»

Dirigida por Jorge Picó e interpretada por Sergi López, se representa el sábado, 25 de mayo, a las 20.30 horas

El fin de semana en Alicante ofrecerá también una propuesta familiar: 'Lil·liput', de L'Horta Teatre, se pondrá en escena domingo 26 a las 12.00 horas

El Institut Valencià de Cultura presenta en el Teatre Arniches de Alicante el espectáculo 'Non solum', una comedia existencial a cargo del reconocido actor Sergi López y dirigida por Jorge Picó, que se representará el sábado, 25 de mayo, a las 20.30 horas.

En 'Non solum', desesperadamente, un hombre solo se transforma en muchas personas para responder a una pregunta: qué está pasando aquí? Y mientras el espectador ríe, otra persona empieza también a reír, otra canta y el resto se enfada. En 'Non solum' el destino es dudar absolutamente de todo y Sergi López se revela como un soberbio y original intérprete, en una divertidísima actuación.

'Non solum' es un texto de Sergi López y Jorge Picó y el espectáculo está producido por Setzefetges Associats y Ring de Teatro.

Además, el fin de semana llevará también hasta Alicante un espectáculo familiar, la obra 'Lil·liput', de L'Horta Teatro, un concierto para orquesta de niños y niñas alrededor de una isla. 'Lil·liput' es un laboratorio sonoro colaborativo que mezcla la música en vivo con las aportaciones puntuales del público. Los espectadores encontrarán música, poesía y humor al servicio de un viaje que, además, enfatizará valores como la actitud responsable hacia el medio ambiente.

'Lil·liput' tendrá lugar el domingo 26 de mayo a las 12.00 horas y está recomendado para todos los públicos.

EL "AUDITORI JAZZ CLUB" ACOGERÁ EL CONCIERTO DE LA CANTANTE BRITÁNICA CLAIRE MARTIN


Sábado, 25 de mayo, a las 20.00 horas, en Castelló 

El Auditorio de Castelló acogerá este sábado el concierto de la cantante de 'jazz' británica Claire Martin, dentro del ciclo 'Auditori Jazz Club'. El concierto tendrá lugar el sábado, 25 de mayo, a las 20.00 horas, en la sala de cámara M. Babiloni.

Claire Martin es una de las cantantes de 'jazz' mejor valoradas de la escena europea, unánimemente aclamada por la crítica internacional. En Castelló, la vocalista estará acompañada por David Newton al piano, Jeremy Brown al contrabajo y Matthew Hombre a la batería.

Además de su carrera como vocalista de 'jazz', Claire Martin ha colaborado aportando su voz a proyectos como The BBC Big Band, la BBC Concert Orchestra, RTE Orchestra o The Royal Northern Sinfonia, además de tener una exitosa carrera como presentadora en la cadena británica BBC. Claire Martin ha sido considerada por el periódico 'The Times' como la mejor cantante británica de 'jazz'.

Las entradas para el concierto de Claire Martin ya están a la venta, en la taquilla del teatro y en la web del Institut Valencià de Cultura: consultar aquí.

Más propuestas de fin de semana
La cultura continúa en Castelló con más propuestas para este fin de semana, como la XXIII Convocatoria Nacional de Danza en el Teatre Principal, con las semifinales el sábado 25 y la final el domingo 26 de mayo.

En el Museo de Bellas Artes, el sábado a las 11.00 horas tendrá lugar la visita dinamizada 'Mus'n Babies', dirigida a niños y niñas de 0 a 3 años y sus familias, que supone una aproximación musical a los diferentes materiales de la exposición.

Cicle de Música Electrònica «CORRENTS ALTERNES» al IVAM CADA ALCOI


Divendres 24 maig, 20 h JAIME L. PANTALEÓN Presenta E.N.T.E.

La Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Alcoy presenta el Ciclo de Música Electrónica CORRENTS ALTERNES que tendrá lugar durante los meses de mayo a julio 2019 en el IVAM CADA Alcoi.

El ciclo se inicia el 24 de mayo con la actuación de JAIME PANTALEÓN, figura indispensable para entender el surgimiento del post rock en España y que formó parte de12Twelve, probablemente la primera gran banda instrumental del Estado. Involucrado en infinidad de proyectos de todo tipo, nos presenta ahora su nuevo disco titulado E.N.T.E. (Long Live Records) y nos muestra la cara más experimental y electrónica de un personaje único y fundamental en la escena musical de Barcelona. 

Nos dice: Toni L. Querol: “No sé cómo lo hace. O quizá si: Abandonándose al arrebato y proyectando el sonido de sus vísceras. El asunto es que siempre reconozco al instante a Jaume en sus incontables correrías sonoras, ya esté indagando terrenos jazzrock, la lisergia metálica, la rumba ebria de fuzz o el bolero a pecho descubierto. Puedo prácticamente palparlo también ojos cerrados, boca abierta, puño en alto- en esta pulsante y narcótica calaverada electrónica en la que centrifuga las repeticiones cíclicas y las vibraciones cósmicas de exploradores teutones como Conrad Schnitzler o Cluster, los orgasmos esotéricos de Mort Garson y los ritmos recios y amenazantes de un Chris Carter o unos Pan Sonic. Para este melocotonazo espacial interpretado en directo, del tirón, retroalimentándose con las imágenes de la película E.N.T.E. me cuenta haberse inspirado en elementos de ésta como el brutalismo arquitectónico o la antipsiquiatría. Y vaya si me cuadra; no me cuesta nada imaginarlo durante uno de sus maratonianos paseos por Barcelona, observando ventanas cilíndricas de aquel edificio de la calle Valencia o la caja torácica que sirve de fachada para el mutante bloque de oficinas Maria Claret. Pero es que derivas mentales aparte, este disco se puede bailar con un deleite febril y obcecado.”


Sábado 29 junio, 20 h
NIEBLA (Ignacio Córdoba + Fernando Junquera)

Fernando Junquera e Ignacio órdoba se conocen desde hace años pero es el 29 de Diciembre de 2016 que, abriendo ambos en un concierto de Gargara en Valencia, tocan por primera vez unas pequeñas y espontáneas improvisaciones juntas y se dan cuenta del potencial de esta suma. Rápidamente el nombre Niebla se presenta perfecto para describirla. Una música que se mueve lenta, filtrándose por los rincones y empapándolo todo de confusión.

FERNANDO JUNQUERA El guitarrista y compositor “Negro” es una de las figuras imprescindibles del underground valenciano. En activo desde los 90, ha participado en proyectos como Balano, Salchicha y Estrategia lo capto!  y en solitario como Negro desde el 2001.

IGNACIO CÓRDOBA Es un músico electrónico madrileño radicado en Copenhague (Dinamarca), cuyo sonido se mueve entre las primeras tradiciones electrónicas ala BBC Radiophonic Workshop o Elianne Radigue, el free jazz o nuevas tendencias como The Caretaker, Oren Ambarchi o Rashad Becker. Su proyecto lleva en activo desde 2011 en distintas formaciones (del solitario o dúo hasta quinteto) con música editada en MAGIA, Dokuro (IT) y Twirly Industries (DK) y conciertos por toda España, giras Europeas por 17 países y una gira en Japón.

Sábado 13 julio, 20 h WE ARE NOT BROTHERS


martes, 21 de mayo de 2019

L'IVAM VIATJA AL MAXXI DE ROMA AMB PART DE LA COL·LECCIÓ PROPIA



- La mostra reuneix 60 obres icòniques de la Col·lecció de l'IVAM

- L'exposició és fruit de la col·laboració que l'IVAM ha iniciat amb el MAXXI


L'Institut Valencià d'Art Modern (IVAM) inaugura aquest dimarts, 21 de maig, al Museu nazionale delle arti del XXI secolo (MAXXI) de Roma l'exposició «De Robert Rauschenberg a Juan Muñoz. Las obras maestras del IVAM en el MAXXI».

La mostra reuneix 60 obres icòniques de la Col·lecció de l'IVAM, entre les quals destaca l'obra 'Al norte de la tormenta' (1986), de Juan Muñoz, que dona títol a l'exposició, junt amb treballs de Bruce Nauman, Robert Rauschenberg, Toni Cragg, Antoni Tàpies, Cristina Iglesias, Susana Solano, Ángeles Marco, José Antonio Orts o Miquel Navarro, entre d'altres.

L'exposició és fruit de la col·laboració que l'IVAM ha iniciat amb el MAXXI i que suposa que ara una part de la col·lecció de l'IVAM serà exhibida a Roma i en 2020 seran les obres de la col·lecció del museu italià les que viatjaran a València per a exhibir-se a l'IVAM. La mostra s'emmarca dins del programa d'exposicions que l'IVAM ha previst en 2019 amb motiu del seu 30 aniversari.

Amb motiu de l'exposició, el museu MAXXI organitza una sèrie de conferències i xarrades amb artistes i crítics d'art espanyols. A la inauguració de la mostra està previst que assistisca l'ambaixador d'Espanya a Itàlia i exministre d'Afers Exteriors i Cooperació, Alfonso Dastis.

L'exposició està organitzada en forma d'hèlice inspirant-se en la misteriosa escultura de ferro 'Al norte de la tormenta', de Juan Muñoz, que dona nom a la mostra.

FESTIVAL CINEMA JOVE 34º

LA COMEDIA DOMINA LA SECCIÓN OFICIAL DE 'WEBSERIES' DE CINEMA JOVE


- Un total de 13 producciones de Estados Unidos, España, Argentina, Suiza, Francia y Canadá competirán esta edición

- Representantes de algunos de los festivales y plataformas digitales más importantes del mundo forman el jurado y darán charlas para creadores

El festival organizado por el Institut Valencià de Cultura, Cinema Jove, cuenta en esta edición con la sección oficial de 'webseries', en la que participan 13 producciones de Estados Unidos, España, Argentina, Suiza, Francia y Canadá, y ponentes de primera línea en este género. Cinema Jove destaca este género por su papel precursor en el cambio social de consumo audiovisual.

"En sus comienzos eran series que podías llevar en tu bolsillo y consumir cuando quisieras, con capítulos cortos que oscilaban entre los 8 y los 15 minutos. Las 'webseries' fueron, en su momento, un punto de partida perfecto y necesario para el 'boom' de la ficción seriada", argumenta la responsable de esta sección en el Festival Internacional de Cine de València, María Albiñana.

Este año predomina la comedia entre la selección. Es el caso de la suiza 'BIP', de Vincent Bossel, sobre el 'hobby' de una cajera que muchos hemos compartido: el de observar e imaginar la vida de los otros. La serie será estreno en España, como también la estadounidense 'America', de Jonathan Avigdori, sobre un grupo de inmigrantes en pos del sueño americano.

También despertarán las risas la farsa británica 'Dreaming Whilst Black', donde se realiza una analogía de lo que les supone a las minorías raciales y de género hacerse camino en la industria del cine, y la erotica rusa 'In Bed', de Shota Gamisonia, donde se explora el sexo agotador, el amor emotivo, la soledad y la promiscuidad de sus personajes.
Hay propuestas cómicas seleccionadas en festivales de prestigio, como la estadounidense 'SusaneLand', de Andrew Olsen, presentada en Sundance, y donde se muestran diferentes instantes de la estrafalaria vida de una joven, o la argentina 'Noche de amor', de Pedro Levati, estrenada en Canneseries este año, y en la que se detallan los preparativos para la boda de la hija rebelde, feminista y liberal de una familia tradicionalista.

Desde España hay dos proyectos que provocarán la carcajada. Uno es la 'webserie' de más éxito de Atresmedia, 'Gente hablando', de Álvaro Carmona, donde se tratan temas universales a través de conversaciones entre personajes interpretados por, entre otros, Manuel Burque, Verónica Echegui y Rosario Pardo. La otra es la originalísima y rompedora 'Barbitúrica Burlesque', de Borja Segarra Bueno y Marta Romero, acerca de una masajista del Raval de Barcelona que no duda en ofrecer otros servicios a sus clientes habituales.

Documental, ciencia ficción, suspense y drama
En el terreno de la no ficción, se ha programado el documental seriado 'Kynnstlah. A series of portraits', de Joel Fendelman y Sandra Bertalanffy, donde se descubre a artistas visuales y escénicos en su propio espacio de trabajo. Las entrevistas a cámara se enriquecen con una exploración visual de sus procesos creativos.

Por último, también hay hueco para los amantes del cine de género. Hay una producción argentina de suspense, 'M', de Javi Devitt, sobre la presencia de algo sobrenatural en un bosque de la Patagonia, y dos títulos de ciencia ficción: la estadounidense 'The Well', de Adam Wheeler, acerca de un experimento gubernamental secreto, y la inglesa 'The Grade', de Joseph Simmons, sobre una escuela privada fuera de lo convencional.

Este título será un estreno exclusivo en España, del mismo modo que el drama canadiense 'Vieux Jeu', de Quentin Fabiani, sobre un viejo propietario de una bolera que desea retirarse y vender su negocio después de 50 años.

Un jurado internacional
El jurado que decidirá la suerte en el palmarés de las producciones seleccionadas está integrado por el vicepresidente de Warner Bros. Digital, Lance Sloane, la fundadora y directora de Berlin Webfest, Meredith Burkholder, y la jefa de desarrollo de la productora ruso-americana Bazelevs, Maria Zatulovskaya. Su empresa ha producido las películas 'Searching', estrenada en Sundance 2018, y 'Unfriended: Dark Web', presentada en South by Southwest en 2018.

Bazelevs ha desarrollado toda una nueva forma de narrativa audiovisual, pues sus propuestas están relatadas a través de pantallas de ordenador. Así sucede también con su 'thriller' de terror 'Profile', que se proyectará en Cinema Jove en exclusiva en España.

La película se basa en el libro 'In the Skin', de la periodista francesa Anna Erelle, sobre su investigación acerca del reclutamiento de mujeres jóvenes por parte de ISIS. La propuesta, dirigida por Timur Bekmambetov, está grabada por completo y de manera convincente como si se tratara de la pantalla de un ordenador, con conversaciones de los protagonistas a través de Facebook, FaceTime y Skype. Obtuvo el premio del público tanto en la sección Panorama de la Berlinale 2018 como en South by Southwest.

Mesas redondas y cápsulas informativas
"Cada año, más creadores, productores y directores de otros festivales miran con ilusión la sección de 'webseries' de Cinema Jove. Somos un referente para otros certámenes y hemos conseguido convertirnos en uno de los más prestigiosos del ámbito internacional", opina Albiñana.

La evolución de la sección ha ido de la mano de los creadores a los que se trata de impulsar, ayudar y promover haciendo talleres, cápsulas formativas y mesas redondas durante los días del festival.

Así, tras ganar varios premios en Cinema Jove, la producción francesa 'Osmosis' ha dado el salto a Netflix, donde está protagonizando un gran éxito de audiencia, mientras que la producción española 'Dorien', tras su exitoso paso por el festival valenciano la edición pasada, ha dado el salto internacional a otros festivales ganando infinidad de premios.

La sección de este año cuenta también con una extensa previsión de mesas redondas y cápsulas informativas, coloquios de media hora donde los especialistas ofrecen información específica para profesionales. Al término de la proyección se realizará una mesa redonda sobre la nueva forma de 'storytelling' propuesta desde Bazelevs, a cargo de Maria Zatulovskaya.

La parte formativa se completa con una cápsula formativa a cargo de las responsables del 'podcast' de PlazaRadio 'Las entendidas', que compartirán qué ingredientes son clave para que una 'webserie' despierte el interés de plataformas como HBO y Netflix y pase a ser serie.

El domingo 23 de junio se ha convocado una mesa fundamental por exhaustiva sobre el pasado, presente y futuro del formato. La fundadora y directora del festival Berlin Webfest, Meredith Burkholder. presentará su guía completa sobre 'webseries'. Para documentar el libro ha analizado más de 6.000 series.

La jornada se completará con una cápsula formativa a cargo de los responsables de la plataforma digital de ficción de Atresmedia Flooxer.

La sección oficial de 'webseries' en Cinema Jove aporta un ámbito del audiovisual de disfrute casi exclusivo de los más jóvenes. En palabras del director del festival, Carlos Madrid, "es un mundo con reglas propias, que incorpora cada vez más espectadores y cuyo valor es equiparable muchas veces al de los cortos, pues son primeras y segundas obras de sus creadores en las que vuelcan todo su potencial, con altas dosis de espontaneidad y creatividad en un marco de absoluta libertad creativa, pues en muchos casos son propuestas autoproducidas".


El Festival Internacional de Cine de València - Cinema Jove está organizado por el Institut Valencià de Cultura (IVC) y está reconocido por la Federación Internacional de Productores de Filmes (FIAPF).


El Festival Cinema Jove ha desvelado la imagen de su 34.ª edición en la fiesta de presentación, celebrada en Convent Carme, a la que ha asistido el conseller de Educación, Investigación, Cultura y Deporte, Vicent Marzà. La imagen está firmada por el artista plástico e ilustrador David de las Heras (Bilbao, 1984), en colaboración con la directora artística del festival, Julia Valencia.

El cartel de este año integra el retrato, los espacios íntimos y la fantasía, dando como resultado una imagen llena de simbolismo. Según la directora de arte del festival, Julia Valencia, "comenzamos creando un concepto que aunara las dos secciones especiales de este año, los jóvenes Coen y el anime. A partir de la idea 'Dimensión humana. La escala de la irrealidad' mezclamos imágenes provenientes del realismo americano, el retrato y el espacio íntimo con la fantasía y la magia que aportaba el anime y el simbolismo japonés".

Esta idea enlaza con dos aspectos que están presentes en la obra del artista David de las Heras, el realismo del retrato clásico y el imaginario onírico y metafórico, por lo que Julia Valencia ratifica que "David de las Heras era el artista perfecto para materializar este concepto".
La idea principal que subyace tras la imagen es la butaca de cine como elemento íntimo que transporta al espectador a esa otra dimensión que es el cine. El patio de butacas se transforma en escamas, y el propio asiento, en el dragón, que simboliza la energía del momento previo a ese 'viaje'. Ese espectador se materializa en una mujer que, según Julia Valencia, "podría ser la protagonista de un cuadro de Hopper y a la que David y yo llamamos Benzaiten, por la diosa budista de las artes que siempre cabalga a lomos de su dragón".

También se encuentra simbolismo en el color naranja oscuro que hace referencia a las butacas, pero también a los 'torii', los arcos de los templos sintoístas que marcan la frontera entre lo espiritual y lo mundano. El resultado, según la directora de arte, es "un cartel lleno de simbología fuerte y a la vez sutil y elegante, como es la línea de Cinema Jove".

En esta ocasión, además, el proceso creativo ha sido diferente por la propia técnica pictórica utilizada por David de las Heras, ya que la obra está realizada sobre lienzo. En cuanto a la creación del cartel, Julia Valencia ha asegurado que "ha sido una experiencia cargada de magia e incluso sueños compartidos en la que artista y directora artística nos hemos nutrido mutuamente".

Programación y 'app'
Durante la celebración, el director del festival, Carlos Madrid, ha invitado a los y las asistentes a acudir al festival y ha realizado un recorrido por los aspectos más destacados de la presente edición, entre los que se encuentran las secciones oficiales a concurso de largometrajes, cortometrajes y series web, la retrospectiva dedicada a los hermanos Coen o el ciclo dedicado a la animación japonesa.

Toda esta información la podrán encontrar los usuarios y usuarias de iOS y Android en la nueva 'app' de Cinema Jove, desarrollada por la empresa Promokore y que incluye todos los contenidos programados por el festival. Entre las secciones de la nueva 'app' destaca el calendario que los usuarios podrán personalizar para señalar las proyecciones y los eventos a los que quieran asistir y tener siempre a mano la agenda actualizada.

El Festival Internacional de Cine de València - Cinema Jove está organizado por el Institut Valencià de Cultura y reconocido por la Federación Internacional de Productores de Films (FIAPF).

LA FIESTA NO ES PARA TODOS DE JOAQUÍN ARTIME EN LA GALERÍA MR. PINK


   
                                                                                            
Hasta el 22 de mayo de 2019

En Misterpink Contemporary Art Projects (C/ Guillem de Castro, 110, Valencia) aún puede visitarse “La fiesta no es para todos”, una exposición individual de Joaquín Artime. El artista canario se apropia de elementos típicos de las fiestas para construir una gran instalación donde no falta ni el confeti ni los globos ni la ironía.

Agustín Fernández Mallo recoge en Joan Fontaine Odisea [Mi deconstrucción] (2001-2002) una frase que se atribuye a Étienne de Beaumont, “Las fiestas se dan sobre todo para aquellos a los que no se invita”. Ésta sentencia se convierte en leitmotiv para crear un espacio donde se evidencia la exclusión (no exclusividad) con las que operan las esferas de poder para mantener su endogamia. Ni grandes galas, ni pasarelas, ni photocalls, en este caso se ofrece una visión de la fiesta particular como una desproporción de plásticos y materiales metalizados que no invita a quedarse. A través de palabras como las de Beaumont se subraya la perversión del juego y sus excesos.

La exposición se concibe como un laboratorio donde sucesivamente se irán produciendo cambios en el espacio expositivo, además de una serie de performances. La primera de ellas tendrá lugar el día de la inauguración.

Joaquín Artime (Santa Cruz de Tenerife, 1984) vive y trabaja en Valencia. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna con Premio Extraordinario Fin de Carrera (2007). Máster en Producción Artística (2016) y actual doctorando en Arte: Producción e Investigación por la Universitat Politècnica de València. Becario FPI desde 2017 en el grupo de investigación Laboratorio de Creaciones Intermedia (Departamento de Escultura, Facultad de Bellas Artes). Su investigación se centra en el encubrimiento o encriptación de la palabra dentro del arte contemporáneo como síntoma posmoderno ante la sospecha o la desconfianza que producen las fuentes literarias. Lo ininteligible se utiliza como una estrategia que evidencia el desorden mental y la desorientación ante la abrumadora diversidad de referentes.

Representado por BI-BOx Art Space (Biela, Italia). Ha realizado exposiciones en el Centro de Arte La Regenta (Las Palmas de Gran Canaria), el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM, Las Palmas de Gran Canaria), el Tenerife Espacio de las Artes (TEA, Santa Cruz de Tenerife), El Espacio Cultural El Tanque (Santa Cruz de Tenerife), Espacio Trapezio (Madrid), y galerías como OTR (Madrid) o Estudio Artizar (Tenerife).

LA TETA CALVA AL FRENTE DEL INVERNADERO DE RUSSAFA ESCÈNICA CON “HISTORIA DE UNA CUNETA”


La novena edición del festival se desarrollará del 19 de septiembre al 6 de octubre.

Abierto el proceso de inscripción del Invernadero 2019 hasta el próximo 27 de mayo


El Invernadero de Russafa Escènica es la producción propia del festival de otoño de las artes escénicas y se enmarca dentro de la programación IN, en el barrio de Ruzafa. En esta ocasión es la compañía valenciana La Teta Calva quien se pone al frente del proyecto y se inspira en el lema de esta novena edición, España, para crear “Historia de una cuneta”. Con este texto se remontan a la década de los 40 en nuestro país y utilizan la comedia para abordar el tema de los desaparecidos víctimas del franquismo.

En palabras de María Cárdenas y Xavo Giménez, de la Teta Calva, “con este proyecto entramos en una época gris desde la risotada y esperpento. La España negra necesita coloretes en las mejillas”.

El Invernadero de Russafa Escènica es un proyecto colaborativo e innovador que se lleva desarrollando durante siete ediciones consecutivas. La propuesta que se representa durante el festival en la Sala Ruzafa de Valencia es el resultado de un taller gratuito en el que actores, bailarines y cantantes recién licenciados en cualquiera de las escuelas de la Comunitat Valenciana trabajan junto a un director o directora de reconocido prestigio de la Comunitat. La propuesta, más que consolidada, tiene como objetivo poner el foco en los nuevos talentos y en las generaciones más jóvenes de artistas, además de contribuir a su inserción laboral y fomentar el diálogo entre disciplinas. Los directores Chema Cardeña, Gabriel Ochoa, Eva Zapico, Jerónimo Cornelles, María José Peris y la compañía La Coja Dansa han dirigido el proyecto en anteriores ediciones.

Así, La Teta Calva, propondrá a los alumnos una reflexión sobre la “España oscura” y sus recuerdos. La compañía trabaja desde la dramaturgia pero incorporando las experiencias e ideas de los alumnos. La música y el movimiento corporal serán dos elementos clave para construir “Historia de una cuneta”

NOTICIAS RELACIONADAS:

RUSSAFA OUT PRESENTA SU PRÓXIMA EDICIÓN EN EL CENTRE DEL CARME




lunes, 20 de mayo de 2019

ENCUENTRO-CONVERSACIÓN EN EL IVAM - LAS GALERIAS EN EL AÑO 1989






Martes 21 Mayo, 17:30 h. GALERÍA 3 - IVAM

Dentro del proceso de trabajo desarrollado por el Centre d’Investigacions Col·laboratives (C.I.C.), la galería 3 del IVAM se convierte en espacio no sólo expositivo sino también en un lugar de encuentro y de investigación para la activación de la propia muestra centrada en el origen del IVAM y el contexto cultural y artístico de ese momento. Para ello, el próximo martes 21 de mayo, tendremos un encuentro con Nicolás Sánchez Durá, Nacho Agraït y Víctor Segrelles, moderado por Teresa Millet.
En este encuentro abierto al público el C.I.C. pretende trabajar e indagar con Nicolás Sánchez Durá, Nacho Agraït y Víctor Segrelles sobre el contexto galerístico durante el año de nacimiento del IVAM.
El Centre d’Investigacions Col·laboratives (C.I.C.) se plantea como un espacio de trabajo consti­tuido por un grupo de investigación que desarrolla procesos y metodologías híbridas de estudio y análisis vinculados con la programación del museo así como con su colección. A su vez, este lugar se convierte también en un espacio de formación con una aproximación tanto al ámbito teórico como al práctico de las labores realizadas por y desde el museo, incluyendo también la presencia de pro­fesionales invitados que complementarán los procesos del museo y ayudarán a generar un territorio en el cual desarrollar procesos de experimentación y ensayo.

LAS ESCULTURAS DE LORNA BENAVIDES LLEGAN AL GRAN TEATRO ANTONIO FERRÁNDIZ DE PATERNA


Inauguración: Miércoles 5 de junio, 19 h

Con la actuación de la artista de Handpan, Mar Loi.


Se trata de una exposición muy especial para Lorna Benavides en la que abarca tres temas que le son muy queridos y muy “sentidos”: la mujer, el mar y las migraciones. También expondrá óleos, dibujos a lápiz, dos instalaciones y sobre todo escultura.

La obra de Lorna Benavides ha ido evolucionando a través del trabajo diario, dentro de un proceso que le ha llevado del dibujo al volumen, y del modelado a la talla, predominantemente en piedra, sobre todo mármoles. La escultura fue la especialización que escogió en la Facultad de Valencia después de haber tenido la suerte de tener a Joaquín Donaire como profesor de modelado en la Universidad Complutense de Madrid.

Su escultura es figurativa dentro de una cierta abstracción, sin entrar en el detalle anecdótico, ni el mimetismo. No busca atarse al aspecto exterior sino intentar extraer lo que subyace, la esencia de la forma, la sencillez, la simplicidad. Como tantos escultores de la vanguardia, cuya obra admira y toma de referencia, -Henry Moore hasta Brancusi, Arp, Hepworth, Zúñiga- para Lorna Benavides es importante abocetar, dibujar y posteriormente tallar la piedra.

Para esta ocasión, Lorna Benavides ha escogido varios torsos en diferentes tipos de piedra. Es una artista disciplinada técnicamente, pero la mayoría de las veces, no parte de una idea preconcebida, sino que practica lo que se llama talla directa, es decir, le gusta sentir la piedra y entrever qué forma sugiere antes de imponérsela. En su trabajo escultórico predomina la forma. En realidad concibe sus esculturas como seres que habitan el mundo, más que como habitáculos.