jueves, 18 de abril de 2019

LA FONT DE LA FIGUERA DEPÓSITA UNA ESCULTURA IBÉRICA EN EL MUSEU DE PREHISTÒRIA DE VALÈNCIA



Las excavaciones arqueológicas llevadas a cabo en la calle Portal de València de La Font de la Figuera han descubierto un extraordinario fragmento de época ibérica que ha sido depositado en el Museu de Prehistòria de la Diputació de València, para su análisis, estudio, catalogación y restauración. Al acto de depósito han asistido el diputado de Cultura, Xavier Rius; el alcalde La Font de la Figuera, Vicent Muñoz; el presidente de la Cooperativa la Vinya, promotora de las actuaciones arqueológicas, José Fita; el director de las excavaciones, realizadas por la empresa ESTRATS-Treballs d’Arqueologia, David López Serrano; la directora del Museu de Prehistòria, María Jesús de Pedro; y el conservador del museo, Jaime Vives-Ferrándiz.

El diputado de Cultura, Xavier Rius, ha anunciado que “a petición del alcalde, Vicent Muñoz, he dado instrucciones a los técnicos y técnicas del Museu de Prehistòria de València de estudiar la viabilidad de, una vez la pieza esté restaurada, realizar una exposición alrededor de esta pieza tan importante y singular en el municipio de La Font de la Figuera”.


Una pieza de un valor excepcional

La escultura representa un cuerpo de ave con las alas plegadas sobre una base que tiene en relieve las dos patas. En la parte frontal de la base hay grabado un animal, posiblemente un carnívoro. La cabeza y el extremo de la cola no se han conservado. La datación provisional de la pieza se sitúa entre los siglos V y IV antes de Cristo. Las esculturas de aves conocidas, hasta el momento, del periodo íbero son excepcionales. Así, en el suroeste peninsular sólo se conocen los ejemplares encontrados en la necrópolis del Corral de Saus (Moixent), muy cercana al hallazgo de La Font, y del Monastil d’Elda (Alacant).

La escultura ibérica es un claro marcador social de las élites. Muestra el esfuerzo en la movilización de recursos y artesanos especializados para destacar y singularizar monumentos funerarios con animales y seres mitológicos, como las sirenas (aves con cabeza de mujer). El fragmento de La Font de la Figuera se podría vincular, pues, a un monumento funerario localizado en el entorno de La Cervera, donde ya se conocía un asentamiento que fue ocupado entre los siglos VI y IV antes de Cristo.

De forma paralela al estudio y publicación científica de la pieza, por parte de la dirección de las excavaciones, se pondrán en marcha los trabajos de restauración y catalogación por parte de los técnicos y las técnicas del Museu de Prehistòria de València, con el objetivo final de la futura puesta en valor de la escultura en las mejores condiciones de conservación.

miércoles, 17 de abril de 2019

A PROPÓSITO DE… SINERGIAS · ENCARNA ARNAL


Inauguración: jueves 25 abril, 20 h.

Del 25 de abril al 21 de mayo puede visitarse en el Centro Messana de Valencia (Calixto III, 49) la exposición de fotografías de Encarna Arnal.

Palabra compuesta por la raíz griega syn (simultaneidad) y ergon (trabajo). Es un trabajo o colaboración en conjunto, coordinación de dos o más causas o partes cuyo efecto es superior a la suma de efectos individuales, con lo que se consigue  algo mucho mejor.
Este concepto se aplica por primera vez en el siglo XIX, y es en el S. XX cuando se extiende a múltiples campos y disciplinas.

En esta exposición, me he centrado en resaltar la sinergia entre el ser humano y la naturaleza, labor entre los campos energéticos de ambos para un beneficio mayor de la vida  en todas sus manifestaciones.

Algo que está decayendo en la actualidad por el sistema de vida que hemos adoptado. De ahí Sinergias, juego de palabras que nos señala la desconexión muchas veces desapercibida a causa de nuestro ritmo de vida, o por falta de consciencia, sumidos como estamos en un mundo altamente contaminado en muchos niveles.


Encarna Arnal es una artista valenciana con larga trayectoria profesional como pintora y más recientemente como fotógrafa.

En éste último campo la autora se encuentra más cerca de captar o generar ambientes que de un purismo fotográfico. En  su trabajo apreciamos un gusto por la luz, las formas y la imagen.

La atmósfera que plasma en sus fotografías nos muestra la armonía de los elementos, la energía de un instante, el espacio generado por la conjunción de formas o líneas de la naturaleza. También, a través de su propio material, genera nuevas imágenes que le permiten expresiones narrativas más complejas.

La narración o expresión de una idea o concepto siempre subyace en cualquiera de sus trabajos.
 




«LAND» LEO WELLMAR EN MY NAME’S LOLITA


Calle Almadén, 12 - 28014  Madrid

Inauguración: jueves, 25 de abril, 20 h

Hablar del movimiento romántico en el paisaje, es hablar de emociones y estados de ánimo.  Exaltaciones contenidas en el atelier, donde el artista desataba toda su imaginación a la luz de las velas y alejado de la naturaleza.
El paisaje como excusa para provocar emociones y, sobre todo, para adentrarse en el estudio del color y de la luz, es lo que ha llevado a la pintora Leo Wellmar (Estocolmo, 1965) a realizar esta serie de trabajos, manteniendo como inspiración el paisaje y la luz del norte.

Leo Wellmar es consciente de la constante presencia de la naturaleza y de la importancia del paisaje en su vida. La propia artista habla de los “fuertes contrastes  de ambientes y gamas cromáticas en cada estación… una auténtica explosión de matices y de elementos y, desde mi punto de vista, un paraíso como medio de expresión”.

El paisaje es el escenario perfecto para un paseo emocional (concepto romántico), donde las sensaciones adquiridas toman fuerza a través de su propia luz, sin límites visibles entre la realidad y la ficción. En este punto puede haber un coqueteo científico – impresionista, el cual es evitado por la propia artista al hablar de su trabajo como “paisajes imaginarios e ilocalizables”.

En definitiva, el proyecto que presenta Leo Wellmar para la exposición, estaría vinculado a un proceso emocional y conceptual. El paisaje como punto de partida para lograr conceptos utópicos. Una simbiosis entre el “significante y el significado”, con el fin utópico de conseguir el concepto universal de la imagen.

Su obra es, en definitiva, el argumento perfecto para profundizar en el campo conceptual de los estados lumínicos. Variaciones conceptuales, imaginarias, de paisajes inalcanzables, que se precipitan en figuraciones formales y reconocibles.

"PLURI-IDENTITATS 2019" EN EL MUSEU DE LA UNIVERSITAT D’ALACANT


Hasta el 14 de julio.

La muestra expone 14 propuestas seleccionadas en la primera convocatoria bienal de Artes visuales “Pluri-identitats” de la UA

El objetivo de esta convocatoria es crear un espacio para las creaciones artísticas contemporáneas que den visibilidad a todo tipo de expresiones de identidad, género y sexo que ayuden a construir una sociedad más plural, abierta y respetuosa

El Museo de la Universidad de Alicante (MUA) ofrece la exposición “Pluri-identitats 2019”, que podrá verse en la Sala Sempere hasta el 14 de julio. La muestra expone las catorce propuestas artísticas que han sido seleccionadas por el jurado de la convocatoria del mismo nombre, de entre las 22 obras presentadas. Colectivo OZ, Rebeka Elizegi, Rosa García, Francisco Holgado, Andy López, Sergio Luna, Miriam Martínez Abellán, Javi Moreno, J.F. Navarro, O.R.G.I.A, Sahakyan&Carpena, Pablo Sandoval, Manuel Antonio Velandia y Mª José Zanón, son los artistas y colectivos elegidos y cuyas obras se incluyen en esta exposición.

Es la primera vez que el MUA lanza la Convocatoria Bienal de Artes Visuales PLURI-IDENTITATS, una iniciativa del Vicerrectorado de Cultura, Deporte y Lenguas en colaboración con el Vicerrectorado de Responsabilidad Social, Inclusión e Igualdad, que nace con la voluntad de ser un espacio para la creación artística contemporánea en el que plantear cuestiones vinculadas con la identidad de género, la diversidad sexual, la expresión de género o la orientación afectivosexual. El MUA, por tanto, se convierte de nuevo en un espacio en el que la fotografía, la pintura, el dibujo, el collage, el vídeo, el grafiti y la escultura dialogan para derribar estereotipos e impulsar el valor de la pluralidad. Pluri-Identitats, tal y como afirman los organizadores “nos acerca a otras voces y otra forma de entender la realidad, y a reflexionar sobre conceptos como diversidad, respecto y libertad. Solo así se conseguirá una sociedad más justa, inclusiva e igualitaria”.

LOS «FRACMENTOS» DE SALVA NEBOT EN BENICASSIM


Festival Imaginaria · Sala Melchor Zapata de Benicassim, (Castellón)

Inauguración: Viernes día 10 de mayo

Hasta el 9 de junio

El proyecto fotográfico de Salva Nebot «FRACMENTOS» está basado en la realidad social que vivimos, a partir de las “fracturas y  momentos” usando diversos soportes como madera, papel de grabado, negativos y papel fotográfico. Dicho proyecto está articulado en tres partes relacionadas argumentalmente, pero diferenciadas en cuanto al tratamiento.

Policromías: conjunto de obras en las cuales el color de base es parte fundamental y característica de la obra. Se sustituye el blanco de la fotografía en blanco y negro por un tono determinado, enfatizando el tema tratado usando tintes, acuarelas, acrílicos, etc...

Monocromías: Conjunto de obras en las que el tratamiento es revelado en blanco y negro.

Dicotomías: Conjunto de obras en las que o bien se divide la obra en dos partes complementarias, o bien las imágenes se complementan en cuanto a significado. Puede constar tanto de obras con base de color como blanco y negro, aunque predomina el blanco y negro.

Este proyecto consta de 20 obras realizadas tanto en madera emulsionada, papel Arches de 220 grs., transfer y acetatos a modo de instalación, con diversos tamaños, que van desde 30 x 40 cm. hasta 350 x 160 cm., esta última realizada en papel de tela, dividida en 70 piezas de 20 x 20 cm. Y unidas entre sí con hilo de cáñamo, formando un díptico con dos imágenes impresas en película transparente.

Se trata de reflejar o comunicar mediante imágenes es situación o realidad social en la que nos vemos envueltos consciente o inconscientemente, pero que lamentablemente fomentamos con nuestra escasa respuesta frente a dicha situación.

Las imágenes del proyecto versan sobre las problemáticas individuales que derivan de fenómenos sociales como la migración, el desarraigo, la intolerancia, el abandono, la violencia, la desesperanza, la resignación,....

El uso del blanco y negro forzado, intenso, como método de expresión plástica y dramática, confiere contextualidad a las imágenes, intentando comunicar con el espectador y transmitir una asimilación del concepto expuesto. El uso de las sombras como parte determinante de la proyección de la forma pretende dar un significado diferente a la propia representación de la forma en sí, al contrario de como se entiende la fotografía convencional, en la que la forma o sujeto es la parte fundamental de la expresión.

El trabajo de Salva Nebot se fundamenta en el Mito Pliniano y el Mito Platónico, como origen de la representación artística, donde es la sombra el motivo de la proyección y así mismo crea una interpretación alternativa de la realidad. En el Mito Pliniano, tenemos la fábula de la hija de Buades y en el mito Platónico, en el Libro VII de su obra La República, donde habla de hombres encerrados desde niños en una caverna, privados del mundo cognitivo real, y eran las sombras que proyectaban ellos mismos y los objetos que les rodeaba, lo que les hacía creer que esa era la única realidad, la que experimentaban allí dentro sin conocer el resto del mundo. En ambos casos confiere a la sombra ese aspecto de representación de otra realidad alternativa, una realidad que influye o interfiere en el universo cognitivo del ser humano, que se construye a través de códigos que son producto de una época, de una cultura o de un espacio concreto.

En el mundo occidental el color negro tiende a considerarse como algo negativo, el negro de la sombra se ha asociado al miedo, a lo terrorífico, al luto a las desgracias, es símbolo de muerte, en cambio en el mundo oriental sucede lo contrario, el color negro es símbolo de vida y el color blanco de luto.

Tanto el blanco como el negro dramatizan la obra en sí, al mismo tiempo que se complementan, yuxtaponiendo las creencias occidentales y orientales, de ahí que mi trabajo combine dichas creencias buscando la expresividad innata del blanco y negro.

LA 34 EDICIÓN DE CINEMA JOVE SE CELEBRARÁ EN VALÈNCIA DEL 21 AL 28 DE JUNIO



La 34 edición del Festival Internacional de Cinema de València-Cinema Jove, organizado por el Institut Valencià de Cultura, se celebrará entre el 21 y el 28 de junio con el objetivo de celebrar el talento audiovisual emergente y servir de plataforma al mejor cine internacional realizado por jóvenes.
Este año se han inscrito un total de 1.211 películas a concurso para la selección de los cortos y largos que formarán parte de la sección oficial, 292 más que en 2018. Este aumento de inscritos y la presencia de directores y directoras cada vez más jóvenes, algunos rondando la veintena, "confirman la identidad del festival", en opinión de su director, Carlos Madrid.
"Desde que hace dos años subrayáramos la especialización del certamen, Cinema Jove se ha convertido en un referente para las distribuidoras como nicho para que los debutantes con talento estrenen sus películas", ha selado.
Las obras presentadas para optar a los premios del certamen proceden de 60 nacionalidades diferentes. La mayor parte de los títulos, un total de 301, proceden de España. Sigue en cantidad, la presencia europea, con 628 films, principalmente llegados de Francia y Alemania, con 108 y 60 piezas, respectivamente, y Polonia, que aglutina 35 películas, e Iberoamérica, que presenta 113 piezas.
Como curiosidad, el director del festival destaca la subida del número de propuestas procedentes de Rumanía, Irán y Corea del Sur, con 17, 11 y 17 películas cada una. Los tres países cuentan con una contrastada trayectoria cinematográfica, pero no habían tenido antes tanta presencia en el festival.
En el apartado de formato corto, en el que Cinema Jove acepta también propuestas adscritas al género documental, Carlos Madrid destaca la presencia de "interesantes híbridos entre documental y ficción". Asimismo, el apartado dedicado al cortometraje da fe de la democratización y la irrupción de las nuevas tecnologías en la realización de cine, con la presencia de obras facturadas en digital y piezas que reproducen la textura y el formato de las grabaciones con dispositivos móviles.
El plazo de presentación de trabajos finalizó el 19 de marzo. En estos momentos, los equipos de selección de cada categoría se encuentran deliberando sobre las obras que finalmente participarán en concurso en las dos secciones del festival.
Aulas de cine
Por su parte, el Encuentro Audiovisual de Jóvenes ha recibido 133 cortometrajes de toda España, 29 más que la edición pasada, para la selección de las piezas que se presentarán durante los tres días que dura este certamen, dedicado a la educación cinematográfica en el transcurso del festival Cinema Jove.
La muestra consta de tres categorías. A la categoría A, para realizadores de hasta 12 años (estudiantes de Infantil y Primaria), se han inscrito 16 cortos. A la B, adscrita a estudiantes de Secundaria y Bachillerato de entre 13 y 18 años, se han presentado 37.
Finalmente, a la C, en la que se promueve el trabajo de estudiantes de ciclos formativos de Imagen, universidades, otros centros de formación y asociaciones juveniles de edades comprendidas entre los 16 y los 24 años, se han enviado 80 proyectos.

EL IVAM CONTARÁ CON LA ACADÈMIA VALENCIANA DE LA LLENGUA PARA PUBLICAR EN VALENCIANO


El Institut Valencià d'Art Modern (IVAM) y la Acadèmia Valenciana de la Llengua (AVL) han iniciado los trámites para que la AVL, el máximo organismo competente en la regulación del valenciano, colabore en las publicaciones de arte que edita el IVAM en nuestra lengua.
A la reunión entre ambas instituciones ha asistido por parte de la AVL el presidente de la Acadèmia, Ramon Ferrer, mientras que por parte del IVAM han acudido la subdirectora de Actividades y Programas Culturales, Julia Ramón, y el subdirector de Comunicación y Redes Sociales, Josep Grau. Las conversaciones iniciadas se enmarcan dentro de la línea de promoción de sus publicaciones, que el IVAM ha iniciado coincidiendo con el Día del Libro, que se celebra en abril.
Justamente y con motivo del Día Internacional del Libro, el IVAM inaugura su tienda en línea de publicaciones, con cerca de 400 volúmenes y obras que van desde un catálogo de Alfaro de 1991 al último de la exposición 'Tiempos Convulsos', que se puede visitar hasta abril de 2020. Desde el 20 de abril todas las publicaciones del IVAM están al alcance de un clic en la web de la institución (botiga.ivam.es).
Desde su creación en 1989, el IVAM cuenta con un servicio de publicaciones que, a diferencia de la mayoría de museos, se encarga de todo el proceso de producción de los materiales que generan las exposiciones y las actividades de la institución; desde la creación, el diseño y la producción hasta su comercialización, control de distribución y almacenaje y ha generado un fondo bibliográfico de gran valor buena parte del cual también se ha editado en valenciano.

ARTE, CINE, MÚSICA, CIRCO Y MAGIA: ARRANCA ESTE VIERNES LA III EDICIÓN DE ‘CULTURA ALS POBLES’


Hasta el 19 de mayo 18 pueblos de València acogerán más de 60 actividades.

La III edición del cicló ‘Cultura als Pobles’ comienza este viernes con dos convocatòries musicales en El Palmar y Mauella, un espectáculo de circo en Poble Nou, y la propuesta Paseos con artistas, que comenzará en Pinedo. Desde el 12 de abril hasta el 19 de mayo, un total de 18 pueblos de València podran disfrutar de más de una sesentena de actividades culturales.

‘Cultura als Pobles’ es un ciclo de actividades culturales en la misma línea que la programación ‘Cultura als Barris’, «dos iniciativas municipales que permiten democratizar el acceso a la oferta cultural y promocionar el consumo cultural por todos los rincones de la Ciudad», tal como ha explicado la concejala de Cultura, Glòria Tello.
El viernes 12 de abril se iniciaba la programación en Pinedo, con los ‘Paseos con artistas: Pueblos que inspiran’, que se enmarca en el proyecto ‘Pobles en peu d’Art’, impulsado con las asociaciones y entidades vecinales de la localidad. Se realizaron tres actividades simultáneas: el espectáculo de circo ‘Abatido Circus’, de Juan M. Requena, para público infantil y familiar, que se desarrollará en la plaza del Ayuntamiento de Poble Nou. En Mauella, se ofrecerá el concierto musical ‘Cinco en Swing’, en la plaza de San Benedicto. Y El Palmar acogerá un concierto de música pop protagonizado por Natali McPears, en la calle alle Redondeles, 7.
La programación continuó el sábado con cinco actividades en horarios diferentes: en la plaza de la Patrona de Borbotó será escenario para el espectáculo Abatido Circus; Borbotó acogerá la actuación de magia Imaginamàgia, de Mágico Mazo en la plaza del Ayuntamiento. Y en Pinedo Mundo Baraka Nuevo Circo ofrecerá un taller de circo para público infantil y familiar en la plaza Mayor. Por la noche, en la plaza de San Benedicto de Mauella hubo una sesión de cine al aire libre, con la proyección del documental ‘Bruno Lomas, rey y rebelde’, para un público jovent y adulto. Y media hora más tarde, Natali McPears ofrecerá un concierto demúsica pop en La Punta, en la avenida de En Corts, 105-107
Finalmente, el domingo 14 de abril las personas residentes y visitantes de Forn de Alcedo disfrutaron del concierto de música ‘Cinco en Swing’ en la plaza del Riu Segura, a las 12:15 horas. Y apenas 15 minutos más tarde, y también se ofreció un concierto lírico (repertorio de Zarzuela) a cargo de la Compañía Saga Producciones, en la plaza de San Benedicto de Mauella.
Por la tarde, Pinedo acogió, un concierto de la Sociedad Musical Barrio de Malilla, dirigida por Pere Adrià Sánchez Castelló, mientras que a la misma hora, en La Punta, el mago Piter ofrecerá su espectáculo de màgia para todos los públicos, en la avenida de En Corts, 105-107.
La jornada cultural concluyó en Poble Nou con el Cuentacuentos El Gran Jordiet, que actuarà en la plaza del Ayuntamiento con su propuesta La maleta de Jordiet.
La concejala de Patrimonio y Recursos Culturales, Glòria Tello, ha manifestado que, como en las ediciones anteriores, esta iniciativa persigue llevar la cultura a todos los puntós de la Ciudad y a toda la ciutadania. «Todas las personas somos iguales para acceder a la cultura, y todos los espacios públicos de proximidad suponen una oportunidad como escenarios de la actividad cultural y puntos de encuentro para la ciudadanía y las propuestas más interesantes», ha asegurado.
La programación atiende criterios de diversidad, innovación y aceptación por parte de todos los públicos, así como de calidad e interacción con la gente. Desde la magia, el humor y el teatro de improvisación hasta la música clásica, el circo participativo o la danza, pasando por monólogos, cine o marionetas. Todo, junto con el proyecto de investigación ‘Pobles en Peu d’Art’, un proceso de creación colaborativa centrado en la comunidad y en el pueblo como su espacio territorial y simbólico. «Es una programación muy variada y hacemos un llamamiento a disfrutar de ella y de los espacios públicos al aire libre que la acogen», ha concluido Tello.

XIMO CANET, ENRIC PIERA i XAVI VAQUER AL CENTRE OVIDI MONTLLOR d’ALCOI


Fins 31 de maig 


Ximo Canet, Enric Piera i Xavi Vaquer, des del Grup Matèrics, diuen: L’art ha d’estar arrelat a tot el que és humà.

INVISIBLES, vol fer una mirada al voltant d’aquelles realitats amagades, que existeixen dramàticament, però que els nostres ulls no veuen. Vol ser, una mirada col·lectiva al present del món de grups socials, invisibilitzats.

En cada país hi ha un altre país dolgut, habitat per persones desfetes, destrossades per moltes injustícies patides pels desposseïts. Viuen en cases hostils, precàries, enlairades, inestables. Una infantesa ferida amb un paisatge de pobresa i horts de brosses, parets esquinçades, amb la humitat dels naufragis dels pares, cloent-se per terra.

Dones maltractades, encegades de futur, ancians abandonats, malalts oblidats, persones sense sostre, sense papers, … Sols la visibilitat pot reparar el dany. L’art ha de tindre aquest compromís imprescindible, per denunciar els dolors humans, sols així es poden reparar. En cada ciutat, a dos carrers amunt o avall, hi ha un món de ferits que la nostra mirada indolent, nega, que no volem vore, ple de vides invisibles, òrfens de tot, aferrades a les poques alegries imprescindibles per poder viure, que cada nit somnien, com cadascú, però una estructura superior impedeix tot futur, ho controla tot.

Exclosos de tot, ells no deixen de somriure, encara que el dolor i la ràbia fa que es trenquen persones i coses, i també, s’autodestrueixen. Encara que continuem cecs, o girem la mirada, per no sentir-nos interpel·lats, encara que els ignorem, encara que siguem col·laboradors necessaris de tantes injustícies a tantes persones i terres trencades, consentidors d’una infància dolorida, invisibilitzada, que sofreix maltractament, ella seguirà, patint i fent somriures. Què ens diu la seua mirada? Què ha de dir l’art de les injustícies? Ximo Canet, Enric Piera i Xavi Vaquer, des del Grup Matèrics, diuen en veu alta, prou!

ANTONI MIRÓ

 

XIMO CANET (ALCOI 1967)
CAIXES NIUS - POBLATS ABANDONATS - MIGRACIONS NOU PAISATGE CULTURAL
Una reflexió al voltant dels nous paisatges culturals i el paper del home, eixe esser invisible que propicia aquest canvi i que tal volta volguérem que passés desapercebut Un passeig per diversos paisatges actuals deformats, la desforestació i despoblació dels nostres boscos, pobles i entorns naturals. Les situacions migratòries en diversos àmbits que estem visquem en aquests últims anys i que estan donant peu a un canvi cultural i social Donar una mirada visible a eixes vides invisibles


ENRIC PIERA (AIORA, 1959)
VIDES INVISIBLES El compromís ètic per reduir injustícies per a les persones, per fer veure foscors ocultades, és una opció ineludible del món de l’estètica de l’art. Sensibilitzar per a prendre consciència. Estimular ments adormides per prejudicis i silencis mediàtics. Generar pensament, crític, obert, tindre mirada de poeta, lliure de prejudicis, per a veure allò que uns altres no volen veure. Donar transparència al dolor humà, com una forma de reparació, compensar el dolor no evitat, curar ferides ocultes amb l’aire de la mirada, amb l’exposició pública, de la desatenció als vulnerables, de la desafecció de la justícia, la discriminació de tot ordre, l’ocultació de la veritat, la desvaloració dels compromisos. Art per a canviar la mirada. Art per a eixir d’una exposició amb una altra mirada. Art no solament per a mirar, sinó per a veure. Per a canviar. Per a canviar-nos.

 

XAVI VAQUER (BOLULLÀ, 1965)
Qualsevol podria ser.
Senyalats pel dit de la indiferència,
El teu familiar més proper,
La vellesa, la soledat.
El teu millor amic,
la depressió,
Tu, ells,
Jo




martes, 16 de abril de 2019

LO INVISIBLE DE ROSELL MESEGUER EN LA CASA BARDÍN DE ALICANTE


Inauguración: 16 de abril, 19'30 h.

Hasta el  4 de junio

Casa Bardín, sede del Instituto Alicantino de Cultura “Juan Gil-Albert,  Alicante.”

Proyecto seleccionado en la convocatoria pública II concurso arte en la Casa Bardín 2018-2019

Rosell Meseguer vuelve a sorprender con un tema -el de la invisibilidad-, que no está tan alejado de otros que han inspirado sus proyectos en los últimos años. Su principal objetivo es la comprensión del rol que tienen las representaciones visuales en la cultura contemporánea y en la formación de nuestro conocimiento sobre el mundo en que vivimos: cómo son capaces de impactar en nuestra imaginación, de qué forma organizan nuestra memoria personal, cómo se utilizan para la representación de los hechos históricos, de nuestro pasado, de nuestro futuro y de nuestra vida más íntima, cómo forman, en fin, parte de nuestra realidad cotidiana.

El tema de la invisibilidad ha recorrido la historia de la ciencia y también del arte, incluida la fotografía y el cine, pero no es hasta estos  últimos siglos que se ha intentado estudiar, con ayuda del progreso tecnológico.

La  historia del arte es, de hecho,  una  historia  de la percepción de las obras de arte y sus cambios a lo largo de los tiempos como un claro registro de cómo la propia visión ha ido mudando históricamente.

Lo visible es aquello posible de ser captado por el sentido de la visión, que es el sentido que realmente nos ha definido como especie, el que ha delineado nuestra cosmovisión. Está en relación, por tanto, con todo aquello que conforma lo real, con el mundo físico y todos los objetos que producen, por reflexión, una cierta distribución de luz en el ojo: la presencia física del objeto, sus cualidades y atributos sensibles como color, traza, textura, forma, proporciones.

Arte en la Casa Bardín. XXIX

El Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert, en su apuesta por la cultura y el arte, organiza entre sus diversas actividades las exposiciones que como ciclo Arte en la Casa Bardín toma el nombre de la sede del Gil-Albert. Inició su andadura en el año dos mil doce con el formato artista/comisario, encuentro y visitas guiadas, que mantiene, en cada una de las muestras individuales. En una primera etapa fueron propuestas por la Comisión Asesora del Departamento de Arte y Comunicación Visual Eusebio Sempere. A partir del año dos mil quince, el doctor José Ferrándiz Lozano, director del Gil-Albert, impulsa el primer concurso público de Arte en la Casa Bardín con una selección de diez propuestas presentadas en los años dos mil dieciséis y dos mil diecisiete, reseñadas al final del catálogo.

En ese último año se convocó el segundo certamen de Arte en la Casa Bardín para seleccionar diez exposiciones con el objetivo de acercar las prácticas artísticas contemporáneas en la programación de exposiciones de este dos mil dieciocho y del dos mil diecinueve.

Han sido seleccionadas las propuestas de los siguientes artistas y comisarios:
Roberto López / Antonio Barroso
Mónica Jover / Isabel Tejeda
Rosell Meseguer / José Luís Martínez
Alberto Vicente Santoja / Gabriel Songel
BYE / Zanora Coperías
Lola Lorente / Gertrudis Gómez
Jorge Burillo / Juan F. Navarro
Xavi Carbonell / María José Gadea
Cayetano García Navarro  / David Trujillo
José Antonio Hinojos / Iván Albalate

Cada propuesta se sitúa en el marco de la creación actual, en un universo definido por la obra del artista y las aportaciones del comisario. Se define en lo multidisciplinar, en la pintura, el collage, la instalación, la fotografía, la escultura, la gráfica, el cómic, la ilustración, el dibujo, lo audiovisual, la performance, la didáctica y un abanico abierto a las diversas modalidades artísticas y creativas. La muestra titulada MI, se conforma entre otras, con dibujos, con historias de cómic, que Lola Lorente dibuja y también ilustra, en las viñetas de sus obras. Crea sus personajes los recrea línea a línea conformando su particular universo. También crea piezas escultóricas de trapo que se relacionan con algunas de las ilustraciones.

Juana María Balsalobre.
Directora del Departamento de Arte y Comunicación Visual Eusebio Sempere.


PLÀSTIC MURS NOS PRESENTA “SOMETHING NEW, SOMETHING BORROWED”


PLÀSTIC MURS NOS PRESENTA “SOMETHING NEW, SOMETHING BORROWED” CON LOS ARTISTAS LIAM FALLON, PHILIP GERALD Y BRANDON LIPCHICK.

CALLE DENIA 45, 46006  VALENCIA

Inauguración Viernes 3 de Mayo, 19’30 h

Hasta el 14 de Junio

Extrañamiento, sensualidad e irreverencia. Es relativamente sencillo encontrar estas características en la exposición SOMETHING NEW, SOMETHING BORROWED. Los artistas que la integran comparten la voluntad de que sus trabajos no se queden anclados en la mera satisfacción estética. Y para ello, se adentran con lucidez y afán transgresor en campos de investigación que alcanzan cuestiones como la autoría, el archivo, la memoria y los afectos.

El trabajo de Brandon Lipchik pone en diálogo muy diversos modos de visualidad. Su punto de partida son los inabarcables flujos informativos del universo virtual, a los que somete a un cuidadoso proceso de selección y remezcla. El artista modula dentro de un mismo soporte imágenes procedentes de la web, referencias a la historia del arte, elementos extraídos del ámbito del diseño y objetos vinculados a su propia intimidad doméstica. La hibridación entre la estética digital y la técnica pictórica logra que cuestionemos la naturaleza de aquello que estamos mirando. Además, detrás del aparente desorden compositivo de sus cuadros, Lipchik enhebra muy sutiles capas de sentido; entre ellas, plantea un inventario de fetiches propios de la cultura queer, y que permiten leer —al menos a aquellos que desplacen su mirada fuera de lo normativo— un fascinante diario de afectos, vínculos y deseos.















Los dispositivos tridimensionales de Liam Fallon son objetos reconocibles y extraños a la vez. La clave para su entendimiento radica, por tanto, en mirar más allá de las apariencias. Si bien su trabajo parte de un proceso de esculturación de lo cotidiano, su objetivo último es indagar en la construcción de identidades silenciadas. Sus paredes de ladrillo funcionan como relectura del mediometraje de Jean Genet Un Chant d’Amour (1950), donde la fuerza de un deseo homoerótico, y en consecuencia clandestino, era capaz de atravesar los muros. El discurso de Fallon se articula a través de artefactos que, pese a su apariencia lúdica y su estética cercana al pop, encarnan una vertiente poética de alto valor emocional. Sus obras actúan como indicadores de espacios sociales queer arrasados por las narrativas hegemónicas. En este sentido, una pieza tan sencilla como «Love Club», un garrote de color rosa, plantea la urgencia de desenterrar aquellas voces disidentes que la historia ha dejado en los márgenes.

 

Finalmente, las pinturas de Philip Gerald invitan a una contundente sonrisa: sus figuras parecen haber sido elaboradas digitalmente a través de un precario editor de imágenes. Tanto las formas desproporcionadas como la planitud del color remiten a una creatividad ingenua y desprovista de cualquier convención. Unos modos que se encuentran lejos de los discursos habituales de la pintura. Y en esa distancia radica, precisamente, su principal atractivo. El trabajo de Philip Gerald no solo reivindica la imperfecto, lo inacabado, lo hilarante y lo gamberro, sino que también proyecta estas características sobre escenas emblemáticas de la historia del arte. El resultado no es un gesto meramente irreverente o iconoclasta; más bien se trata de una oportuna traducción visual a unos códigos que, desde hace apenas un par de décadas, han invadido nuestro imaginario colectivo y virtual. 

Carlos Delgado Mayordomo.
Crítico de Arte

Horario: Martes a Sábado. De 17:00 a 20:30h.



1989. EL FIN DEL SIGLO XX Y CASO DE ESTUDIO: 1989 EN EL IVAM



Hasta el 19 de mayo
El IVAM que tiene como objetivo poner en contexto el nacimiento del IVAM el 18 de febrero de 1989 con ese año, que ha sido considerado tan fundamental: la primera lo hace a través de obras de artistas nacionales e internacionales producidas en 1989 y vinculadas a algunos de los acontecimientos más importantes que sucedieron en esa fecha, y la segunda, a través de la investigación que ha desarrollado el Centro de Investigaciones Colaborativas (C.I.C.) sobre el proceso de formación del propio IVAM.
Estas exposiciones, comisariadas por Sandra Moros, conservadora del IVAM, y Sergio Rubira, Subdirector de Colección y Exposiciones, se enmarcan dentro de la celebración del treinta aniversario del IVAM que planea diversas muestras y actividades para celebrar el acontecimiento.
1989. EL FIN DEL SIGLO XX
La exposición reúne cerca de doscientas obras creadas en 1989 de más de setenta artistas, tanto nacionales como internacionales, como Sophie Calle, Martin Kippenberger, William Kentridge, Mona Hatoum, Juan Uslé, Guerrilla Girls, Susana Solano, Nan Goldin, Thomas Ruff, Richard Prince, Keith Haring y Rogelio López Cuenca.
La muestra no se organiza en secciones, sino a través de ecos y resonancias, de relaciones y analogías, de restos y huellas, aludiendo a algunos de los hechos fundamentales que cambiaron el mundo en 1989 y planteando un panorama fragmentado y fragmentario de la producción artística en Europa y Estados Unidos, fundamentalmente, en ese año.
La idea de tiempo está muy presente en la exposición a través de los relojes de Artschwager y Allighiero & Boetti o en particulares naturalezas muertas como la bola de rosas de James Lee Byars o el bodegón de IRWIN que es también un calendario. La muestra incluye imágenes de muerte como Les Tombes de Sophie Calle o los ahorcados de las esculturas de Pepe Espaliú y Martin Kippenberger. La estrategia de la mascarada y el cuestionamiento de las identidades aparece en las obras de Jo Spence, Tseng Kwo Chi y Tracey Moffat. También los relatos de vida son fundamentales, como ocurre en los dibujos de Vittorio Scarpati que hablan sobre su experiencia como enfermo de SIDA, o la serie que Nan Goldin dedica al propio Scarpati y su pareja, la actriz Cookie Mueller.
Y es que 1989 fue un año histórico y también la fecha en que se inauguró el IVAM, el primer proyecto para la creación de un museo moderno y contemporáneo que se desarrolló en el estado español fomentado por la política de las Autonomías y la necesidad de reconocer y promover el arte y la cultura más reciente, negada durante décadas en nuestro territorio.
1989 ha sido considerado como el año en el que terminó una época, la que quedó definida por la Guerra Fría que siguió a la II Guerra Mundial, por el enfrentamiento entre el Este y el Oeste, entre las democracias europeas y norteamericanas y las dictaduras soviéticas y sus consecuencias bélicas, geográficas, políticas y sociales. Un fin que quedó reflejado en una imagen: la de la caída del muro que separaba Berlín el 9 de noviembre, un muro que valía por otro, el del Telón de acero.
En 1989 se celebró también el doscientos aniversario de la revolución francesa que había establecido las bases del pensamiento contemporáneo y las libertades de los ciudadanos y, sin embargo, tras el colapso de la Unión Soviética, ha sido considerado como el año en el que fracasaron las revoluciones. Ya no había posibilidad para el disenso, o se pretendía que no hubiera, y el disenso necesariamente empezaría a tomar otras formas, como se ha visto muy recientemente. Ese año en el que se celebraban las libertades, fue también uno de los más difíciles en su protección. Una ola de conservadurismo inundó Estados Unidos y Europa, haciendo que se hiciera del todo evidente la separación entre la esfera de la política, que se refugiaba cada vez más en la defensa de lo que daban en llamar valores tradiciones y en una idea caduca de moralidad pública, y la de la cultura, que defendía derechos como el aborto, la libertad sexual o la separación entre iglesia y estado.
En ese año se produjeron algunos casos de censura muy relevantes en Estados Unidos, como el cierre de la exposición de Robert Mapplethorpe en la Corcoran Gallery de Washington o la retirada de fondos a la National Endowment for the Arts tras el escándalo que supuso la exposición del Piss Christ de Andres Serrano.
Fue el año en que se fundó ACT UP en Francia, siguiendo el modelo estadounidense de acción política directa, para visibilizar la pandemia del SIDA.
Aunque quizás, como todo final, 1989 conllevó un principio, se inició el camino hacia lo que está ocurriendo hoy, en el que los ejes se han desplazado y multiplicado, y la globalización parece haber triunfado, acabando con las particularidades porque, detrás de ese término en apariencia positivo, se ocultan sus consecuencias más negativas: un capitalismo feroz que ha profundizado las desigualdades.
La exposición incluye una publicación gratuita con artículos completos de 1989, entre los que se encuentran Postcards from America: X-Ray from Hell, del artista estadounidense David Wojnarowicz, y Contemporary Cultural Practice: Some Polemical Categories, de la crítica india Geeta Kapur.

CASO DE ESTUDIO: 1989. IVAM
Hasta el 9 de junio

1989 fue también el año en el que se inauguró el IVAM. La exposición 1989. IVAM, dentro de la línea de exposiciones Caso de estudio, ha partido de la propia colección del museo y de la documentación que conserva y ha sido realizada junto a los participantes en el Centro de Investigaciones Colaborativas (C.I.C.), un grupo de investigación, dirigido por Sandra Moros y Sergio Rubira, del que forman parte quince jóvenes profesionales del sector artístico y estudiantes de Máster o doctorandos en Historia del Arte y Bellas Artes de la Universitat de València y la Universitat Politècnica de València.
Esta exposición quiere mostrar cómo nació el IVAM y ahondar en elementos clave de su identidad como su colección, definida al comiezo por un proyecto profundamente historicista, el modo en el que se comunicaba el museo con la prensa y su entorno, el edificio que lo acoge y su relación con su contexto más cercano.
Caso de estudio. 1989. IVAM ha sido pensada también como un punto de encuentro en el que, a partir de abril, se desarrollarán conversaciones, charlas, visitas que profundizarán en algunos de los aspectos que se señalan en la exposición.