jueves, 21 de febrero de 2019

ENTREVISTA de AVVAC amb GLORIA TELLO


Gloria Tello, Regidor de Cultura de l'Ajuntament de València, es mostra oberta a la participació i col·laboracions en el disseny de polítiques per al sector de les arts visuals a la ciutat, davant representants de AVVAC.


Després d'alguns desacords ja passats i en un ambient d'enteniment, dimarts passat, 19 de febrer, va tindre lloc una reunió en la Regidoria de l'Ajuntament de València, entre el seu titular, Gloria Tello i, Rafael Tormo i Emilio Gallego, Coordinador i Coordinador Adjunt respectivament d'Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló (AVVAC).

En aquesta reunió, es va analitzar les condicions de precarietat per la qual travessa el col·lectiu, qüestió que es va veure agreujada per a les/els artistes visuals a la ciutat, des que en 2017 es perdera la funció, com a centre de producció de Las Naves. Gloria Tello va manifestar la seua comprensió de l'assumpte, així com la seua intenció de reprendre iniciatives des de l'ajuntament, basant-se en la col·laboració amb els agents socials i entitats professionals del sector de les arts visuals, com a eix de les seues actuacions i pilar bàsic per al coneixement de la seua realitat. D'aqueixa manera, AVVAC passaria, al costat de les associacions professionals, a tindre participació en un paper actiu, en el futur disseny de les polítiques destinades al sector des d'aqueixa Regidoria.

Igualment, els representants d'aquesta associació, van fer lliurament d'una carta, que forma part d'una campanya dirigida a tots els grups i responsables polítics de la Comunitat Valenciana, on s'explicita la comesa de l'associació, la seua posició des d'una òptica professional i es detalla en línies generals la situació actual del col·lectiu. En la mateixa missiva, es posa l'accent, a més de la labor reivindicativa de AVVAC, en la necessitat de col·laboració amb institucions, entitats i grups polítics, entenent com un les seues comeses, el fer una la labor constructiva d'assessorament pedagògic sobre les necessitats del sector.
Al marge de l'àmbit propi de l'Ajuntament, de pas des de AVVAC es va veure com una oportunitat perduda la inactivitat de la Mesa sectorial, dependent de la Conselleria de Cultura de la Generalitat, no obstant això es va passar revista a una sèrie d'avanços que s'han produït en les polítiques culturals, com la inclusió d'artistes en alguns àmbits de decisió, jurats de concursos, etc. i encara que àdhuc de manera insuficient, l'inici d'una certa obertura cap a noves maneres de fer més democràtics i ajustats a les necessitats actuals, no exempts de conflictes, com recentment apreciem amb el tema de l'elecció de director del MuVIM.

Durant la reunió, es va constatar com una de les tasques importants, pendents d'abordar, la necessitat que totes les entitats públiques o privades que sol·liciten ajudes o subvencions a l'Administració Pública, tinguen com un dels requisits indispensables, el compliment del Manual de Bones Pràctiques del sector, del qual se li va fer lliurament d'un exemplar imprés a lloa Regidora https://unionac.es/wp-content/uploads/2018/12/manual_buenas_practicas-baja.pdf

Davant aquest plantejament, Gloria Tello va argumentar, que des de la seua Regidoria ja s'inclou aquesta qüestió com a requisit en qualsevol licitació. També va assenyalar l'edil, el poc marge que ha tingut en aquesta primera legislatura, donada l'enorme problemàtica que havia heretat dels responsables anteriors, així com la dificultat per a abordar la multitud de tasques d'aqueixa regidoria, amb poc personal i pressupost, per a abastar grans àrees, museus, sales, patrimoni i molts altres aspectes, a vegades poc visibles. De nou ens trobem com la cultura és relegada a un segon pla, en el context de les polítiques en general i de molts ajuntaments en particular.

Finalment, la representació de Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló, va comentar amb la titular de cultura de l'Ajuntament, la importància cabdal que des del col·lectiu es concedeix a l'aprovació de l'Estatut de l'Artista, com a mitjà d'avançar en la urgent millora que requereixen les condicions de les/els artistes. Què després d'un primer impuls en aquest sentit, amb l'aprovació per unanimitat de tots els grups polítics presents en el Congrés dels Diputats, de 75 recomanacions de mesures i reformes

(http://www.congreso.es/backoffice_doc/prensa/notas_prensa/61825_1536230939806.pdf), ara corre el risc de paralitzar-se, a causa de la convocatòria dels pròxims comicis.

Davant aquesta tessitura, l'associació, com a integrant de la Unió d'Artistes Contemporanis d'Espanya (UNIÓN_AC), va informar la Regidora, que AVVAC està treballant que es reculla en l'esborrany de l'Estatut, tota la complexa problemàtica del sector de les arts visuals, perquè puga ser abordada des del Govern. A aquest efecte, recentment ha tingut lloc una entrevista de la Presidenta de la UNIÓN_AC, Consuelo Vallina amb el Ministre de Cultura, José Guirao, al qual s'han dirigit novament amb posterioritat, després de l'avançament electoral, per a sol·licitar-li que abans de finalitzar amb les seues competències en el Ministeri, tracte de fixar alguns dels avanços ja consensuats, per mitjà de l'aprovació urgent de les lleis necessàries.

Finalment, segons manifesta el seu Coordinador General, Rafael Tormo, “des de *AVVAC valorem positivament aquest primer contacte, considerant que podria ser un bon principi per a normalitzar la participació de les entitats professionals en l'elaboració de les polítiques que ens afecten, i amb això, en la millora de les condicions de les i els artistes visuals i del tractament de l'art en general a la ciutat”



LAS MUJERES DE LOLITA EN MY NAME’S LOLITA ART


Calle Almadén, 12 - 28014  Madrid

Carmen Berenguer - Mavi Escamilla - Cuqui Guillén - Teresa Moro - Concha Pérez - Cari Roig - Teresa Tomás - Leo Wellmar - Equipo Límite

Inauguración el viernes 22 de febrero de 2019 a las 20:00h

Desde 1988 la galería comenzó su andadura profesional en Valencia con un nutrido grupo de  mujeres artistas. En aquella década eran jóvenes lolitas, que dieron  nombre a la galería ubicada, en sus orígenes, en la valenciana Plaza de Correo Viejo. Estas mujeres conformaron un estilo y un estigma del que la propia galería no ha podido ni ha querido desprenderse. Fueron años en los no se hablaba de la ratio femenina, ni falta que hacía. Las mujeres de Lolita supieron siempre de su poder y de su fortaleza.

Solo queda recordar a la más Lolita de todas, Carmen Berenguer, que nos dejó hace unos años, y cuya memoria siempre estará en nuestros corazones. También nos complace volver a exponer al Equipo Límite, “otras Lolitas” de armas tomar. Todas las demás están en activo y más creativas que nunca, por lo que esta exposición no tiene un aroma de nostalgia, sino que, simplemente, es un reencuentro de mujeres y artistas excepcionales en todos los sentidos. Son las mujeres de Lolita.


CARMEN BERENGUER Valencia,  1962 – 2014
En 1989 tuvo su primera exposición en My Name’s Lolita Art. Fue una de las artistas fundadoras y, junto con su compañera Mavi Escamilla, la que dio el nombre a la galería. Sus exposiciones estuvieron cargadas de un fuerte matiz pop, con sus grandes flores rojas y amarillas. Vivió una temporada en Alemania donde su producción artística dio un giro más conceptual. Sus últimos días transcurrieron alejada del mundo artístico, en el campo, con su familia y sus animales.


MAVI ESCAMILLA Valencia, 1960
Realizó su primera exposición individual en Lolita Valencia en 1989. Su iconografía inicial estuvo salpicada de elementos tan dispares como calaveras y leones rampantes. Sus intensos amarillos y rojos en drippings sangrientos conformaron una de las iconografías más personales de la figuración española de los años 90; sin hacer concesión alguna a una estética más comercial.
Su última exposición individual fue en la Fundación Antonio Pérez. Centro de Arte Contemporáneo de Cuenca en 2018.

CUQUI GUILLÉN Valencia, 1967
Una de las componentes de Equipo Límite siguió su carrera como artista individual desarrollando  unas obras plenas de guiños al arte pop, con una técnica de espléndida  depuración y excelencia pictórica. La obra que presenta en esta exposición titulada “Con el arma en descanso” presenta a un hombre en actitud placentera siendo afeitado por una mano femenina, junto a una marca conocida de crema. El carácter sensual y sexual sigue presente en la iconografía de Cuqui Guillen.
Su última exposición individual fue clausurada en enero de 2019 en la Sala Palacio de Molina del Ayuntamiento de Cartagena que, bajo el título de “Senza fine”, reunió un amplio abanico de su última producción pictórica.

TERESA MORO Madrid, 1970
Realizó su primera exposición individual en Lolita Valencia en 1997; y un año después mostró en Lolita Madrid otra individual titulada “El desorden secreto”. Teresa Moro es una artista muy vinculada al papel y al guache. Sus obras humanizan muebles abandonados en contenedores callejeros, camas de artistas conocidos o las mesas de pintura de compañeros de profesión o de otros artistas. Su producción siempre está impregnada de sutiles y elegantes composiciones que juegan entre la figuración y el concepto de la imagen como significado universal. Es la única Lolita con obra en el MOMA de Nueva York.


CONCHA PÉREZ Valladolid, 1969
Estamos ante una de las mujeres fotógrafas de Lolita. Su primera exposición individual, titulada “Salas” fue realizada en 2004, Lolita Valencia,  y a partir de ese año ha seguido exponiendo con regularidad en la galería. La mirada de Concha siempre se detiene en los problemas más sociales de nuestro entorno. Comprometida con el medio ambiente y la problemática de las grandes ciudades, su fotografía se encuentra representada en colecciones tan importantes como El MUSAC, Fundación Coca-Cola, Museo Patio Herreriano, Valladolid, Museo IVAM de Valencia… entre otros.

CARI ROIG  Valencia, 1967
Otra componente de El Equipo Límite, comenzó su andadura en solitario en 2002, derivando desde la idea del arte crítico hacia un activismo artístico comprometido.. Años más tarde inicia su periplo de actividades en el módulo de mujeres de la cárcel de Picassent (Valencia). En el 2005 concentra todos sus esfuerzos en el proyecto titulado “Guerreras en tiempos de paz”. Cari sigue utilizando su color y su luz para iluminar proyectos en las zonas más oscuras de nuestra sociedad. En la actualidad imparte talleres de dibujo, pintura mural y creatividad a distintos grupos de reclusos y reclusas de la cárcel de Picassent. La obra que presenta en esta colectiva de mujeres, se titula “Suspiro Esmeralda”.


TERESA TOMÁS Valencia, 1964
Licenciada en escultura por la facultad de Bellas Artes de Valencia, expuso por primera vez en Lolita Madrid en 1998 con una serie de esculturas titulada “Cabezas”. Artista inquieta ha desarrollado también una amplia obra pictórica sin abandonar su producción tridimensional. En la actualidad sigue investigando sobre nuevas técnicas en tres dimensiones con apoyos creativos en las nuevas tecnologías.








LEO WELLMAR Estocolmo,  1965
Aunque nos conocíamos desde mucho antes, el primer contacto profesional con Leo Wellmar fue una colectiva en la que la artista participó en Lolita Madrid (2008 -Stand Off). Siendo su primera individual, también en Madrid, en el 2009, con una exposición titulada “Inner”. Diez años después la artista, residente en Barcelona, tendrá su próxima individual en Lolita en abril de este año. Sus paisajes nevados como recurso para el estudio conceptual de la luz y sus distintos matices en blancos y grises, son una de sus tarjetas de presentación más conocidas y apreciadas.

EQUIPO LÍMITE Valencia, 1988 – 2002
El Equipo Límite estuvo formado por dos pintoras valencianas que, además, participan en esta exposición como artistas individuales. Nos referimos a Esperanza Casa Guillén (Cuqui) y a Carmen Roig (Cari). Ambas se conocieron, siendo aún estudiantes, en la Facultad de Bellas Artes de Valencia. En 1988 decidieron emprender juntas un camino artístico, como en décadas anteriores lo hicieron otros equipos valencianos, de marcado carácter pop; nos referimos al Equipo Crónica y al Equipo Realidad. La primera exposición en Lolita Valencia fue realizada en 1991, donde estuvieron representadas hasta dos años antes de la disolución del Equipo en 2002.




PARTICIPA EN LA PRIMERA INSTAL·LACIÓ DE SPENCER TUNICK I INTRAMURS A VALÈNCIA!


  


L’esdeveniment tindrà lloc el dia 30 de març de 2019.

Per a participar has d’omplir el formulari que aparaeix a la web: www.spencertunick.intramurs.org

L’artista i fotògraf Spencer Tunick, internacionalment conegut per les seues grans creacions en què presenta a milers de persones nues, pintades o amb accessoris en espais públics, visitarà València per a delectar-nos amb el nou projecte.

Spencer Tunick invita els residents a València, així com d’altres ciutats a disfrutar d’este esdeveniment únic el 30 de març. L’artista regalarà una fotografia a cada participant en una edició exclusiva i limitada.

Participa en la primera instalación de Spencer Tunick e Intramurs en Valencia ¡España!

El evento tendrá lugar el día 30 de marzo de 2019.
Para participar debes rellenar el formulario que aparece en la web: 
www.spencertunick.intramurs.org.

El artista y fotógrafo Spencer Tunick, internacionalmente conocido por sus grandes creaciones en las que presenta a miles de personas desnudas, pintadas o con accesorios en espacios públicos, visitará Valencia para deleitarnos con su nuevo proyecto.

Spencer Tunick invita a los residentes en Valencia, así como de otras ciudades a disfrutar de este evento único. El artista regalará una fotografía de las tomadas el 30 de marzo a cada participante en una edición exclusiva y limitada.

Participate in the first installation of Spencer Tunick and Intramurs in Valencia, Spain!

The event will take place on March 30th 2019.
To participate you must fill out the form that appears on the web: 
www.spencertunick.intramurs.org.

The artist and photographer Spencer Tunick, internationally known for his great creations in which he presents thousands of people naked, painted or with accessories in public spaces, will visit Valencia to delight us with a new project.

Spencer Tunick invites residents in Valencia, as well as other cities to enjoy this unique participatory art event. In exchange for taking part each participant will be given an exclusive and limited edition photograph taken on March 30.

JO DONA ARTISTA EN EL CENTRE CULTURAL J. PERIS ARAGÓ DE ALBORAIA


Inauguración 1 de marzo 19.00 h.
Abierta hasta el 28 de marzo

Mª Fernanda Saiz, Pepa Arróniz, Marisa Ebri, Encarna Arnal, Antonia Carbonell, Raquel Mira, Begoña Fdez-Cañada


Yo mujer, yo artista, supone un grito de afirmación femenina.

En este sentido, cada una de las siete mujeres que participamos en la exposición sabemos la intensidad y dirección de su grito, cada una de nosotras conocemos lo que ha supuesto ser mujer creadora en una sociedad que aún sigue empapada de inercias patriarcales.

Desde nuestra obra, tendemos la mano a otras mujeres, participando en esa costumbre reivindicativa que otorga al mes de Marzo voz de mujer. Estamos seguras de que en algún momento todos, hombres, y mujeres, seremos capaces de construir una sociedad más justa, con una mirada integradora nunca excluyente, sean cuales sean, las características del ser humano que tengamos delante.

De este modo caminamos buscando en nuestro trabajo, el que aquí mostramos, el impulso sobre el que se constituye nuestra identidad como mujeres artistas.

Antonia Carbonell


miércoles, 20 de febrero de 2019

ROBERTO LÓPEZ EXPONE «PRINCIPIA» EN ZARAGOZA

           
La exposición se inaugura este jueves 21 de febrero, a las 19:00 horas, en la sala de exposiciones Casa de los Morlanes de la ciudad de Zaragoza, y podrá visitarse hasta el 23 de abril.

El proyecto Principia, del artista villenense Roberto López, fue premiado por el Área de Cultura del Ayuntamiento de Zaragoza en su convocatoria para la selección de proyectos expositivos 2019, valorando el interés y calidad del proyecto, la viabilidad de la propuesta expositiva, la trayectoria y otros aspectos de interés como lo didáctico o lo social. También fue premiado por el Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert en su convocatoria Arte en la Casa Bardín y fue expuesto el año pasado en su propia sede en Alicante.




Roberto López comenzó el proyecto en 2015, y lo sigue desarrollando actualmente, y está basado en el libro de Isaac Newton titulado Principios matemáticos de la filosofía natural y en los procesos de estudio y recogida de muestras que realizan las agencias espaciales, conectando estas ideas y conceptos con importantes cuestiones de carácter social y cultural. El proyecto está formado de cientos de dibujos, fotografías, vídeos, sonido y pintura, en diferentes formatos y técnicas.
 




El texto crítico del catálogo de la exposición ha sido encargado a José Luis Martínez Meseguer, gestor cultural, curador y crítico independiente de arte actual, del cual seleccionamos:
  
“Una de las muchas direcciones por las que discurre el arte actual es aquella que aborda la lábil línea que separa el arte de la ciencia. Pareciera que aquel debiera estar siempre justificándose. Hubo un tiempo, en la antigua Grecia, en la que este frágil encasillamiento no existía.
Roberto López
Roberto López (Villena, Alicante, 1974), artista multidisciplinar, argumenta que lo artístico también es ciencia. Por ello, en la exposición Principia (nombre con el que es conocido el libro de Isaac Newton Principios matemáticos de la filosofía natural) plantea una sugerente propuesta en dos ámbitos.

En el primero de ellos, Principia I, conecta los conceptos e ideas newtonianas con situaciones culturales y sociales: manifestaciones, convulsiones políticas y económicas, construcción y deconstrucción de identidades y símbolos. Muestra, entre otros, el movimiento de acción-reacción, la dislocación continental, de las fronteras y las banderas, la alineación del sistema estelar...

 

La segunda parte, Principia II, está basada en los procesos de estudios científicos y recogidas de muestras (supuestamente) recopiladas por la NASA y la ESA, un archivo imaginario de muestras de la superficie terrestre dentro de millones de años. El objetivo es visualizar la destrucción de nuestro ecosistema, tanto por las propias leyes de la naturaleza como por la acción antrópica.

Para mostrar su propuesta se sirve Roberto López de variados recursos expresivos y soportes: dibujo, pastel sobre papel, fotografía, óxido de hierro sobre papel, óleo, esmalte y yeso sobre madera, además de un audiovisual Más allá de la comprensión de nuestro entorno, creado por el propio artista, cuyas piezas de arte sonoro han sido compuestas igualmente por Roberto López.

Concluyamos con las palabras de Noam Chomsky: «Los países más avanzados están conduciendo al mundo al desastre, mientras que los pueblos hasta ahora considerados primitivos están tratando de salvar al planeta entero. Y a menos que los países ricos aprendan de los indígenas, estaremos condenados todos a la destrucción». ¿Aún estamos a tiempo?”  


PEDRO MUIÑO EN EL EL PALACIO PROVINCIAL DE ALICANTE

«De los silencios» es el título de la muestra que reúne una colección de 25 piezas y se podrá visitar en el Palacio Provincial hasta el 9 de marzo.

El diputado de Cultura, César Augusto Asencio, ha inaugurado esta mañana en el Palacio Provincial una exposición compuesta por 25 obras del artista Pedro Muiño. Bajo el título ‘De los silencios’, la muestra recoge una completa selección de su extensa producción, elaborada con diferentes técnicas, que se podrá visitar hasta el próximo día 9 de marzo.

Asencio ha hecho hincapié en la calidad de las piezas y su originalidad. “Como institución provincial queremos poner en valor y al alcance de todos los ciudadanos las obras de nuestros creadores. Esta muestra ha sido todo un descubrimiento por la calidad extraordinaria del trabajo de Muiño y su técnica tan particular. Se trata de una colección hecha con una habilidad extraordinaria y con un estilo diferente que va a sorprender a los visitantes”.

La propuesta, comisariada por José Luis Antequera, doctor en Historia del Arte y miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA), ofrece una interesante visión del trabajo realizado por el Muiño durante la última década. Se trata de un conjunto de series con origen en otras colecciones anteriores realizadas por el autor que nunca han visto la luz. La exposición se podrá visitar en el Palacio Provincial de lunes a sábado de 11:00 a 13:00 y de 17:30 a 20 horas.

Natural de Irixoa, Muiño desarrolló en A Coruña su vocación pictórica y en los años ochenta tuvo una participación muy activa en movimientos, exposiciones y otras actividades. Además, fue uno de los fundadores del colectivo ‘Gruporzan’ y, tras pasar por Huelva y Cataluña, se afincó en Alicante hace más de veinte años. Cuenta en su haber con cuarenta exposiciones individuales y ha participado en diversas muestras internacionales en EEUU, Bélgica, Francia o Portugal, entre otros países. Además, su obra permanece expuesta en destacadas salas de todo el mundo.




DEL MISTERIO DE LA VIDA Y DE LO CREADO · MÓNICA JOVER EN LA CASA BARDÍN DE ALICANTE


       Hasta el 5 de abril

        Excepcional visita guiada por Monica Jover e Isabel Tejada el 12 de marzo.

Por: Isabel Tejeda Martín, Universidad de Murcia

El pasado año, Mónica Jover (Alcoy, 1973) realizó en su ciudad natal una intervención en la que el proceso investigador que comenzó a caminar en 2015 hacia la pintura expandida llegaba a su clímax. Se trataba de una intervención en La Capella (De lo que sí percibimos), una antigua arquitectura religiosa convertida hoy en espacio expositivo. Colocó una pieza que representaba una gran piedra tallada (¿una joya? ¿un bifaz de sílex?), en el interior de una hornacina rococó de la que emanaban hilos que conectaban este espacio con otra obra colocada más abajo. Como si la piedra fuera el corazón que todo lo bombea, como si la energía natural se expandiera como hilos de luz.




Si los misteriosos paisajes de su pintura en Construcción natural (2005) o Paisajes de la memoria (2006) caminaron progresivamente hacia un proceso de minimalización en el que la tela subrayaba la idea del horizonte -proceso de resta que paradójicamente suma recordando los espacios emocionales, místicos y vibrantes de Rothko-, en De realidades aparentes (2013) la idea de la veladura, ganó tridimensionalidad. Como si el hilo que conforma el lienzo pudiera escaparse del mismo e independizarse buscando otras posibles fórmulas más allá de la planitud, de la flatness greenbergiana. Así, Jover comenzó a utilizar la hebra, aún contenida, como línea con la que dibujar (Ubicación 1) o a envolver el bastidor con hilos ligeros de colores que jugaran a travestirse de veladuras tan transparentes que permitieran atravesar la tela dejándonos entrever la madera; son obras que desvelan con delicadeza la trampa de la representación, su tramoya. Se trata de una línea de piezas que Jover continúa generando y que encontramos, en la actual exposición del Instituto Juan Gil-Albert, en obras como Del otro lado 03 o el friso El viaje. El hilo parece ayudar a encontrar un camino; es como una guía que, como la madeja de Ariadna, conduce de las tinieblas del laberinto a un lugar otro que se construye como la intersección entre la escena de la representación y el ámbito de lo contingente.



Mónica Jover interviene en los distintos espacios de estas salas escapando de lo acotado como ámbito expositivo para realizar un cuestionamiento que visibiliza sus rincones o conecta sus diferentes alturas. De nuevo el hilo, que flota de una pieza a otra, genera perfiles indefinidos y obras que nunca se cierran. Esta muestra visibiliza un momento de madurez personal que cuestiona los materiales, la propia pintura, lo ya hecho y lo por hacer…, un magma de incertidumbres que acaban fusionándose sin pretender permanencias, celebrando la precariedad de un fino hilo que ata a sabiendas de que puede ser fácilmente desatado, que aspira a ser más idea en el aire que realidad materialmente demostrable (Fragmentos de tiempo). También resurgen ecos de sus primeras series de paisajes, a veces como atmósferas abstractas en suspensión y evanescentes (Cosidos o Dúo 1+1); en otras el pespunte une retales de piezas rescatadas del almacén de la autora y, a modo de patchwork, sirve de celebración de las tradiciones femeninas heredadas de nuestras madres.





LA IMAGEN DE LA MUJER EN LAS SOCIEDADES DEL SIGLO XXI A DEBATE EN EL CICLO “BIG BANG DONES” EN EL MuVIM

‘Big Bang Dones. Feminismos en la praxis’ es el título del ciclo de conferencias y proyecciones audiovisuales que se está llevando a término en el MuVIM desde el 13 de febrero hasta el 6 de marzo. Esta segunda edición de ‘Big Bang Dones’ está centrada en la reflexión sobre la imagen de la mujer en las sociedades del siglo XXI y la emergencia de un nuevo horizonte de posibilidades para su transformación.

El miércoles 20 de febrero, a las 18.30 horas, tuvo lugar el coloquio dedicado a las ‘Ciudades con perspectiva de género’. La arquitecta y profesora de la Universitat Politècnica de València, Eva Álvarez, y Adriana Ciocoletto, miembro del colectivo Punt 6, dedicado a la aplicación de la perspectiva de género en el urbanismo y la arquitectura, serán las encargadas de presentar el documental ‘Citizen Jane: Battle for the city’, de Matt Tyrnauer, que muestra cómo una mujer, Jane Jacobs, consiguió parar algunos de los proyectos más relevantes de ciudades como Nueva York o Toronto. Después de la proyección, habrá un coloquio para hablar del urbanismo feminista y su voluntad de adaptar las ciudades a las diferentes necesidades según el género y la edad.

‘Big Bang Dones’ continuará los días 27 de febrero y 6 de marzo de 2019. ‘Gestionando la cultura’ será el título de la jornada del miércoles 27, donde se proyectará el documental ‘En la brecha. La desigualdad de género en el trabajo contada por ti’, de Claudia Reig, y que contará con profesionales de la cultura, el periodismo y la investigación, como Ada Díez, Elisa McCausland, Patricia Pardo y Leire San Martín. Por su parte, el 6 de marzo será el turno de ‘Feminizar la política’, donde Cándida Barroso y Júlia Sevilla serán las encargadas de conducir el debate sobre la posibilidad de cambiar la forma de gestionar los asuntos públicos partiendo de una perspectiva de género. Las y los asistentes podrán disfrutar de la película ‘El orden divino’ (Die göttiche ordnung), de Petra Biondina Volpe.

Por primera vez, el ciclo incorporará la I Jornada ‘La dona mira, mira la dona’, sobre la creación, producción y representación audiovisual, que tendrá lugar el 2 de marzo y que está desarrollada con la colaboración de la Corporació Valenciana de Mitjans de Comunicació (CVMC) y À Punt Mèdia. Esta jornada contará con profesionales de los medios de comunicación como Empar Marco, Cecilia Bartolomé, Begoña Siles, Mar Iglesias, Mentxu Segura, Paloma Mora, Ana Ramón Rubio o Concepción Cascajosa, para hablar de la posibilidad de revitalizar el espacio público de comunicación valenciano un lugar de intervención ciudadana para avanzar en materia de igualdad.

‘Big Bang Dones’ es un proyecto desarrollado por Irene Cubells, Águeda Forés, Belén Iranzo y Bernia Mitjans, que comenzó su segunda edición el pasado miércoles 13 de febrero, con la exhibición del documental ‘Entre el dia i la nit no hi ha paret’, del colectivo ‘Les Espigolaores’, centrado en las mujeres que viven o han vivido en el barrio de Campanar, en la Partida de Dalt o en la desaparecida Partida del Pouet. La socióloga Sarai Fariñas y la responsable de la Secretaria das Mulleres do Sindicato Labrego Galego, Maaría Ferreiro, fueron las encargadas de presentar el documental y protagonizar el posterior debate.

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martes, 19 de febrero de 2019

“ANTARCTIC TYPOLOGY” DE JANEK ZAMOYSKI SET ESPAI D’ART


Hasta el 27 de abril

SET ESPAI D´ART muestra por primera vez en Valencia la obra del artista polaco Janek Zamoyski (Varsovia, 1978). Presentamos su último proyecto, "Antarctic Typology", un trabajo fotográfico desarrollado en torno a un tema central: el Océano Antártico, continuación temática de su serie atlántica presentada anteriormente en el marco de PhotoEspaña en el Museo Nacional de Ciencias Naturales de Madrid, Fundación Mapfre Guanartemel (Las Palmas de Gran Canaria) y TEA (Santa Cruz de Tenerife).



"Antarctic Typology" es una serie de fotografías que presenta tipologías de glaciares, rocas y olas en el área antártica. Zamoyski documenta la arquitectura natural del espacio de esta región única y homogénea, prestando especial atención a la estructura fractal, la escala indefinida y las diferencias sutiles de sus elementos. La idea de tipología se implementa a través de composiciones frontales de los tres únicos elementos del paisaje antártico. En una infinita repetición, las olas, icebergs y rocas se conviertes en formas abstractas, en manchas de color bañadas en una luz plomiza. Su interés radica en la diversidad de la estética y la estructura de una realidad homogénea, que resulta de la influencia mutua de sus elementos constituyentes, como la luz, el viento y la temperatura. El origen de la serie radica en la observación del paisaje en oposición al antropocentrismo, en la búsqueda de nuevas ideas, la resignación de las formas establecidas, así como la libertad y la apertura mental.







Las obras de Zamoyski son un registro de la naturaleza meditativa y mántrica de la estructura fractal de una realidad imaginada. Las imágenes no sólo son visualmente mesméricas, sino se convierten en esculturas flotantes, extrañamente emotivas, en un clima de intensa comunión con los más infatigables fenómenos de la naturaleza: luz, color y atmósfera. Los movimientos caóticos del mar originario, las formas inconmensurables del firme hielo y la textura de la roca evocan una naturaleza en estado primitivo.

Todas las formas prominentes – olas, nubes, hielos o rocas – se representan con un contorno fuerte. El efecto es de una gran deliberación, prestando a cada forma su peso completo. El modelo se repite hasta el infinito. Esta serialidad es fundamental, el orden, la repetición y los patrones dan pie a un lenguaje visual que rinde al paisaje un nuevo significado. Aguas suaves o agitadas, excavadas o talladas por las olas, congeladas en forma de iceberg, cambian de color con el paso del tiempo. En su búsqueda de un espacio natural homogéneo y minimalista, con una diversidad mínima de sus elementos constitutivos y la ausencia total de interferencias humanas, llama la atención la intensidad de la sencilla composición, y la inquietante ausencia de cualquier componente de una marina convencional, de cualquier otro objeto o hecho que puedan distraer la atención. Zamoyski renuncia a prácticamente todo menos a un melancólico, luminoso vacío del paisaje inhabitado.



La composición es elemental, construida sobre dos ejes de simentía, horizontal y vertical. Cada disparo es idéntico en su estructura y le da al espectador una visualización frontal de los tres elementos del paisaje antártico. Las formas que contiene, mínimas, aisladas y repetitivas, son no menos rudimentarias, reduciéndose a un horizonte quebrado, al escueto contraste del aire y agua y una dramática disparidad entre la proximidad del firme hielo y la lejanía de una luminosidad difusa. Esta hipnótica línea de horizonte, con una no menos elemental e infinita extensión de cielos en calma saturados de bruma, llega a desaparecer de la vista. El horizonte, fijo pero oculto, se revela sólo en la imaginación del espectador. Las fotografías respiran un aire silencioso y meditativo. La simplicidad del paisaje inhabitado, una zona tan densa y tan ininterrumpida de luz lóbrega, de un azul plomizo, nos sumerge en algún elemento primordial de agua, nube, color y luz, en una polaridad emblemática de lo oscuro y lo luminoso, lo cercano y lo lejano, lo tangible y lo intangible. Como resultado del contraste y la distancia, las imágenes representan el volumen de unos objetos tridimensionales, creando profundidad de campo y destacando el interés de Zamoyski en la investigación de la fisicalidad del material.

El tema no desempeña aquí el papel principal. Zamoyski centra su investigación en los supuestos teóricos y estéticos, de manera autónoma en relación con la realidad representada. En la borrosa línea entre fotografía y pintura, continúa estudiando la estética de la imagen digital, prestando especial atención a la estructura, la luz y el color de una dramaturgia inagotable de la naturaleza. La paradoja interna de las obras consiste en la combinación de una fuerte imitación del realismo del paisaje con una abstracción real. El ojo humano es incapaz de observar el agua agitado en su estado paralizado y cada intento de capturarlas se traducirá en una realidad imaginada. Las imágenes, aunque reconocibles como rocas, icebergs y olas, sirven como elementos abstractos de línea y forma. El interés no radica en su color o su textura, sino en su volumen, masa y sombra. De esta manera, la naturaleza antártica se convierte en una abstracción minimalista, con su impacto frontal y simétrico radical equivalente a un signo icónico. Zamoyski utiliza la capacidad de la cámara de registrar la realidad para aislar los detalles del paisaje, extraer en lugar de acumular. Le preocupa la ideología formalista de los pintores con consideraciones de composición, límite, superficie, ritmo y textura. Los paralelos pictóricos más cercanos se encuentran desde los horizontes vacíos de Caspar David Friedrich, los “cuadros de la nada” de J.W.M. Turner, al ártico amplio y simplificado de Lawren Harris hasta los vacíos ilimitados de Barnett Newman.

Nunca puedes cruzar el océano hasta que tengas el coraje de perder de vista la orilla. El Océano Antártico, aunque infinitamente diverso, constantemente perturbando su estructura, siempre sigue coherente y constituye una unidad, un ser homogéneo a pesar de su diversidad.